Mapa Conceptual Bloque I

16 03 2010

MAPA CONCEPTUAL BLOQUE 1





Diario Bloque 1

24 11 2009

Aquí empiezo mi blog, espero que esto vaya cogiendo forma poco a poco, de momento aquí os dejo un video que he encontrado en Youtube sobre para que nos sirven los blogs en Educación Artística y en la educación en general.

Aquí os dejo otro video que nos habla brevemente sobre el mismo tema

24/11/09

Práctica:

Hoy hemos tenido la primera clase práctica de la asignatura, y hemos aprendido una serie de conceptos básicos en cuanto a la composición y sus características.
Para empezar hay que señalar que lo mínimo que se puede poner en el folio es el punto, y que no es lo mismo colocarlo en el centro que en otro lado, ya que dependiendo de donde pongamos los puntos van a tener más o menos tensión. Cuanta más tensión tenga una cosa mas llama la atención y posee más capacidad de movimiento.
Como ya hemos dicho, en el plano donde representamos lo mínimo que puedo poner es un punto y las cosas cambian conforme ponemos el punto en otro sitio. El sitio más equilibrado es el centro, es el punto de máximo equilibrio. Cuando cambiamos el punto de lugar llama más la atención, a esto se le llama aguzamiento o tensión.
Sobre este tema he encontrado una página en Internet bastante interesante, aquí os dejo el link:
http://www.imageandart.com/tutoriales/morfologia/alfabetividad_visual/6ta_parte/index.html

El cerebro establece dos ejes, por lo que el punto de máximo equilibrio del papel es el centro.

Cuando el punto se cambia de sitio, el cerebro gana en tensión, por lo tanto cuando nos alejamos del centro ganamos en tensión, y si nos salimos del eje, ganamos en desequilibrio, entonces, cuando gano en tensión pierdo equilibrio.                                                                                                                                     En esta composición se puede observar que la primera tiene mayor equilibrio, mientras que la segunda tiene más tensión.

Las diagonales también le gustan al cerebro, no tanto como las anteriores, pero las acepta.

Para que un punto llame más la atención se saca fuera de las líneas que por defecto traza el cerebro en el papel, por lo tanto la simetría da equilibrio. Podríamos decir que la composición funciona como una balanza,  se equilibra si en un lado hay un punto mayor y en el otro lado dos más pequeños.

Todo lo que se pone al papel en el lado derecho le pesa más al cerebro, lo cual quiere decir que para equilibrarlo necesita a la izquierda un punto ligeramente más grande.

También debemos tener en cuenta que lo que está arriba pesa más, por lo tanto para equilibrarlo tendremos que poner abajo un punto ligeramente mayor. Si tengo un punto muy alejado se compensa con más peso en el otro lado.

La altura también influye, ya que lo que está arriba pesa más que lo está abajo.

En la siguiente composición podemos observar como B) le pesa muchísimo; A y D) le pesa; y C) no le pesa nada.

El Peso visual es la capacidad que tiene una forma para llamar la atención. Los colores chillones, lo grande frente a lo pequeño, lo que se encuentra cerca frente a lo que se encuentra lejos, etc.

Aquí os dejo un blog interesante que habla sobre el peso visual

http://patecomposicionbidimensional.blogspot.com/2007/11/peso-visual.html

Y aquí os dejo otra pagina que habla sobre el mismo tema

http://www.slideshare.net/cuencabonilla/el-peso-visual

Hay cuatro tipos de líneas:

  • Horizontal: es la línea del equilibrio total. Se relaciona con dormir, la muerte, el horizonte, la calma, etc.

Las líneas dominantes deben centrar la atención, no desviarla. Se puede hallar una línea casi en cualquier cosa, como en un camino o en una sombra. Una de de las normas más populares de la composición se basa en la repetición de las líneas y objetos, especialmente cuando el tema es una estructura.

Las líneas horizontales, suelen expresar armonía y profundidad, paz y tranquilidad, mientras que las verticales limitan la profundidad y actúan como barreras entre la imagen y la vista, es decir subrayan la grandiosidad del motivo.

  • Vertical: se trata de la línea del equilibrio pero no de la calma. Es la propia del ser humano, está en tensión.

  • Diagonal: no está en equilibrio, está en tensión. Todavía la diagonal quebrada está mucho más en tensión. Una composición con diagonales se ve mucho más dinámica que otras con horizontales y verticales. Esto ocurre también con las líneas curvas.

Dentro de las diagonales podemos diagonal quebrada.

  • Curvas: estas están en tensión pero muchísimo más que las diagonales. Otras que están mucho más en tensión son las espirales.

Las curvas son otra forma de composición bella y armónica, y también una de las más comunes. La vista sigue suavemente la curva hasta alcanzar el principal centro de interés, centro que debemos asegurarnos que exista.

Dentro de las curvas también podemos encontrar la espiral.

En la siguiente imagen podemos observar como tanto la imagen B como la C son mucho más dinámicas que la A.

En estas fotografía se aprecian las curvas.

En cuanto a la sensación de espacio, influyen los siguientes aspectos:

  • Color: cuanto más definido esté el color más cerca se ve. Lo que tiene colores más fuertes tienen a verse más cerca. Los colores calidos dan  una sensación de calor y visualmente reducen el espacio donde son aplicados, en cambio los colores fríos agrandan el espacio donde son aplicados. Consultando en la Web he observado que los decoradores utilizan mucho los colores para dar una mayor o menor sensación de espacio. Aquí os dejo un par de fotos sobre la decoración de una habitación, en la primera se han utilizado colores cálidos y en  la segunda imagen colores fríos.

  • Situación: Cuanto más cerca está algo del horizonte más lejos se ve. Lo que está más abajo se ve más cerca. Lo que está apoyado en el suelo es lo que se siente más cerca. Por ejemplo en esta fotografía nos da una gran sensación de espacio y libertad, ya que el cielo domina la extensión y se resalta, bajando  la línea del horizonte.

En esta otra imagen se puede observar una gran profundidad.

  • Luz: lo que tiene más detalle y textura se ve mejor.

A veces la fotografía puede reproducir la textura con tanta fidelidad que a simple vista puede decirse que sensación daría tocar el objeto fotografiado, como por ejemplo esta imagen.

  • Perspectiva:  “La perspectiva es el arte de dibujar volúmenes (objetos tridimensionales) en un plano (superficie bidimiensional) para recrear la profundidad y la posición relativa de los objetos. En un dibujo, la perspectiva simula la profundidad y los efectos de reducción. Es también la ilusión visual que,  percibida  por el observador, ayuda a determinar la profundidad y situación de objetos a distintas distancias.”

http://es.wikipedia.org/wiki/Perspectiva

La imagen B) es mucho más interesante que la A), ya que juega con líneas diagonales que la hace mucho más dinámica. Simplemente cambiando la posición de la perspectiva le da más dinamismo.

La perspectiva es el mejor procedimiento para crear una sensación tridimensional en una fotografía.

El uso de la perspectiva y la forma de situar los elementos de la imagen, nos permite obtener fotos como estas que he encontrado en Internet.

Algunas perspectivas imposibles que he encontrado, son las llamadas ilusiones ópticas.

Esta página es de las más interesantes que he encontrado, en ella nos enseña como dibujar en perspectiva.

http://www.draw23.com/es/perspective

Aquí os dejo el video de esta última página para que lo podáis ver directamente desde el blog.

Aquí otro video de Youtube sobre la perspectiva, pero esta vez realizado a ordenador, me pareció también interesante.

Y aquí os dejo otro más.

Para terminar con la perspectiva aquí os dejo una página que me resulto  interesante sobre este tema.

http://www.quesabesde.com/camdig/articulos.asp?articulo=71

  • Espacio: 
    • Superposición o traslapo

Este es un dibujo con superposición de planos.

  • Detalle, textura, etc.: el hecho de colocar algo en primer plano, le da mucho más detalle y mayor sensación de profundidad.

Para terminar os dejo una actividad que hemos realizado, en ella tratamos de representar una imagen estática y otra dinámica utilizando solo puntos, pero antes voy a escribir un poco de teoría respecto al tema.

Las imágenes normalmente están formadas por muchos elementos, y normalmente preferimos que todos esos elementos estén dispuestos de modo que al final queden compensados entre ellos.

Al disponer los elementos de la imagen para que entre ellos se compensen y para que todo tenga una cierta unidad lo que hacemos es crear una composición equilibrada.

La ley de la balanza nos dice que cuando situamos el mismo peso a ambos lados de una balanza, ésta queda equilibrada, cuando hablamos de peso en el mundo de las imágenes, nos referimos a peso visual. La balanza se puede equilibrar de dos maneras:

  • Con pesos idénticos a ambos lados: Composición simétrica, o clásica o estática. Es muy equilibrada, perfecta y relativamente sencilla. Pero la mayoría de las veces resulta monótona e incluso a veces aburrida.
  • Con pesos desiguales a ambos lados: Composición dinámica o asimétrica. En ella los pesos son desiguales a ambos lados del eje pero equilibrados entre sí.

Imagen Estática.

Imagen Dinámica.

25/11/09

Teoría:

En la primera clase teórica de la asignatura además de realizar una presentación de la asignatura, hemos intentado dar una explicación entre todos a la pregunta ¿Qué es la Educación Artística?, hemos ido dando ideas acerca de que entendemos por Educación Artística, algunas de ellas son las siguientes:

  • Expresar/transmitir.
  • Conocer lo que es realmente el arte.
  • Creatividad e imaginación.
  • Conocimiento de sí mismo.
  • Interpretar la realidad.
  • Lenguaje universal/lenguaje visual.
  • Saber hacer/utilizar medios/habilidades.
  • Compartir sentimientos y puntos de vista.
  • Trabajos manuales.
  • Destrezas plásticas.
  • Desarrollo sentimental.
  • Desarrollo cultural.
  • Conocimientos a través del arte que no se dan en otras asignaturas.

Como aquí queda reflejado son muchas las ideas y conceptos que se propusieron, esto demuestra que la educación artística abarca gran cantidad de contenidos, y de gran importancia para el desarrollo tanto social como intelectual del ser humano.

De entre estas ideas, destacaría como una de las más importantes que la Educación Artística supone el conocimiento de sí mismo, y también implica interpretar la realidad.

En cuanto a  la creatividad y la imaginación yo opino que son dos aspectos básicos para desarrollar una buena capacidad artística.

Como muestran estas imagenes, se puede ser creativo de muchas formas.

Buscando en Internet he encontrado algunas definiciones e ideas que pueden resultar interesantes para introducirnos un poco en lo que es la educación, la Educación Artística y el arte.

La educación es un proceso que permite que una persona asimile y aprenda conocimientos. Las nuevas generaciones logran adquirir los modos de ser de las generaciones anteriores y se produce una concienciación cultural y conductual. Con la educación, el sujeto adquiere habilidades y valores.

La educación artística, por lo tanto, es el método de enseñanza que ayuda al sujeto a canalizar sus emociones a través de la expresión artística. En este sentido, este tipo de educación contribuye al desarrollo cultural del hombre. La noción de arte cambia con el correr del tiempo; la educación artística, por lo tanto, debe adaptarse a estas modificaciones y reproduce los parámetros artísticos de su época al difundirlos entre los alumnos. Sin embargo, su objetivo no debe ser la copia o imitación, sino el desarrollo de la individualidad de cada estudiante. La educación tiene que dar las herramientas necesarias para que el sujeto actúe con ellas y pueda explotar su potencial.”

www.definicion.de

“La educación artística ha de entenderse no solo como el desarrollo de capacidades perceptivas hacia el arte, o como vía para la formación inicial de intereses hacia él, sino también como la posibilidad que este tiene de favorecer la apropiación de conocimientos y valores humanos de esta manera, emocional y sensible, que solo es dado comunicar a través del arte.”

Los instrumentos de que se vale la educación artística son la Educación Plástica, la educación musical y la educación expresiva del cuerpo, entre otras. En el trabajo cotidiano del centro, todas encuentran su manifestación, aunque la plástica, por su diversidad y amplitud, constituye la base principal de la educación artística en el currículo.”

http://www.waece.org/index.php

La educación artística nos hace comprender la importancia de la innovación y la creatividad en nuestras vidas como un mecanismo clave de interacción social, justamente por el conocimiento estético, intuitivo y especializado que esta área contiene, es que aprendemos a interiorizar el entorno y la vida misma.”

El área de educación artística propone sensibilizar, potencializar habilidades y estimular la capacidad creadora del estudiante para que el futuro cercano y lejano se convierta en el hombre capaz de transformar su medio ya sea familiar, laboral o social con el aporte de sus aptitudes innatas y que a su vez lo impulsara a buscar una mejor calidad de vida donde conserve el sentido de identidad personal.”

http://www.scribd.com/doc/3711671/EDUCACION-ARTISTICA

En estas definiciones e ideas se destaca el papel tan importante que tiene la educación artística en el desarrollo cultural y social de la persona.

A mi parecer queda clara la gran importancia que tiene la Educación Artística sobre el desarrollo humano, y creo que sin su estudio no podríamos conocernos en profundidad, ya que a través del arte expresamos ideas, sentimientos, pensamientos, etc., que no pueden ser expresados o que resultan más difíciles de expresar  a través de otros medios.

Mis expectativas en cuanto a esta asignatura no son demasiado altas, porque nuca se me ha dado bien las manualidades, ni el dibujo, ni el manejo de los instrumentos necesarios para llevar a cabo estas actividades, como el compás, escuadra, cartabón, etc.

Pero ahora que empezamos espero que como bien dice el profesor, esto sea diferente a todo lo que nos han enseñado antes, a base de hacer láminas y actividades repetitivas en las que uno no expresa ni transmite nada, simplemente copia.

Mi madre me contó el otro día cuando vio que había comprado temperas y material para esta asignatura que cuando estaba en Primaria y teníamos que pintar, no quería ir al colegio y a veces hasta fingía estar malo.

Como hemos aprendido en psicología, el proceso de generalización es algo que se da mucho en educación, pero yo voy a intentar no generalizar mis malas experiencias en esta asignatura y voy a intentar afrontar esta asignatura de modo diferente a como la afrontaba cuando estaba en el colegio o  instituto.

En cuanto a la definición de arte, he encontrado las siguientes:

“Virtud, disposición y habilidad para hacer alguna cosa”

“Acto o facultad mediante los cuales, valiéndose de la materia, de la  imagen o del sonido, imita o expresa el hombre lo material o lo inmaterial, y crea copiando o fantaseando”.

“Conjunto de preceptos y reglas necesarios para hacer bien alguna cosa”

Diccionario de la Lengua Española – Real Academia Española

“El arte es entendido generalmente como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad estética o comunicativa, a través del que expresa  ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, mediante diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos. El arte es un componente de la cultura, reflejando en su concepción los sustratos económicos y sociales, y la transmisión de ideas y valores, inherentes a cualquier cultura humana a lo largo del espacio y el tiempo.”

“La definición de arte es abierta, subjetiva, discutible. No existe un acuerdo unánime entre historiadores, filósofos o artistas. A lo largo del tiempo se han dado numerosas definiciones de arte, entre ellas: «el arte es el recto ordenamiento de la razón» (Tomás de Aquino); «el arte es aquello que establece su propia regla» (Schiller); «el arte es el estilo» (Max Dvorák); «el arte es expresión de la sociedad» (John Ruskin); «el arte es la libertad del genio» (Adolf Loos); «el arte es la idea» (Marcel Duchamp); «el arte es la novedad» (Jean Dubuffet); «el arte es la acción, la vida» (Joseph Beuys); «arte es todo aquello que los hombres llaman arte» (Dino Formaggio). El concepto ha ido variando con el paso del tiempo: hasta el Renacimiento, arte sólo se consideraban las artes liberales; la arquitectura, la escultura y la pintura eran “manualidades”. El arte ha sido desde siempre uno de los principales medios de expresión del ser humano, a través del cual manifiesta sus ideas y sentimientos, la forma como se relaciona con el mundo. Su función puede variar desde la más práctica hasta la ornamental, puede tener un contenido religioso o simplemente estético, puede ser duradero o efímero. En el siglo XX se pierde incluso el sustrato material: decía Beuys que la vida es un medio de expresión artística, destacando el aspecto vital, la acción. Así, todo el mundo es capaz de ser artista.”

http://es.wikipedia.org/wiki/Arte

“En sentido lato, disposición o aptitud para hacer alguna cosa y en consecuencia el conjunto de reglas o preceptos para conseguir el mismo fin. En sentido más estricto el arte es elaboración o creación de alguna cosa. Esta creación puede ser de objetos de valor esencialmente estético. En el primer caso se trata de artes prácticas, utilitarias, industriales o  de aplicación. En el segundo caso, tenemos las llamadas bellas artes y las artes decorativas. Suelen considerarse bellas artes la arquitectura, la escultura, la pintura y la música. Son llamadas plásticas las que utilizan materiales transformables por la mano del hombre, o sea la arquitectura, la escultura y la pintura. En sentido filosófico la creación artística sea de la clase que fuere, representa algo opuesto a la naturaleza, a la cual añade siempre valores humanos, y se opone también a la ciencia en orden a los procedimientos de ataque de la realidad, creadores en el arte y de puro conocimiento en la ciencia”

Diccionario enciclopédico Lexis 22.

Me ha resultado bastante interesante la dificultad que hay para dar una definición consensuada de lo  que es el arte. Creo que esta dificultad se basa sobre todo en su carácter subjetivo. El arte es distinto dependiendo de en que contexto estemos, se podría decir que la definición de arte es en gran medida cultural, y esta bastante claro que no vamos a concebir igual el arte en la cultura occidental que en la oriental, ni tampoco lo van a definir igual un musulmán que un cristiano. Aun así hay algunas características del arte que creo que pueden ser universales, ya que como hemos visto antes su lenguaje es universal. Además es bastante interesante como su definición ha ido cambiando a lo largo del tiempo.

Existen muchas disciplinas artísticas, pero si nos centramos en las artes visuales, las disciplinas son las siguientes:

  • Arquitectura: es el arte de proyectar y construir edificios, denominada a veces como el “arte del espacio”.

  • Arte corporal: es el que utiliza el cuerpo humano como soporte. Dentro de esta disciplina artística se encuentran diversas actividades como el maquillaje, el vestuario, la peluquería, el tatuaje, etc.

  • Arte digital: es el realizado por medios digitales, como el video o la informática, vinculado a menudo a las instalaciones, o que utiliza diversos soportes, como Internet.

  • Arte efímero: es el que tiene una duración determinada en el tiempo. Se incluyen actividades como la gastronomía, la perfumería, la pirotecnia, etc. Es esencial en este tipo de actividades la participación del público.

  • Artes decorativas o aplicadas término aplicado preferentemente a las artes industriales, así como a la pintura y la escultura, cuando su objetivo no es el de generar una obra única y diferenciada, sino que buscan una finalidad decorativa.

  • Artes gráficas:  son las que se realizan por medio de un proceso de impresión; así, son artes gráficas tanto el grabado como la fotografía, el cartelismo o el cómic, o cualquier actividad artística que utilice un medio impreso.

  • Artes industriales: son las desarrolladas con una elaboración industrial o artesanal pero persiguiendo una cierta finalidad estética, sobre todo en la elaboración de determinados objetos como vestidos, viviendas y utensilios, así como diversos elementos de decoración.

  • Artes y oficios: son las que comportan un trabajo manual, que puede tener un carácter artesanal o industrial. Engloba diversas actividades como la cerámica, la corioplastia, la ebanistería, la forja, la jardinería, la joyería, el mosaico, la orfebrería, la tapicería, la vidriería, etc.

  • Cinematografía: técnica basada en la reproducción de imágenes en movimiento.

  • Dibujo: representación gráfica realizada por medio de líneas, trazos y sombras, elaborados mediante lápiz, pluma u objetos similares. El dibujo está en la base de casi cualquier obra artística, pues la mayoría de obras pictóricas se realizan sobre un esbozo dibujado sobre el lienzo, sobre el que posteriormente se pinta; igualmente, muchas esculturas son diseñadas primero en dibujo, e incluso la arquitectura se basa en planos dibujados.

  • Diseño: es la traza o delineación de cualquier elemento relacionado con el ser humano, sea un edificio, un vestido, un peinado, etc

  • Escultura: es el arte de moldear figuras en volumen, mediante diversos materiales como el barro, la piedra, la madera, el metal, etc

  • Fotografía: es una técnica que permite capturar imágenes del mundo sensible y fijarlas en un soporte material (una película sensible a la luz).

  • Pintura: es el arte y técnica de crear imágenes a través de la aplicación de pigmentos de color sobre una superficie, sea papel, tela, madera, pared, etc

Esta información viene ampliada en la siguiente página:

http://es.wikipedia.org/wiki/Arte

El arte nos ayuda a conocer otras culturas, formas de pensar, formas de interpretar la realidad, etc.,  que no podríamos conocer a través de métodos científicos, que estudian el ser humano de manera objetiva. Para mí el arte es algo totalmente vinculado con el ser humano y con su historia. Hay que destacar que el arte es un medio ideal para transmitir ideas y valores a lo largo del tiempo.

Este video me pareció interesante,  porque en él  se refleja el significado del arte en un ambiente popular, el video ha sido realizado por estudiantes de Historia de la Cultura de una Universidad Argentina.

Como se puede ver en este último video hay muchas formas de entender el arte y muchas formas de expresarlo, por ejemplo  en este otro video esta artista, ganadora del programa “Tu si que vales” de Ucrania, expresa el arte ilustrando con arena, música e imaginación la ocupación alemana de Ucrania durante la Segunda Guerra Mundial.

En este otro video  se muestra la obra de un hombre que ha expresado su arte y que me ha impresionado mucho, ya que sin tener ningún tipo de conocimiento sobre arquitectura (simplemente era labrador) ha construido una Catedral utilizando materiales reciclados y sin recibir ningún tipo de ayuda ni subvención oficial, este hombre es Justo Gallego, que ha construido esta  impresionante Catedral que se hizo más famosa a partir del anuncio de Aquarius.

Aquí dejo una página que me pareció interesante sobre la Educación Artística en la que se definen características importantes de esta materia: 

http://www.tesisenxarxa.net/TESIS_UAB/AVAILABLE/TDX-1027104-164012//jjma03de16.pdf.PDF

En esta primera clase teórica empezamos a hacer una introducción mas profunda sobre los distintos modelos de la Educación Artística. Los modelos empleados en la educación artística son los siguientes:

Modelo A): Educación Artística basada en el proceso, vinculada al sistema productivo. Es la concepción más antigua, proviene del siglo XVIII. Su objetivo principal es que los alumnos aprendan a dibujar, por lo tanto trata de desarrollar técnicas, procedimientos y destrezas en sus alumnos para tratar de alcanzar este  objetivo. Este modelo suele basarse en la copia y la reproducción de modelos o de la realidad, por lo tanto siempre estará relacionado con el desarrollo de una capacidad estética.

Este modelo por si solo presenta una serie de limitaciones:

  • No es imprescindible saber copiar ni desarrollar destrezas miméticas.
  • El objetivo de las Artes no tiene por qué ser la belleza ni la excelencia técnica.
  • Hay muchas maneras de ver la realidad y de pintar o dibujar.

Mi opinión respecto a este modelo, es que es un modelo anticuado y que no refleja lo que debe ser la Educación Artística hoy en día, ya que al basarse en la copia y la reproducción de modelos o de la realidad, no desarrolla en los alumnos la capacidad de expresarse personalmente, en este solo se valora la imitación exacta, no lo que exprese cada uno, ni lo que quiera transmitir, por lo que el alumno no alcanzará un desarrollo personal completo a través de este modelo. También hay que destacar que una de las características propias de la Educación Artística actual es interpretar la realidad, y en este modelo no se interpreta solo se reproduce o se copia.  Aunque he criticado en gran medida a este modelo, también tiene algunas ventajas, como algunas capacidades que el acto de dibujar desarrolla en las personas, una de ellas es que mejora la capacidad de atención, y que desarrolla una capacidad estética.

Modelo B): Educación Artística para la creatividad y la autoexpresión. Es el denominado modelo de autoexpresión. Surge a principios del siglo XX. En este modelo se plantea la necesidad de la educación estética, tratando de desarrollar en los alumnos un aprecio por crear. Para ello se deja a los niños dibujar y “expresarse” libremente, por lo que el profesor solo es un acompañante. Ya no se persigue imitar o representar. Se basa en que hay que abandonar las constricciones y las “convenciones” y buscar la expresividad espontánea. En este modelo se ve la influencia de Rousseau. También se basaba en el descubrimiento y estudio del arte infantil, porque lo consideraban el más espontáneo de los dibujos. Muchos autores han estudiado el dibujo infantil y lo han considerado muy  importante en el estudio del desarrollo humano, uno de ellos fue Jean Piaget que analizó el desarrollo del dibujo infantil y diferenció distintas etapas, aunque algunos autores opinan que estas etapas no se cumplen.

Este modelo me parece más interesante que el anterior ya que se basa más en la creatividad, expresividad y la espontaneidad, tres rasgos que considero básicos en el arte. A través de la puesta en práctica de este modelo se ayuda a desarrollar el pensamiento divergente imprescindible para ser autónomo, creativo y libre en cualquier campo de la vida y del saber.

Aunque también tienes sus aspectos negativos, uno de ellos es que se trata de crear algo espontáneamente, pero esto la mayoría de las veces no es así, ya que la mayoría de las obras se basan en algo ya aprendido o en aspectos copiados de otras obras. Otro aspecto negativo es que muchas cosas no son creativas ni autoexpresivas, y son necesarias, como es el caso del dibujo técnico por ejemplo.

Otro concepto equivocado de este modelo es que concibe al profesor como un acompañante, yo estoy de acuerdo con Vigotsky en afirmar que un alumno que se ponga a realizar unas tareas con la ayuda del maestro se mostrará muy superior a otro que trabaje solo. Esto es lo que se denomina zona de desarrollo próximo.

Sobre este modelo el profesor dio un dato que me pareció interesante, y esta referido con el carácter autodidacta de este modelo, ese dato es que Van Gogh en realidad no fue autodidacta, es decir que Van Gogh no aprendió por si mismo a dibujar, sino que le costo bastante esfuerzo aprender las técnicas para dibujar. Por lo tanto se puede decir que este modelo se basa en mitos como el de Van Gogh, que en realidad no son ciertos.

En la página que mencione antes he encontrado un esquema bastante interesante para la aplicación de este modelo a la educación de los niños, el cual de manera resumida nos dice  lo siguiente:

“Modelo de Autoexpresión:

Objetivos:

–         Desarrollo de la creatividad; autoexpresión; integración de la personalidad; y centrada en el niño.

Contenidos:

–         Ejercicio del arte como autoexpresión; variedad de métodos y materiales.

Currículum:

–         Desarrollado por cada profesor individualmente; implementación no secuencial ni articulada.

Concepción del alumno:

–         Los alumnos tienen una creatividad y expresividad innatas: hay que fomentar sus capacidades más que enseñarle. El efecto de las imágenes artísticas de los adultos es que inhibe el desarrollo creativo natural de los alumnos.

Concepción del  profesor:

–         Favorece la motivación y el apoyo; no impone los conceptos adultos de las imágenes; trata de no inhibir la autoexpresión del niño.

Creatividad:

–         Innata en el niño; se desarrolla de manera natural, al proporcionar las oportunidades y motivaciones necesarias; la falta de desarrollo creativo se debe a la intervención de los adultos.

Implementación:

–         Se puede alcanzar dentro del aula; no es fundamental la coordinación entre aulas y escuelas.

Obras de arte:

–         Las obras de arte de los adultos no son estudiadas; las imágenes de los adultos pueden influir en el desarrollo expresivo y creativo del niño de manera negativa.

Evaluación:

–         Se fundamenta en el desarrollo y procesos de las actividades prácticas de los niños; normalmente se renuncia la evaluación de los logros del alumno.”

http://www.tesisenxarxa.net/TESIS_UAB/AVAILABLE/TDX-1027104-164012//jjma03de16.pdf.PDF


Modelo C): Educación Artística para el desarrollo de la percepción y la alfabetización visual. (Formalista, de lenguaje visual). Es el modelo de la Reforma LOGSE y sigue muy presente en la LOE. Su objetivo principal es darle cientificidad a la materia, hacerla disciplinar. Algunas de las características más importantes de este modelo son:

  • Afirma que hay un lenguaje visual, y que los niños tienen que aprender sus componentes.
  • Hay que educar al niño como consumidor de imágenes.
  • Es importante conocer el código de lo visual y “leer” los significados explicitos e implícitos de las imágenes.
  • Aprovecha la traducción de libros muy importantes, pero escritos a veces décadas antes.
  • Esta ligado a una concepción de la imagen y lo visual derivada del diseño y de la Psicología del Arte de Arnheim, Dondis, etc.

Este modelo presenta algunos problemas, entre los cuales se pueden destacar los siguientes:

  • Hay autores que niegan que el arte funcione exactamente como un lenguaje.
  • Insiste mucho en los elementos de la imagen, en el conocimiento de los procesos formales más técnicos. Y eso no siempre ayuda a entender las imágenes.
  • Hace una “lectura” muy automática de las imágenes.
  • Las personas no pueden ser concebidas como “consumidores” de imágenes.
  • Las actividades diseñadas según este modelo a menudo son aburridas, reiterativas, descontextualizadas y no tienen sentido para los alumnos.

Estas redes modulares muestran lo aburridas y reiterativas que son estas actividades.

A pesar de estos problemas que presenta este modelo, podemos aprender cosas interesantes, como por ejemplo conocer los elementos del “lenguaje visual” que puede ayudarnos a entender mejor cómo se crea una imagen, también nos pude servir para conocer el código y el uso ortodoxo de los elementos plásticos, que puede ser útil cuando trabajamos el diseño, la pintura abstracta, la fotografía, etc.

En mi opinión este modelo es muy importante para desarrollar la percepción visual, que es imprescindible para desarrollar maduraciones mentales que propiciaran aprendizajes posteriores, como la lectura, la escritura y el cálculo; el arte es la base de nuestros aprendizajes básicos. Por lo tanto este modelo es claramente válido para conseguir la madurez del alumno, en la percepción, atención y reproducción, pero no podemos quedarnos aquí ya que no garantiza la creatividad del alumno.

No se debe aplicar este modelo para estimular el consumismo visual del que lo practica, este es el error vital que veo en este modelo.

Aquí os dejo un artículo sobre el consumismo de imágenes.

http://www.zocalo.com.mx/seccion/opinion-articulo/consumidores-de-imagenes/

Como conclusión al análisis de estos tres modelos, podemos decir que tienen cosas muy útiles que se pueden aprovechar, pero los tres están obsoletos en nuestra sociedad. Es preciso reflexionar antes de ofrecer un cuarto modelo. Por lo tanto debemos reflexionar sobre para qué educar en Artes Visuales, y eso implica pensar en como funciona lo visual actualmente.

En cuanto a la aplicación didáctica de estos modelos, creo que el que mejor se podría aplicar seria el  modelo de alfabetización, aunque pienso que todos se pueden llevar a la práctica. Yo creo que la mejor manera de llevarlo a la práctica es conjugar los diferentes aspectos positivos que tienen estos tres modelos, aunando en un modelo tanto el aprender a dibujar, como la autoexpresión, así como el desarrollo de la percepción y la alfabetización visual. A esto se le debería añadir también la comprensión crítica.

Modelo D) Educación Artística para la comprensión crítica: este es el modelo que vamos a utilizar en la asignatura y que explicaré mas adelante.

Este esquema encontrado en Internet refleja de manera resumida los tres modelos que hemos visto hasta ahora

http://ferdy9.wordpress.com/2009/05/15/tema-7-modelos-de-educacion-artistica/

Aquí dejo algunas páginas y blogs relacionados con los modelos de Educación Artística:

http://www.scribd.com/doc/19463611/MODELOS-DE-EDUCACIONARTISTICA

http://cristinita2.wordpress.com/2009/06/08/tema-7-modelos-de-educacion-artistica/

http://noesolmusic.wordpress.com/2009/05/13/tema-7-modelos-de-educacion-artistica/

http://marianguhu.wordpress.com/2009/06/29/tema-7/

http://sonia1989.wordpress.com/2009/05/14/tema-7-modelos-de-e-artistica/

1/12/09

Práctica:

Para este segundo día de práctica, el profesor nos pidió que trajésemos fotografías de objetos o de paisajes, tratando de que la composición se ajuste a lo explicado en la clase práctica anterior.

De uno en uno fuimos exponiendo las fotografías al resto de compañeros, y el profesor nos iba diciendo cuales eran nuestros errores. El error más habitual era que el horizonte no estaba bien situado, ya que en algunas fotografías estaba torcido o situado en el centro de la fotografía. El profesor nos advirtió de que el horizonte no se debe situar nunca en el centro de la imagen.

También hemos estado mencionando algunas normas que se deben cumplir en las fotografías para que su calidad sea aceptable, sea la imagen que sea la que queremos mostrar, después de haberme informado un poco sobre la cuestión, puedo decir que entre dichas normas están las relativas a profundidad o perspectiva, detalle, punto de vista, tamaño y escala, textura, forma y situación. Estos factores  forman un todo en la foto. Pero no todos estos factores tienen que estar presentes en cada fotografía, pero los que participen en cada una concreta, deben hacerlo de manera conjunta.

Otro de los factores más importantes que conforman el conjunto de la fotografía, es la composición (en la que nos centramos principalmente en ésta clase práctica), selección y disposición de sujetos, en el área de la imagen fotográfica, dando como resultado la capacidad para comunicar o transmitir algo.

Lo expresivo de una foto, no son los detalles, sino su efectismo, el cual no puede tener el mismo significado para todo el mundo, porque las personas no son todas iguales, pero si es efectiva, siempre encontrará personas que sabrán valorarla en su significado.”

http://www.fotonostra.com/fotografia/componerfotografia.htm

Esta afirmación nos recuerda el aspecto cultural que tiene el arte, y que este arte se basa en expresar o transmitir algo. También se resalta su lenguaje universal, ya que como bien dice, siempre encontrará personas que sabrán valorarla en su significado.  Por lo tanto en la fotografía se dan la mayoría de los rasgos que señalamos para el arte. Esto se vio reflejado en la clase cuando el profesor iba preguntando a los que exponían sus fotos en el proyector, que es lo que le transmitía esa fotografía. Algunos comentarios de los compañeros me parecieron bastante interesantes ya que decía mucho sobre ellos.

Respecto a esta actividad, realice algunas fotos a varios objetos intentando realizarla desde distintas perspectivas, pero me centre solo en los objetos, y creo que podría haber realizado fotos más interesantes, a paisajes o a personas. Aun así esta actividad me ayudo bastante a reflexionar sobre como se hace una buena fotografía, y me di cuenta de que no solo basta con apuntar y disparar así como así. Me he dado cuenta de que no es tan fácil hacer una buena fotografía, y que es más complejo de lo que yo pensaba en un principio. De momento me ha servido para ir practicando. Estas son algunas de las fotos que realice, ahora que conozco algunas de las reglas fotográficas y de composición me doy cuenta de que no están muy bien, pero bueno, como se suele decir de los errores se aprende, y a base de practicar tiene que salir mejor.

Por ejemplo en esta fotografía me doy cuenta ahora que la composición esta bastante descompensada ya que la señal pesa mucho visualmente. Además por su color negro sobresale en la imagen. Lo único bueno que le veo es que no he situado el horizonte en el centro de la imagen. Esta fotografía la realicé en la punta del sebo porque es un sitio que suelo frecuentar para estar tranquilo y relajado, porque me transmite tranquilidad. La realicé en este momento del día porque me gusta mucho el atardecer y me encantan los colores que toma el cielo

A esta otra fotografía intenté darle una mayor profundidad. En la composición predominan las diagonales, que las encontramos en los edificios. Creo que el fallo de esta fotografía es que la composición no es muy acertada. Pienso que en la parte superior derecha no debería haber aparecido el cartel ni la parte que se muestra, porque ésta, pesa demasiado visualmente.

Esta fotografía la realicé porque es una de las calles más famosas de Huelva por la que he paseado muchas veces. En esta imagen, aunque no aparezca mucha gente la identifico con el bullicio de la gente, con la vida que tienen las calles del centro cuando están llenas de gente.

En esta fotografía intenté realizar una toma en contrapicado, porque cuando realicé las instantáneas intentaba realizarlas desde diferentes perspectivas para ver como cambia un objeto dependiendo del punto de vista que lo viésemos. Realmente esta imagen no me transmite nada, simplemente que es la luz que alumbra el patio de mi casa. Ahora me doy cuenta que hay que buscarle un sentido a lo que quieres recoger con la cámara. Preguntarme por que quiero recoger ese objeto en ese instante.

En esta fotografía intente darle mayor profundidad a la imagen situando el árbol en primer plano. También intenté que la situación del horizonte en la composición fuera adecuada. También he tratado de tener en cuenta como incide la luz sobre la imagen.

Esta instantánea la he realizado desde el conquero porque es una de las zonas de Huelva que más me gusta. Pero también desde este sitio porque durante muchos días de mi vida he visto esta perspectiva del río, ya que el instituto donde estudié está en esta zona. Por lo que puedo decir que esta imagen significa algo más para mí, porque me trae muchos recuerdos y momentos vividos.

En esta fotografía que realicé al río Odiel podemos ver como predominan las líneas horizontales. Estas líneas le dan todavía mayor sensación de calma al río. También intenté darle sensación de profundidad.

Esta imagen me transmite paz, tranquilidad, profundidad y armonía. Me gusta bastante como se refleja el color del cielo sobre el río a esa hora de la tarde.

En esta fotografía también intenté tomar una toma en contrapicado, para así darle una mayor sensación de altura que si la hubiera realizado a nivel. Es interesante los distintos tipos de líneas que podemos encontrar en esta imagen.

También es muy importante en las fotografías tener en cuenta como incide la luz, para ello debemos buscar el ángulo de incidencia de la luz más adecuado para el concepto que deseamos comunicar.

El punto de vista de la fotografía o angulación del encuadre, es otro elemento a tener en cuenta, buscando información sobre esto, he aprendido que existen diferente formas de “tomar” una imagen, según la pagina fotonostra existen diferentes puntos de vista:

  • “Toma a nivel: Es cuando la fotografía se realiza desde el mismo nivel del objeto tomado, ni por encima ni por debajo de él. Sirve para mostrar o describir algo de manera “natural” u “objetiva”.


Esta imagen es un claro ejemplo de toma a nivel.

  • Toma en Picado: Es cuando la imagen se toma desde una posición más alta que el objeto fotografiado, de arriba hacia abajo.

Esta imagen esta realizada con una toma en picado.

  • Toma en Contrapicado: Es cuando la fotografía se realiza desde un lugar más bajo que el motivo tomado, quedando este más alto que la cámara.

Esta fotografía esta realizada con una toma en contrapicado.

  • Toma en Cenital: Es cuando la imagen se toma en un ángulo totalmente de arriba hacia abajo, en posición perpendicular con respecto al suelo, es decir, lo más extremo posible de una toma en picado.”

La luz y la sombra son dos aspectos muy a tener en cuenta a la hora de realizar una fotografía, ya que son uno de los temas principales en el campo del arte

Como bien dijo el profesor hay líneas en la escena de nuestro mundo, pero ignorado por nuestros ojos, utilizar estas líneas en la naturaleza es otra forma de hacer mejores  fotos.

También podemos diferenciar distintos tipos de planos, aquí en esta imagen podemos verlo.

Tipos de planos:

  • “Primerísimo primer plano (closeup): Tiene un enorme impacto visual. Está muy ligado a la emotividad y permite centrar la mirada en un pequeño fragmento de la realidad. Los detalles se capturan con especial facilidad, y cualquier pequeño error aparecerá magnificado, lo cual puede inutilizar por completo la toma.
  • Primer plano: Centra totalmente su atención en el sujeto. Llevan una gran carga emotiva y son perfectos para capturar los sentimientos que, utilizando planos más largos, pasarían desapercibidos. El primer plano es el perfecto para el retrato del rostro. Agranda el detalle y miniaturiza el conjunto de la escena, casi eliminando el fondo.
  • Plano medio: Es el plano intermedio por excelencia, y empieza a ser considerado un plano de retrato. Con este tipo de plano, se da más importancia todavía a los aspectos emocionales del sujeto. Se toman a los personajes por encima de la cintura. En este plano influirá el hecho de hacer la fotografía en formato vertical u horizontal. Eligiendo el primer caso, el personaje ocupará la gran mayoría de la escena y el fondo pasará desapercibido comienza a ser útil aplicar un desenfoque al fondo a partir de este punto.
  • Plano americano o medio largo: Corta al sujeto por debajo de las rodillas. Tiene su origen con las películas del oeste, y no fue hasta entonces cuando se comenzó a hablar de este plano como tal. Apareció porque se requería un tipo de plano medio que capturase al sujeto con desperdicio del fondo pero que permitiese ver el desenfunde del revólver. La orientación natural de este plano es vertical
  • Plano general: Sitúan la escena y refieren al sujeto en relación con su entorno.”

http://www.aulauruguay.com.ar/15/index.php?option=com_content&view=article&id=1294:elementos-basicos-para-trabajar-con-las-fotografias&catid=150:46&Itemid=300068

Una regla importante en la fotografía es La Ley de los Tercios o Regla de los Tercios, esta regla divide la escena en tres partes, tanto horizontal como verticalmente. Las líneas que determinan estos tercios se cortan en puntos estéticamente adecuados para situar el centro de interés, con lo que evitamos que éste, al estar situado en el centro de la imagen resulte estático.

“En el recuadro fotográfico deben trazarse, imaginariamente, dos líneas equidistantes verticales y dos horizontales, siendo en torno a alguno de los cuatro puntos donde se cruzan las cuatro líneas, en donde debe colocarse el motivo que deseamos resaltar dentro de la composición.”

http://www.fotonostra.com/fotografia/reglatrestercios.htm

En esta imagen podemos verlo más claramente

“Según la división por tercios de una escena, la confluencia de los tercios marcan unos puntos donde se hacen llamativos los objetos, llamados puntos fuertes. El centro es un punto fuerte. Es recomendable hacer coincidir los objetos con estos puntos.”

http://www.fotonostra.com/fotografia/reglatrestercios.htm

La Ley del Horizonte es otra de las reglas básicas que tenemos que tener en cuenta

“Se indica, que en el recuadro fotográfico deben trazarse, imaginariamente y con una afinidad, tres líneas horizontales de igual anchura, tanto si se esta trabajando en posición horizontal o vertical, y en la gran mayoría de las ocasiones, darle alrededor de dos bandas a la zona donde se encuentra el motivo principal, y más o menos una banda a la zona secundaria.

Generalmente, la amplitud de ambos espacios dependerá de la mayor o menor importancia de cada uno de estos, pudiendo ser casi iguales si la relación entre el motivo principal y el secundario no es tan desequilibrado nuestro fotograma, hasta reducirse la zona secundaria a solo un pequeño borde si el motivo principal es muy destacado.

Es importante destacar, que esta regla no solo se aplica cuando esta presente el horizonte, sino en toda imagen que tenga una línea más o menos horizontal que divida a la composición en dos espacios significativamente diferenciados.”

En este esquema podemos verlo más claro.

Y en esta fotografía también se puede observar.

Nunca se debe poner el horizonte en el medio de la fotografía, pues aunque creamos que eso la equilibrará, hará todo lo contrario y no lograremos llamar la atención del espectador.

El retrato es también muy importante en la fotografía

“El retrato fotográfico es un género donde se reúnen toda una serie de iniciativas artísticas que giran en torno a la idea de mostrar las cualidades físicas o morales de las personas que aparecen en las imágenes fotográficas.

Su práctica se encuentra ya en los inicios de la fotografía donde destaca la labor realizada por los fotógrafos ambulantes, los fotógrafos comerciales de los estudios parisinos, los primeros retratos psicológicos, el retrato popular presentado por la fotografía academicista, así como la obra documental de David Octavius Hill.”

http://es.wikipedia.org/wiki/Retrato_fotografico

Aquí os dejo una página que nos da siete sencillos consejos para ayudarnos a conseguir un buen retrato fotográfico.

http://www.dzoom.org.es/noticia-1829.html

Algunos ejemplos de retratos.

El gran primer plano empieza a utilizarse a mitad del siglo XX, la fotografía  de esta niña es un claro ejemplo de este tipo de plano.

En este otro retrato se quiere destacar tanto el rostro de Barack Obama, como su relación con su país, a través de la bandera que se encuentra en segundo plano.

“No pueden hacerse retratos sin tener en cuenta el carácter ni el aspecto del individuo o sujeto. Un buen retrato debe transmitir el estado de ánimo del sujeto en el momento del disparo. Es importantísimo observar a la persona que se pretende retratar.

Al fotografiar a personas es muy importante que se les vea bien. Hay muchas formas de resaltar la fisonomía del personaje jugando con la luz, el fondo, la perspectiva y la composición.

En el caso de la luz, es importante que el sujeto tenga sombras en la cara que resalten sus facciones, si no es así, aparecerá una cara “plana” sin relieve. Una luz lateral puede ayudar.”

http://www.fotonostra.com/fotografia/elretrato.htm

Después de haber leído sobre todas estas reglas, y sobre todo lo que hay que tener en cuenta a la hora de realizar una fotografía, valoro verdaderamente el trabajo que realizan algunos fotógrafos, que capturan imágenes impresionantes, asombrosas, y que nos transmiten mucho. Alguna de estas fotos que me han gustado son las siguientes.

Esta fotografía me ha impresionado más que por su ejecución, por lo que transmite. Yo no sabía nada de esta imagen (aunque es una de las mas famosas del mundo), hasta que el otro día vi en el Canal Historia un documental que me intereso bastante, en el se explicaba la protesta  que se produjo en la plaza de Tiananmen en China, en la que los estudiantes protestaban contra la represión que se vivía. Tras varios días de ocupación de la plaza por los estudiantes, que incluso llegaron a construir una estatua para la democracia, el ejército intervino y hubo numerosos muertos.

Esta instantánea fue capturada cuando ya el ejército tenía controlada la situación, y refleja la lucha de un solo estudiante contra todo un ejército, el estudiante se puso enfrente de los tanques y no los dejaba avanzar, afortunadamente el estudiante salio ileso, pero esta instantánea dice mucho más de lo que a simple vista se ve, refleja la desesperación de este estudiante ante la represión que se vive en su país.

Si alguien quiere tener más información de lo que sucedió allí, aquí os dejo este artículo en la Wikipedia.

http://es.wikipedia.org/wiki/Protestas_de_la_Plaza_de_Tian%27anmen_de_1989ç


Esta fotografía también me ha impactado por lo que transmite esta imagen, esta mirada es como si hipnotizase y a la vez resulta un tanto enigmática. Lo más impresionante de esta imagen es compararla con otro retrato que le tomaron a esta misma mujer diecisiete años después, comparando estas dos imágenes, siento como el tiempo se va muy deprisa, y que todos envejecemos más rápido de lo que nos parece, ya que esta misma imagen recuerdo haberla visto cuando tenía unos 7 años y ya por aquel entonces me llamo la atención.

Este blog nos habla sobre esta mujer afgana en mayor profundidad.

http://la-morsa.blogspot.com/2008/03/la-mujer-afgana-de-national-geographic.html

Al ver esta foto hoy en día pensaríamos que esta trucada, como pensé yo la primera vez que la vi, pero tras haber buscado información es una fotografía 100% real, tomada por Charles C. Ebbets en 1932, me interesan bastante las fotografías antiguas porque entre otras cosas nos muestran cosas que hoy en día serían inimaginables, ya que hoy en día esto se vería como una locura, y en cambio en 1932 estos obreros estaban tan tranquilos almorzando sentados en una viga a 69 pisos de altura. Las fotografías antiguas nos ayudan a comprender mejor como se vivía antes, y cuanto hemos cambiado.

En esta clase también se hizo mención a las ventajas que hoy en día ofrecen las nuevas tecnologías, programas como “Gimp”, “Photoshop”, etc., nos facilitan mucho la tarea y nos pueden ayudar a corregir errores en nuestras fotografías. Yo considero muy interesante esto de “retocar” las fotografías, ya que pienso que retocando las imágenes se altera la realidad y se muestran las cosas como no son, esto se ha puesto de manifiesto hace poco en la polémica que se ha levantado en torno al retoque de modelos para acentuar la delgadez extrema, hemos podido ver como incluso algunos países están pensando prohibir el retoque de imágenes de modelos para las revistas, ya que esto ejerce una gran influencia sobre las adolescentes y la mujer en general, fomentando la delgadez extrema e incluso la anorexia. Mi opinión respecto al retoque de imágenes es clara, es un elemento útil para muchas cosas, pero en cambio creo que no se debe abusar de él en algunos casos, ya que distorsiona la realidad. Estas imágenes nos engañan mostrándonos mujeres “perfectas” que en realidad no son así. Aquí os muestro alguna de las “maravillas” que puede hacer este programa, aunque a veces no solo influya esto. Pero en realidad la mayor parte del trabajo lo ha realizado el “gran invento” del Photoshop. Observad el antes y el después de algunas famosas.

2/12/09

Teoría:

En esta clase teórica hemos comenzando señalando algunas ventajas de dibujar y usar técnicas artísticas, entre estas ventajas se encuentran:

  • Ayuda a dominar la psicomotricidad fina
  • Desarrolla la capacidad de planificación, orden y autocrítica
  • Desarrolla la visión espacial.
  • Refuerza la capacidad de atención.
  • Desarrolla la apreciación y la expresión estética.
  • Utiliza el lado derecho del cerebro.
  • Aprendizaje instrumental y propedéutico instrumental.

Debido a todas estas ventajas, creo que es muy importante en la educación fomentar y ayudar a los niños a que dibujen y desarrollen sus capacidades a través del dibujo y su forma de expresarse. El dibujo desarrolla una serie de capacidades básicas en el niño, por lo tanto nunca se debe dejar de fomentar.

Aquí os dejo un video sobre una “buena técnica” para dibujar, espero que os guste como este “artista” comienza todos sus dibujos.

Esta claro que no es la mejor técnica de dibujo para enseñarla en primaria, pero ahi la dejo…

Y aquí os dejo unas paginas que muestran diferentes técnicas para dibujar algo más serias que la anterior.

http://redescolar.ilce.edu.mx/redescolar/proyectos/acercarte/como_ves/tecnic.htm

http://www.taringa.net/posts/arte/2553096/tecnica-de-dibujo-con-lapiz-+-dibujos-mios.html

http://www.celulaweb.net/articulos/diseno/50-tutoriales-y-tecnicas-de-dibujo-tradicional/

http://dibujoinfantil.freehostia.com/tecnicas-para-dibujar.htm

En este video un dibujante nos muestra como dibujar personajes.

Lo que si esta claro es  que  a los niños les suele encantar dibujar, ya que pintan y dibujan espontáneamente, en cambio para algunos pre-adolescentes puede llegar a ser una pesadilla. Lo que hay que tener claro es que todo el  mundo tiene cualidades para el dibujo.

Yo he podido comprobar en primera persona, como a través del dibujo infantil, podemos conocer su nivel de desarrollo en determinados aspectos. Uno de los primeros trabajos que he realizado en la Universidad, en la asignatura Psicología del Desarrollo, consistía en investigar sobre el nivel de asimilación del esquema corporal en los niños de infantil y primaria. Tras haberme informado sobre  el tema, decidí que además de realizar un test a los niños (en el que le preguntaba si conocía las distintas partes del cuerpo en sí mismo y en el otro) les iba a pedir que me realizasen un dibujo en el que se representaran ellos mismos (como ya habían hecho otros autores), tras comparar los test con los dibujos, confirme que como bien decían algunos autores, los niños que tenían mejor asimilado el esquema corporal hacían un mejor dibujo de sí mismos. Con esto quiero decir que yo creo que el dibujo no es solo importante para desarrollar capacidades en los alumnos, sino que también nos puede servir para medir su nivel de desarrollo en diferentes aspectos.

En esta clase teórica nos planteamos una pregunta básica para afrontar la asignatura, ¿por qué es importante enseñar educación artística?, como respuesta podemos decir en conclusión que es muy importante, ya que es imprescindible para alcanzar las competencias necesarias, y se hace imprescindible en el mundo actual.

Debemos de recordar que se trata de educar en competencias básicas, estas competencias son aquellas que debe haber desarrollado un joven o una joven al finalizar la enseñanza obligatoria para poder lograr su realización personal, ejercer la ciudadanía activa, incorporarse a la vida adulta de manera satisfactoria y ser capaz de desarrollar un aprendizaje permanente a lo largo de la vida

Se debe educar en competencias para integrar los diferentes aprendizajes, tanto los formales, como los informales y los no formales; y para permitir a todos los estudiantes integrar sus aprendizajes, ponerlos en relación con distintos tipos de contenidos y utilizarlos de manera efectiva cuando les resulten necesarios.

Es muy importante destacar que el desarrollo del alumno es el núcleo de atención, por lo tanto las materias son sólo instrumentos.

Aquí os dejo un video muy completo sobre la educación por competencias.

Como ya hemos dicho anteriormente, la Educación Artística es imprescindible en el mundo actual. Esto se debe a una serie de aspectos y características:

  • La información visual es cada vez más importante, esto es debido a que más de un 80% de las informaciones son percibidas visualmente. También se debe a que las artes visuales y el resto de manifestaciones visuales son, con diferencia, el medio que más información transmite. Las relaciones discursivas son cada vez más visuales y los procesos de adquisición de información y conocimiento también. Además se prevé que el imaginario visual se incrementara mucho más en los próximos años.

Constantemente estamos siendo “bombardeados” por toda clase de imágenes, que nos transmiten información incluso a veces sin darnos cuenta. La publicidad es un claro ejemplo, constantemente vemos como inventan nuevos métodos para darse a conocer las empresas para así vender más productos o servicios, y la mayoría de las veces tratan de conseguirlo a través de las imágenes. Un claro ejemplo de esta nueva publicidad creativa es esta campaña publicitaria que aprovechó las humeantes alcantarillas y sus respectivas tapas para anunciar una marca de Café en Nueva York. En la fotografía que lo recoge se observa como llama la atención de los que pasan cerca de tan curiosa alcantarilla.

Hoy en día lo que predomina en el mundo publicitario es buscar la mejor forma para llamar la atención y así transmitir mejor la información que desean. Como hoy en día estamos bastante acostumbrados a la publicidad, los publicistas buscan formas creativas de publicidad para captar nuestra atención a través de imágenes curiosas, llamativas, con mensajes subliminales, etc.

Actualmente la publicidad se basa en llamar la atención del consumidor de cualquier manera, en ésta por ejemplo se llama la atención a través del montaje que han hecho con Hitler, que esta muy gracioso con el pelo a lo afro, aquí os dejo mas campañas publicitarias curiosas, para que veáis hasta donde se puede llegar con tal de anunciar algo.

Esto de la publicidad me ha parecido muy interesante. Lo que es evidente, es que muchos publicistas se han “quebrado” la cabeza para realizar algunas de estas campañas publicitarias, yo creo que son muy originales, pero desconozco hasta que punto vamos a llegar en esto de la publicidad. Pero como se puede ver en estas imágenes la capacidad creativa de estos profesionales no tiene límites.

Es imposible evitar la influencia de estas imágenes, ya que vayamos donde vayamos estamos expuestos a su influencia, como en este caso, al montarte en el autobús.

También tratan de captar nuestra atención con imágenes con un alto contenido sexual, como en este caso que hace parecer que la dependiente tiene unas piernas impresionantes, o que te va a vender el tabaco al estilo “instinto básico”.

Lo que esta bastante claro es que los creativos publicistas saben que lo sexual nos llama la atención y juegan con el sexo, introduciéndolo en la publicidad de manera implícita o explicita. Aquí os dejo algunas imágenes que lo demuestran.

Incluso para decirnos cosas tan simples como que el pan es vida, los publicistas incluyen contenidos sexuales, aunque el pan a simple vista no tenga nada que ver con el sexo.

A veces el contenido sexual que incluye el anuncio no es muy adecuado porque resulta machista o porque denigra  a la mujer. En este anuncio se ve claramente la predisposición al sexo de la mujer cuando el hombre ya le ha regalado el anillo, el anuncio lo que me transmite a mi es que la mujer es fácil de dominar regalándole objetos materiales, y eso creo que no es muy correcto ni muy adecuado para anunciar algo. Es por esto que pienso que a veces los publicistas superan algunos límites morales.

Las campañas publicitarias de la compañía Durex son un claro ejemplo de contenido sexual implícito.

Un mensaje subliminal es una imagen transmitida de un modo tan breve que pasa desapercibida por la mente consciente pero aun así espercibida inconscientemente.

Ahora observen este video y observen su alto contenido sexual, y en este caso sin mostrarlo directamente, no necesita imagenes sugerentes, solo observen la cama como se mueve, así cualquiera quiere irse a un hotel…

Esta claro el mensaje subliminal de este anuncio, el movimiento de la cama unido a la canción “Triki Triki”, nos quiere decir algo más que se hace en un hotel, en una cama, además de dormir, algo que la misma canción ya nos dice. La verdad es que este anuncio siempre me ha resultado muy gracioso.

Los mensajes subliminales están en todos lados como nos muestra este video.

Hasta en las canciones infantiles podemos encontrar mensajes subliminales

  • Un giro epistemológico, cultural e información hacia lo visual. Esto se ve reflejado en que cada vez estamos más insertos en un nuevo régimen de visualidad, un mundo dominado por dispositivos visuales y tecnologías de la representación. Por lo tanto es preciso adquirir un alfabetismo visual crítico. La Educación Artística además del arte, comprende un nuevo campo de estudio el de la cultura visual.

Gracias a las nuevas tecnologías también podemos conocer imágenes que jamás podríamos ver, como imágenes microscópicas o del universo.

Aquí os dejo un blog que nos habla sobre la cultura visual

http://paradojajocosa.blogspot.com/

También es bastante interesante este video, que critica el uso de algunas tecnologías visuales como el control de los ciudadanos a través de cámaras de vigilancia. El video esta en ingles pero esta subtitulado.

  • Relevancia de lo visual en la construcción identitaria y en la comprensión de la realidad. Cada vez más lo visual es el referente principal para niños y jóvenes en la construcción de su comprensión del mundo y en su propia construcción identitaria y social. Es decir, lo visual, las imágenes están constantemente formando al niño y a las personas en general. Todas las imágenes que vemos inciden sobre nosotros de un modo u otro, por lo tanto es imprescindible proveer a niños y adolescentes de herramientas que les permitan el abordaje crítico y autocrítico sobre sus propias experiencias de subjetivización en relación con la información visual que consumen. Las imágenes y productos visuales es uno de los medios favoritos para el poder, el mercado, las ideologías, para así tratar de imponerse, transmitir sus valores, darse a conocer, etc., por eso es preciso educar ciudadanos reflexivos, autónomos y responsables para una sociedad democrática y libre, lo que exige prestar cada vez más atención a lo visual.

Hoy en día los cantantes, actores, deportistas, etc., influyen en gran medida en la forma de ser de los jóvenes, muchos de ellos imponen modas, que los jóvenes tratan de imitar, esto es algo que los artistas saben, y por eso tienen asesores de imagen que le aconsejan constantemente sobre como debe salir en las fotos y videos, que ropa debe llevar puesta, que gesto debe hacer, etc., todo esto lo hacen para influir sobre los espectadores o consumidores, hay veces que incluso se forman subgrupos sociales dependiendo de los gustos musicales.

En estas fotos se puede observar como dependiendo del estilo musical varia mucho la forma de ser y de vestir, por lo que se puede decir que el rapero y el punk no tienen mucho en común

Esta bastante claro que construimos el mundo a través de las imágenes. Por ejemplo cuando vemos esta foto todos sabemos que representa un mapa de nuestro planeta, pero si esta misma imagen la viese un mismo hombre pero de hace 1000 años, no comprendería nada, ni siquiera lo que representa ese mapa.

Por lo tanto se puede decir que muchas veces, la única posibilidad que tenemos de conocer algo es aprenderlo a través de imágenes.

También utilizamos las imágenes para retratar nuestra vida, pero estas imágenes no constituyen un retrato “real” al 100% de nuestra vida, ya que siempre que nos fotografiamos es en nuestros momentos felices, por lo que no reflejamos  lo que vivimos realmente, ya que los malos momentos se omiten.

También hay que destacar la gran importancia que tienen las imágenes realizadas con ordenador, el otro día vi una película espectacular en lo que se refiere a gráficos y efectos especiales, es impresionante como a través de la animación han conseguido semejante resultado, la película se llama Avatar y en la televisión no se para de hablar de ella, la verdad es que es una película muy interesante que sin duda os recomiendo ir a ver al cine para poder verla en toda su calidad. En esta película se refleja otra realidad totalmente distinta a la que conocemos, es otra forma totalmente distinta de ver las cosas, pero el mensaje que manda la película me ha parecido muy bueno, es muy interesante ver el papel que tiene hoy en día el ser humano como “destructor” de la naturaleza, ya que en esta película se ve como el ser humano invade otro planeta para obtener sus riquezas, y para conseguirlo no duda en arrasar con todo. Bueno, no os cuento más, simplemente os recomiendo que la veáis, ya que es una excelente película, tiene un buen guión y los paisajes que se ven en esta película impresionan a cualquiera

Estas son algunas de las imágenes que se pueden ver en esta película.

Hoy en día las nuevas tecnologías no se usan solo para hacer ver otras realidades, si no que también se trata de imitar lo mejor posible nuestra realidad. Cada vez los juegos son más realistas y al jugar con ellos parece que estas viviendo algo real, ya que las imágenes, personas, objetos, y lugares tienen un gran realismo.

Este juego es uno de mis favoritos, se llama Grand Theft Auto 4, y en el se refleja la realidad tal y como es, tratando de imitar hasta el más mínimo detalle. Por eso cuando juego parece como si estuviera en una ciudad real.

Este día vimos todas estas características y aspectos sobre por que es tan importante la Educación Artística en el mundo actual, pero todavía nos quedan algunas más por señalar.

9/12/09

Teoría:

En la clase teórica de hoy continuamos señalando por que es tan importante la Educación Artística actualmente, estas son las características que nos quedaron por explicar el pasado día:

  • Relevancia de las artes visuales en la cognición humana. Ya que nuestro pensamiento y representaciones mentales tienen un carácter fundamentalmente icónico. Una gran parte del conocimiento y la experiencia humanos está registrada/interpretada a través de imágenes. No es posible una interpretación inmediata de las imágenes, sino que el alumno tiene que aprender a interpretarlas y construir aproximaciones fundamentadas a sus significados. El significado de las imágenes siempre es fruto de procesos sistémicos, lo que hace necesarias estrategias de cognición poliédricas y complejas incluso desde los primeros niveles educativos.

Es muy importante la interpretación de las imágenes, así como aprender a interpretarlas. Lo que es evidente que la interpretación que nosotros hagamos sobre las imágenes va a estar influenciado por nuestra cultura y por  nuestros valores morales y sociales. Esto se puede ver con un claro ejemplo, pongámonos ahora en el lugar de una persona que nunca haya visto una imagen de Cristo, ni hubiese oído hablar de él. Imaginémonos a un habitante de una isla apartada de la civilización a la que llegasen unos misioneros y le enseñasen, sin poder explicarle su significado, pues desconocen su idioma, el rostro de Cristo muerto con las señales de su padecimiento, intentando darle a entender por señas que era su Dios. Seguramente el indígena se sentiría desconcertado ante una imagen tan cruel y lo más natural sería que acudiesen a su mente sensaciones de horror y desconfianza ante los misioneros que le mostrasen tal imagen, asociada al sufrimiento y la tortura. Sin embargo para nosotros, que hemos sido educados en la cultura cristiana, su visión genera sentimientos de respeto, e incluso de piedad y adoración, pues conocemos el motivo de su martirio.

Para atribuir el mismo sentido a los mensajes comunicados mediante imágenes, es necesario que el emisor y el destinatario compartan el referente, es decir un conocimiento del objeto representado que permita identificar la imagen como representativa de algo. Por ejemplo esta imagen no la identificamos con nada o es muy difícil de identificar, sin embargo si fuésemos hindúes lo reconoceríamos, como una imagen sagrada, ya que se trata de una representación del “lingam”, o atributo masculino del dios Shiva, símbolo del mismo, y objeto de veneración para los adeptos a su culto.

También hay que tener en cuenta a la hora de atribuir significado a las imágenes es el código o repertorio cultural, es decir, además de reconocer y poder dar un nombre a lo representado, en la interpretación de las imágenes, es fundamental la posesión de un código o repertorio cultural. De manera más precisa podemos decir que los que no conocen los repertorios culturales que impregnan una imagen no pueden interpretar correctamente su significado.

El mensaje icónico es efectivo cuando emisor y destinatario tienen en común el referente y el código, o repertorio cultural, del mensaje visual.

Es evidente que esta imagen no representa lo mismo para los que practican el budismo que para un cristiano. Es decir, a un budista esta imagen le transmitirá una serie de sentimientos, que jamás sentirá una persona que no pertenezca a esa cultura y la viva directamente. Quizás estudiando  su cultura podremos llegar a comprenderla, pero yo creo que nunca nos transmitirá lo mismo que a alguien que haya crecido en esa cultura.

Aquí os dejo una página que nos habla sobre  la interpretación de las imágenes, y de la que he sacado bastante información.

http://www.scribd.com/doc/2136306/UD-3-4-LECTURA-E-INTERPRETACION-DE-IMAGENES

–         Visualidad y capacidad para construir argumentos y relatos, narratividad. Es necesario que los niños y los jóvenes sean capaces de crear propuestas, construir conocimiento y narrar mediante imágenes y recursos visuales. Como bien señala Bigas Luna, los analfabetos del siglo XXI serán aquellos que no sepan narrar con imágenes. Por lo tanto concebir el mundo, comprenderlo, es inseparable de ser capaz de narrarlo, de contarlo, es preciso ser capaz de deconstruir y reconstruir las narrativas visuales imperantes y las naturalizadas.

Aquí os dejo una página que nos habla sobre la imagen y su papel en la narrativa audiovisual.

http://www.cem.itesm.mx/dacs/publicaciones/logos/anteriores/n49/bienal/Mesa%2011/ImagoColombia.pdf

  • La creatividad es muy importante en la Educación Artística ya que la competencia creativa e s una capacidad cada vez más demandada en el mercado laboral de calidad. Las artes visuales contribuyen incuestionablemente al mejor desarrollo del pensamiento divergente y la creatividad. La creatividad es sin duda uno de los factores necesarios para la libertad y la felicidad.

En este retrato vemos como ha sido muy creativo al realizar la obra con todos los frutos y flores que eran propios de la estación del verano en el siglo XVI.

La creatividad se encuentra en cualquier obra siempre que no sea copiada.

La creatividad no es algo que caracteriza solo al arte de este siglo, sino que la creatividad se ha visto reflejada en numerosas obras de arte a lo largo de la historia, un claro ejemplo es esta obra del Bosco, llamada el Jardín de las Delicias, este pintor tiene mucha creatividad,  y para poder apreciar esa creatividad en todo su esplendor debemos tener en cuenta que esta obra fue realizada entre 1480 y 1490.

Esta obra de Picasso muestra una gran creatividad por parte de su autor.

Esta obra de Salvador Dalí tiene una creatividad enorme, al representar como el tiempo se ha detenido. En esta obra veo claramente lo que quería transmitir Dalí, aunque sea creativa y original.

La creatividad se puede encontrar en cualquier tipo de obra, como demuestra esta escultura.

El graffiti es hoy en día  una forma de expresar la creatividad muy  utilizada, sobre todo los jóvenes se expresan a través de esta técnica, que puede considerarse como un arte urbano y callejero. A mi personalmente me encanta el graffiti y siempre que veo alguno por la calle me paro a contemplarlo, pero no vale cualquier “manchurrón” en la pared, el graffiti debe estar bien realizado y estructurado, caminando por la calle podemos encontrar verdaderas obras de arte callejeras, aquí os dejo un video con algunos ejemplos.

  • La creación plástica. Los lenguajes y las artes visuales son un conocimiento instrumental. Cada vez es mayor la importancia del software de creación con medios plásticos y visuales. Hay que recordar que la totalidad de los niños utiliza a diario y naturalmente medios visuales para la reflexión, expresión y comunicación. Por lo tanto la práctica de las artes visuales se considera como decisiva para el desarrollo de la psicomotricidad infantil. Como ya se destacó anteriormente el dibujo permite al docente observar el desarrollo emocional y cognitivo del alumno y contrastarlo con otras fuentes de información.

La forma tiene una importancia radical en cómo el contenido es comunicado y recibido. Las artes ayudan a refinar la sensibilidad necesaria para que cualquier producto sea más eficaz y más atractivo. La experiencia estética sirve como medio y como fin para obtener satisfacción personal y grupal. La búsqueda consciente de resultados caracterizados por la calidad, es una de las características específicas del comportamiento humano. También es muy importante tener en cuenta que para comprender el trabajo plástico de los demás es necesario elaborar trabajos artísticos propios.

Como todos sabemos los medios nacidos con la tecnología electrónica, las imágenes estáticas, dinámicas, sonora, visuales bombardean a las nuevas tecnologías con una firmeza sin antecedentes.

Los medios se han convertido en el entorno en el que las nuevas generaciones crecen, además como todos sabemos, es a través de ellos como tienen acceso a la realidad. Mi opinión al respecto es que la escuela, sin embargo, parece no darse cuenta,  ya que los estudiantes abandonan las aulas sin la más mínima preparación para un uso racional de estos medios. Todos sabemos de los contenidos “peligrosos” que hay en Internet para algunos niños, y sin embargo la mayoría de las veces los niños visitan paginas en Internet sin ningún tipo de supervisión por parte del alumno, esto es muy dañino para la formación de los niños, por lo tanto creo que se debería fomentar un uso racional y responsable de Internet por parte de los niños, para ello siempre deberán contar con la supervisión de un adulto, para no verse influenciados por imágenes e informaciones dañinas para su formación.

Mi opinión al respecto es que se debe formar a los niños para crear una capacidad crítica en ellos, para que sepan discriminar cuales son las imágenes que le favorecen y debe interiorizar y cuales le influyen de manera negativa. Espero que tengáis claro que respecto a esto último solo estoy expresando mi opinión.

En cambio hay personas que opinan todo lo contrario.

“Desgraciadamente la sociedad tiende a creer que si ocultamos las cosas a los jóvenes (o niños) estos estarán protegidos contra ellas. Enfermante, en mi opinión.

Todos estos pensamientos vienen cuando leo por casualidad lo siguiente:

“La pornografía, el alcoholismo, la drogadicción, la anorexia y la pedofilia son solo algunos de los temas y peligros a los que están expuestos los niños cuando usan Internet”

¿Se puede ser un alcohólico virtual? ¿Se puede estar enganchado a una droga después de navegar por Internet? ¿Puede demostrarse un aumento de ambos vicios directamente relacionado con Internet? ¿Los padres han llegado hasta el punto de creer que sus hijos son gilipollas?…. Parece que si.

La experiencia me dice que el alcohol, y el consumo de drogas tiene mucho más que ver con la presión social de un grupo, la infelicidad o la curiosidad que con visitar una página… Ya que salvo excepciones muy contadas, la mayoría de webs donde se trata el tema muestran su lado negativo, sus terribles consecuencias y un montón de recomendaciones y consejos para no caer en el hábito.”

http://yonkisilustrados.wordpress.com/

Después de mencionar todas estas características y aspectos que hacen importante a la Educación Artística hoy en día, no se puede dudar de su eficacia en el plano educativo.

El estudio de esta materia es imprescindible para desarrollar una serie de capacidades que no se pueden alcanzar a través de otros medios, ya que la vida actual esta llena de imágenes audiovisuales que debemos interiorizar, criticar, comprender, interpretar, analizar, etc., por lo tanto es imprescindible educar a los niños para que puedan afrontar este mundo tan visual que se nos presenta.

15/12/09

Práctica:

Hoy realizamos una actividad bastante interesante, el profesor saco a una compañera al centro de la clase y pidió que se subiera a una silla, una vez allí el resto de compañeros definimos tanto su forma de ser, su forma de vestirse, peinarse, sus gustos, etc. La pregunta básica que nos planteábamos para esta actividad es ¿cómo soy?, entre todos sacamos una serie de conclusiones que son las siguientes:

  • Lo que queda es el recuerdo
  • Existen unos rasgos de temperamento. ¿qué rasgo hay que sea permanente?
  • Lo que nos hace y nos construye es la historia
  • ¿Y si fuera yo algo totalmente distinto?
  • ¿Y si fuera yo de otro país o de otra época?
  • Las células del cuerpo cambian sin cesar. Ese cambio constante que aparentemente no se siente hace que piense que siempre es la misma, el cerebro es lo único que la mantiene estable, aunque el cerebro también cambia.
  • Es importante reflejar el cambio en nuestra historia
  • El hombre es el único animal consciente, es decir es el único capaz de pensar en sí mismo.
  • La libertad para tener amigos es cultural.
  • Nos tenemos que dar cuenta que el “yo” se va construyendo y va cambiando a largo de toda la vida.
  • Somos individuos en relación constante con lo que nos rodea.

Estas afirmaciones y preguntas me hicieron reflexionar bastante sobre lo que soy. A veces ponernos a pensar entre todos que somos, nos abre la mente y nos hace recapacitar sobre todo lo que somos, por lo menos eso es lo que me ha pasado a mí en esta clase de hoy. Algunas de las afirmaciones que se han dicho hoy, ya las conocía y las comparto, como por ejemplo afirmar que es la historia la que nos hace y nos construye, pero ahí cosas que se han dicho y que no me las había planteado antes, como por ejemplo como sería yo si en vez de haber nacido aquí, hubiera nacido en otro país, o en otra cultura diferente. Pararte a pensar esto resulta bastante interesante.

También me resulto bastante evidente que debemos de darnos cuenta que el “yo” se va construyendo y va cambiando a lo largo de toda la vida, pero no me había parado a pensar profundamente en este tema.

Es evidente que compartimos  una serie de rasgos comunes que nos hacen ser parecidos (por algo somos una especie concreta), pero existen una serie de rasgos individuales y características propias de cada uno que nos hace ser diferentes, eso rasgos particulares se producen tanto por una serie de rasgos genéticos heredados, como por la interacción de la persona con el medio, es decir con su cultura, con la sociedad, con los objetos, con las imágenes, etc. Por lo tanto aquí volvemos a hablar del mismo tema que hablamos al principio del blog, el contexto cultural y social donde estemos situados influye en gran medida en como soy, y las imágenes tienen un papel muy importante en la formación de lo que soy.

Esto lo hemos realizado con el objetivo de ayudarnos a tener las ideas mas claras para realizar la actividad del “yo soy” y también nos servirá para la otra actividad similar que es “y si yo fuera otra persona”. Ambas actividades las tenemos que realizar en power point.


Hemos estado también viendo algunos trabajos sobre esta actividad, y el profesor ha señalado que el error más común es que no profundizamos en nosotros mismos, sino que nos basamos en aspectos mas superficiales, como por ejemplo “me gusta salir con mis amigos porque soy muy amigo de mis amigos”, “me gusta el deporte”, “me gusta salir de juerga”, etc. Estas afirmaciones lo que transmiten son aspectos superficiales sobre nosotros mismos, y no describen lo que somos en realidad.

Tras pensar sobre la actividad me he dado cuenta de que me va a resultar bastante difícil definirme a través de imágenes, ya que soy una persona poco expresiva a la que no le gusta transmitir ni como soy ni mis sentimientos. Pero bueno voy a tratar de esforzarme y conseguir un buen trabajo.

Para terminar os dejo una pagina que nos habla sobre este tema tan interesante.

http://www.dsalud.com/crecimiento_numero13.htm

16/12/09

Teoría:

En esta clase continuamos hablando sobre los modelos de la Educación artística. Ya hemos visto tres modelos

  • Educación Artística basada en el proceso, vinculada al sistema productivo
  • Educación Artística para la creatividad y la autoexpresión.
  • Educación Artística para el desarrollo de la percepción y la alfabetización visual.

Pero en esta clase nos vamos a centra en el último modelo.

Es necesario aprovechar las aportaciones de los tres modelos que hemos visto, pero integrándolos en un modelo más actual y amplio, este modelo debe ser:

  • Modelo D: Educación para la comprensión crítica y preformativa de la cultura visual. Este modelo surge a finales del siglo XX. En el se plantea una educación artística más significativa que tenga más sentido para el alumno y aborde el mundo en el que realmente vive, también debe ser más abierta y plural, es decir que no abarque solo las artes tradicionales, sino todo lo visual. Este modelo afirma que no se trata de “leer” una imagen, sino de comprenderla en profundidad, y debe tener en cuenta que la interpretación puede cambiar dependiendo del momento histórico, la cultura desde la que se miran, e incluso dependiendo de cada uno.

Este modelo promueve que el alumno investigue y busque sus propias interpretaciones y producciones de lo visual, pero siempre a partir de una documentación seria, rigurosa y amplia y siempre que sea posible interdisciplinar. No se trata tanto de aprender a percibir, como de aprender a observar para comprender lo que vemos, lo que somos, lo que nos rodea, etc.

Este modelo al contrario que el modelo de alfabetización considera que el alumno no es un “consumidor de imágenes”, ya que las imágenes construyen la realidad, la interpretan y la simbolizan. Las imágenes influyen en su identidad y en su modo de ser/comportarse, pueden afectar a su libertad y a su criterio. Por eso es necesario saber que hay detrás de las imágenes y aprender a convivir críticamente con ellas, y también a trabajara y reflexionar sobre los modelos en que se construye la identidad propia y de los demás, sobre como esta construida la realidad, que valores culturales se proponen, etc. Las imágenes son el producto final de interacciones innumerables.

En este modelo lo interesante no es tanto “aprender a dibujar”, como aprender a usar el dibujo, la fotografía, el video o cualquier otro procedimiento para poder crear explicaciones y narraciones que posean sentido y que permitan a las personas, expresar, criticar, sentir, etc., desde la libertad, la autonomía y el conocimiento.

Se debe procurar que las imágenes y narrativas usen diversos alfabetismos y medios diferentes. Este modelo tiene muy presente que diseñar y crear imágenes, objetos, narrativas visuales, etc., es imprescindible. También exige calidad siempre, por lo tanto se debe siempre evitar lo cutre. Los trabajos tienen que ser el resultado de un trabajo consciente cuidadoso, dispuesto para ser mostrado. Para lograr estos trabajos se deben dominar las herramientas necesarias que nos permitan obtener una cierta calidad. En estos trabajos se debe trabajar la creatividad, porque es uno de los valores más importantes para la libertad personal y comunitaria y también para el mercado del trabajo futuro. La creatividad se debe aplicar como un poderoso instrumento cognitivo, expresivo, narrativo, performativo.

Para terminar con este modelo debemos señalar que considera tan importante el proceso y los productos, como la reflexión sobre el proceso y los productos, y que cree que el desarrollo de la capacidad de metacognición es básico para la libertad y para un aprendizaje significativo. También tiene muy en cuenta al alumno, su voz y su deseo, por lo tanto el alumno es el centro del proceso de aprendizaje, no los contenidos.

Este modelo promueve una educación innovadora  en la que el profesor ayuda al alumno en su búsqueda de información/trabajo, pero no se lo transmite todo, es el alumno quien construye su conocimiento. El objetivo no es sólo acumular datos, informaciones, técnicas/procedimientos, sino sobre todo darles sentido desde el yo o desde el grupo, es decir ayudar a la comprensión crítica. No ser trata de repetir, sino de recrear o incluso crear.

Tras haber comprendido mejor este modelo, me ha parecido muy interesante su forma de afrontar la Educación Artística y todo lo que la rodea. También es muy interesante fomentar la capacidad crítica en los niños. A mi parecer este modelo soluciona muchos de los problemas que tenían los anteriores modelos. Es de destacar la importancia que le da a las imágenes, ya que busca saber que es lo que hay detrás de las imágenes por eso es tan importante desarrollar una capacidad crítica en el niño, porque este modelo no lo considera como un mero consumidor de imágenes. Es por eso por lo que le da un papel central en el aprendizaje.

Estoy de acuerdo con este modelo en afirmar que el aprendizaje debe ser significativo, por lo tanto no debe consistir en repetir y copiar. Esta claro que un aprendizaje significativo quedara para siempre en el niño, mientras que un aprendizaje repetitivo quedara olvidado al poco tiempo.

Ya se que todos sabemos gracias a la psicología de la educación en que consiste el aprendizaje significativo pero aquí os dejo un par de páginas para ampliar más sobre este tema.

http://www.monografias.com/trabajos6/apsi/apsi.shtml

http://www.monografias.com/trabajos6/apsi/apsi.shtml

http://es.wikipedia.org/wiki/Aprendizaje_significativo

http://www.aprendizajesignificativo.es/

http://redescolar.ilce.edu.mx/redescolar/biblioteca/articulos/pdf/estrate.pdf

Y un video también.

Hoy hemos estado viendo también el tema “La construcción de lo real”.

Para empezar en sentido estricto la realidad se define así

“Realidad (del latín realitas y éste de res, «cosas») significa en el uso común «todo lo que existe». De un modo más preciso, el término incluye todo lo que es, sea o no perceptible, accesible o entendible por la ciencia y la filosofía o cualquier otro sistema de análisis”

http://es.wikipedia.org/wiki/Realidad

Mientras veíamos las diapositivas de la presentación del tema íbamos comentando que pensábamos acerca de cómo se construye la realidad.

Algunas de las conclusiones a las que llegamos son estas.

La realidad es una construcción social; cultural. Por ejemplo podríamos decir que el otoño “no existe” ya que es algo que los humanos han construido antes, es algo que hemos inventado para poder dividir los años en periodos con condiciones meteorológicas similares. La realidad siempre esta interpretada, por lo que la realidad no es la misma para todos, cada uno la percibimos e interpretamos de manera distinta, cada uno nos centramos más en unos u otros aspectos de la vida, y a veces pasamos por alto algunos que son muy importantes para otras personas. Además la cultura influye en gran medida en esa interpretación que hagamos de la realidad.

La realidad cambia a la persona, pero la persona también cambia la realidad. La realidad que vivamos nos influirá en gran medida en nuestra formación y desarrollo, pero las personas también podemos cambiar la realidad, interactuando directamente con el medio.

Es evidente que la realidad no será la misma para los niños de la primera imagen que para los de la segunda, lo que viven es totalmente distinto, por lo tanto sus representaciones de la realidad serán  totalmente distintas.

Como ya hemos dicho anteriormente, las concepciones de la realidad son totalmente distintas desde el punto de vista que se ve, ya que incluso el modo en que está construida la realidad implica que nuestro comportamiento esté influido por esta forma de construir la realidad. Por lo tanto podemos afirmar que la realidad de ahora está construida.

Tampoco construirán la realidad de la misma forma las personas que vivan en un país o ciudad subdesarrollada que los que vivan en un país o ciudad desarrollada. Por ejemplo para los habitantes de las Favelas de Brasil su realidad no tendra nada que ver con los que vivan en Nueva York.

Toda la realidad es cultural ya que la cultura va construyendo las cosas. Lo que vemos los seres humanos es la “realidad cultural” y la elección cultural influye en nuestra vida, aunque la mayoría de las veces no elegimos en que cultura queremos vivir. También los códigos para interpretar las imágenes están basados en la cultura, por lo que la interpretación de nuestra realidad depende de las imágenes que ya hemos visto, ya que las imágenes siempre están relacionadas con otras cosas.

Es evidente como influye la cultura en la construcción de la realidad, a través de las costumbres, tradiciones, valores, etc.

Deconstruir supone buscar las contradicciones de la realidad que estamos viviendo, es destruir para después construir de nuevo, de otra manera.

El pensamiento se construye a través del lenguaje, por lo que el lenguaje también juega un papel importante en la construcción de lo real.

Resumiendo, la realidad está mediatizada por la cultura, el lenguaje y por la subjetividad, por lo tanto la relación con las imágenes no solo es cognoscitiva sino que se relaciona con la subjetividad.

También es interesante, ya que estamos hablando del tema de la realidad, mencionar la realidad virtual, ya que es curioso como una maquina puede alterar nuestra concepción de realidad, y hacernos ver como reales imágenes que no lo son.

Aquí os dejo una definición más exacta de lo que es la realidad virtual.

“Realidad virtual es un sistema tecnológico, basado en el empleo de ordenadores y otros dispositivos, cuyo fin es producir una apariencia de realidad que permita al usuario tener la sensación de estar presente en ella. Se consigue mediante la generación por ordenador de un conjunto de imágenes que son contempladas por el usuario a través de un casco provisto de un visor especial. Algunos equipos se completan con trajes y guantes equipados con sensores diseñados para simular la percepción de diferentes estímulos, que intensifican la sensación de realidad. Su aplicación, aunque centrada inicialmente en el terreno de los videojuegos, se ha extendido a otros muchos campos, como la medicina, simulaciones de vuelo, etc.”

http://es.wikipedia.org/wiki/Realidad_virtual

12/01/10

Práctica

En la clase práctica de hoy hemos tratado el tema del color y hemos destacado diferentes características propias del color.

“El color es una percepción visual que se genera en el cerebro al interpretar las señales nerviosas que le envían los fotorreceptores de la retina del ojo y que a su vez interpretan y distinguen las distintas longitudes de onda que captan de la parte visible del espectro electromagnético.

Es un fenómeno físico-químico asociado a las innumerables combinaciones de la luz, relacionado con las diferentes longitudes de onda en la zona visible del espectro electromagnético, que perciben las personas y animales a través de los órganos de la visión, como una sensación que nos permite diferenciar los objetos con mayor precisión.”

http://es.wikipedia.org/wiki/Color#C.C3.ADrculo_crom.C3.A1tico

El espectro visible es la parte del espectro electromagnético de la luz solar que podemos notar, cada longitud de onda es percibida en el cerebro como un color diferente.

El color tiene diferentes dimensiones

  • Matiz o croma: El color como tal: verde, rojo, azul, etc.
  • Saturación: Pureza del color.
  • Brillo: Tono de la imagen.

El origen del color es la luz, y la luz se divide en colores, todos juntos forman la luz blanca.

Los colores se pueden dividir en:

  • Primarios luz (suma de luz blanca): Verde, azul y Rojo.
  • Primarios materia (suma de gris muy oscuro): Amarillo, cyan y magenta.

Un color primario es aquel que no se puede conseguir mezclando los colores.

Aquí os dejo más información sobre los colores primarios.

http://es.wikipedia.org/wiki/Color_primario

Los colores primarios que utilizamos para la pintura son:

–         Primarios “Materia”:

  • Amarillo
  • Azul Cian / Azul
  • Magenta / Rojo.

–         Cuando mezclamos dos primarios:

  • Primario + Primario = Secundario
  • Amarillo + Cian = Verde
  • Cian + Magenta = Violeta / Morado
  • Amarillo + Magenta = Naranja / Rojo.
  • El blanco es muy importante, se forma con los tres colores primarios a su máximo nivel

En esta imagen podemos observar el contraste de colores puros.

También hay colores que se denominan como colores complementarios.

“Los colores complementarios son aquellos colores que, en el espectro circular, se encuentran justo uno frente al otro en un círculo cromático. De esta forma la denominación complementario depende en gran medida del modelo empleado. Se obtiene mediante la contraposición de un primario con un color secundario formado por los otros dos primarios.”

http://es.wikipedia.org/wiki/Colores_complementarios

Colores Complementarios:

  • Complementario Amarillo = Violeta.
  • Complementario Rosa = Verde.
  • Complementario Celeste = Naranja.
  • Complementario Naranja = Celeste.
  • Para conseguir una armonía, es decir que los colores estén equilibrados, deben aparecer los tres primarios, o un primario y su secundario (pares armonicos).

Los colores terciarios se obtienen con la mezcla de los secundarios entre sí. Cuando mezclamos dos colores secundarios que contienen un mismo primario resulta un color terciario en el que domina el primario común.

Además también podemos dividir los colores en colores fríos y colores cálidos:

  • Calidos:  Rojos, amarillos, naranjas.
  • Fríos:  Azules
  • Generalmente fríos (pueden calentarse si tiene mucho rojo o amarillo en la mezcla): Verdes y violetas.

Los colores cálidos normalmente se ven más grandes y más cerca. Se “expanden”, en cambio los colores fríos normalmente tienden a verse más pequeños y más lejos. Normalmente se “contraen”. Es habitual el uso de colores cálidos en primer término para reforzar la sensación de espacio.

Los colores cálidos, tienden a verse como llenos de luz, los fríos, en cambio, suelen relacionarse con la sombra.

En la siguiente imagen podemos ver el contraste entre colores cálidos y fríos.

Los colores tienen influencia en nuestros estados de ánimo, los colores de los sitios para estar relajados deben ser colores fríos, y es habitual ver como restaurantes de comida rápida utilizan colores cálidos para así influir sobre nosotros para que comamos mas rápido acelerándonos.

Aquí podemos ver un claro ejemplo de una habitación relajante usando colores fríos, y un restaurante de comida rápida que usa los colores cálidos.

Los colores pueden influir mucho sobre nosotros, ya que los colores transmiten sensaciones  y suelen tener asociados significados simbólicos.

Los colores más saturados también tienden a verse más, más cerca y ligeramente mayores.

Antes de terminar la clase, experimentamos un poco con la mezcla del color, aunque los resultados que obtuve no eran todo lo buenos, que yo esperaba, ya que nunca me he expresado muy bien a través del dibujo, pero espero poder mejorar  con la práctica.

Para empezar a dibujar el profesor nos dio una serie de indicaciones básicas para utilizar las temperas y los pinceles adecuadamente.

Pero en esta primera actividad, no utilizamos los pinceles, sino que pintamos directamente con los dedos.

Bueno aquí os dejo mi trabajo,  se que esta mal,  así que tendré que practicar más para así poder mejorar, pero por lo menos he intentado superar mi “miedo a dibujar”, ya que siempre he pensado que dibujar no es lo mió.

Algunas páginas que he encontrado sobre el color.

http://es.wikipedia.org/wiki/Color#C.C3.ADrculo_crom.C3.A1tico

http://es.wikipedia.org/wiki/Circulo_cromatico

http://es.wikipedia.org/wiki/Teoria_del_color

http://www.desarrolloweb.com/articulos/1503.php

http://www.fotonostra.com/grafico/teoriacolor.htm

13/01/10

Teoría

En esta clase continuamos con el tema de laconstrucción  de la realidad, pero profundizamos en otra serie de aspectos.

En la construcción de lo real hay una serie de aspectos que debemos tener en  cuenta, uno de ellos es la fisiología de la visión, es decir, los sentidos.

El origen de toda percepción visual es la luz. La luz es una franja del espectro de radiación electromagnético. La luz es blanca, y es la suma de todos los colores, se propaga en línea recta

El cerebro crea el color a partir de las cualidades de la luz: intensidad y longitud de onda.

El tacto es un sentido fundamental asociado a la visión, ya que nos permite percibir cualidades de los objetos y medios como la presión, temperatura, aspereza, dureza, etc., este sentido se halla principalmente en la piel, en la que se encuentran diferentes clases de receptores que se encargan de transformar los distintos tipos de estímulos del exterior en información susceptible de ser interpretada por el cerebro.

Pero además del tacto y la visión hay otros modos de percibir el espacio, el volumen, la forma, etc., este modo es el vestibular, ya que es en el oído interno de donde parte la información que posibilita nuestra orientación en el espacio y configura la construcción del equilibrio.

Otro modo es la somática que toma como órgano perceptivo a todo el cuerpo y en especial a la piel, cuya función límite entre la integridad corporal y el medio es objetivo a desarrollar.

En la vibratoria, los huesos y otras cajas de resonancia son los encargados de posibilitar la asimilación de las ondas que nos llegan en forma de vibración y que se traducen en una experiencia interna.

Otra parte a tener en cuenta en el proceso de construcción de la realidad, es que el cerebro interpreta lo que ve, por lo tanto lo que vemos es el resultado final del proceso físico de visión y del proceso cerebral de interpretación/construcción de lo que vemos. Reconocemos lo que vemos porque comparamos con “esquemas” que posee nuestro cerebro. También es importante tener en cuenta que lo que vemos no es la realidad, sino la realidad para la que esta preparado un ser humano.

A través de los esquemas que tenemos en nuestra mente sabemos que estas cuatro imágenes representan una flor.

El ser humano es también capaz de percibir el movimiento. Para que la percepción de nuestro entorno sea eficaz, no sólo reconocemos los objetos que vemos en un espacio sino que los localizamos en el tiempo. Nuestros ojos están casi siempre en constante movimiento, y percibimos el movimiento real pero también el movimiento aparente.

El cerebro además establece asociaciones e interpreta lo que ve, esto lo podemos comprobar con las Leyes de la Gestalt:

  • Ley de proximidad: cundo las partes de una totalidad reciben un mismo estímulo, se unen formando grupos en el sentido de la mínima distancia. Esta ordenación se produce de modo automático y, sólo por una resistencia del perceptor, o por otra ley contradictoria, puede anularse esta lectura.
  • Ley de igualdad o equivalencia: Cuando concurren varios elementos de diferentes clases, hay una tendencia a constituir grupos con los que son iguales. Si las desigualdades están basadas en el color, el efecto es más sorprendente que en la forma.
  • Ley de Prägnanz o Ley de la buena forma y destino común: Las partes de una figura que tiene “buena forma”, o indican una dirección o destino común, forman con claridad unidades autónomas en el conjunto.
  • Ley del cerramiento: Las líneas que circundan una superficie son, en iguales circunstancias, captadas más fácilmente como unidad o figura, que aquellas otras que se unen entre sí. Las circunferencias, cuadriláteros o triángulos producen el efecto de cerramiento.
  • Ley de simetría: Tiene tal trascendencia, que desborda el campo de la percepción de las formas para constituir uno de los fenómenos fundamentales de la naturaleza. La biología, las matemáticas, la química y la física, y hasta la misma estética, se organizan siguiendo las leyes especulares, simples o múltiples de la simetría. Es una ley muy arraigada en el ser humano, cuya propia estructura fisiológica, también es simétrica.
  • Ley de continuidad: Esta ley se constituye con elementos que son comunes a otras leyes ya mencionadas.
  • Ley de figura-fondo: Esta ley perceptiva de figura-fondo es la de mayor fuerza y trascendencia de las expuestas, porque puede considerarse que abarca todas las demás, ya que en todas late este principio organizativo de la percepción., observándose que muchas formas sólo se constituyen como figuras definidas cuando quedan como superpuestas o recortadas sobre un fondo más neutro.

A – Ley de Cierre
B – Ley de Semejanza
C – Ley de Proximidad
D – Ley de Simetría
E – Ley de Continuidad
F – Ley de Movimiento Común

Cambiando de tema, también debemos tener en cuenta las ilusiones ópticas, que son cosas que vemos aunque no existen, que demuestran que el cerebro “ve” más de lo que hay.

Hay muchas clases de ilusiones ópticas, como por ejemplo las geométricas, figuras imposibles, referidas a la percepción, etc. También hay muchos artistas que crean ilusiones ópticas.

Aquí os dejo un par de videos sobre ilusiones ópticas.

19/01/10

Práctica

En este día de clase práctica el profesor nos propuso hacer un juego para despertarnos y activar nuestra mente, dividimos la clase en dos círculos y una persona la quedaba en el centro, esta persona para dejar de quedarla tenía que decir un, dos, tres al señalar a un compañero, y este tenía que contestar bob, si no contestaba rápido la quedaba. Después fuimos complicando la cosa y el que la quedaba también podía decir Jesucristo, y la persona señalada tenía que hacer la cruz, o podía decir tostadora y la persona tenia que saltar con los brazos en alto. Este ejercicio además de que nos hizo reír, nos despertó bastante.

Tras este breve juego, estuvimos poniendo en práctica todo lo aprendido sobre la composición, la utilización del color, etc., en el dibujo con temperas.

La actividad consistía en experimentar con el color y con la composición.

En estas actividades continuamos pintando con los dedos, estos son algunas de mis trabajos.


En esta primera imagen trate de representar mi nombre de manera original. Pero ahora que lo observo detenidamente me doy cuenta de que podía haber jugado más con los colores y sus mezclas, y también con la forma de colocar las letras.


En este dibujo trate de representar un paisaje. Ahora que lo analizo veo la gran monotonía que hay en el dibujo, ya que solo uso una línea horizontal, tampoco he conseguido mezclar colores, ni expresarlo como yo quería, me hubiera gustado hacer un paisaje en perspectiva, pero no me he atrevido ya que temía hacerlo mal, Soy consciente de mis errores, y tratare de mejorar, pero he de reconocer que lo paso un poco mal dibujando.


En esta actividad trate de plasmar el movimiento. También quería conseguir darle una tonalidad distinta al cielo mezclando colores, pero no lo conseguí, mi error principal fue no mezclar bien los colores en la paleta, pero también cometí otros errores referidos a la composición de la imagen.



En esta otra actividad el profesor nos pidió que pensáramos en una canción que nos gustase y que intentásemos plasmar lo que nos transmitía sobre el papel. Pienso que esta es una de las peores actividades que he realizado, pero aun así la intenté realizar bien. La música que yo pensé, era una música latina de ritmos cálidos, y la intenté transmitir a través de colores calidos, lo que quise representar son las vibraciones calidas que me transmite esa música. Quería representarlo como las típicas ondulaciones que nos muestran los programas de reproducción de música.


En esta otra actividad en cambio me costó menos expresar lo que nos pedía el profesor.

Se nos pedía que representáramos la vida y la muerte utilizando sólo los colores blanco y negro. En esta primera imagen traté de representar la vida como un proceso, como un camino que hay que recorrer, el blanco del principio significa el comienzo de la vida, cuando todo es fácil y no tenemos apenas preocupaciones, en cambio conforme pasa la vida se vuelve mas gris, y cada vez mas negra con mayores problemas y preocupaciones.



En esta última imagen represento la muerte a través de líneas que se cortan al final, cada vida es distinta, esa es la razón por la que cada línea sea distinta, pero lo que tienen todas en común es la muerte, todas esas vidas se ven cortadas por la muerte, ya que a todos tarde o temprano nos llega nuestro final

20/01/2010

En la clase teórica de hoy, continuamos viendo algunas características del color.

El contraste simultáneo consiste en que cuando están unos junto a otros, los colores interaccionan entre sí. Si están próximos dos complementaros ser refuerzan mutuamente. En cambio cuando están juntos dos colores próximos en el círculo cromático, suelen competir anulándose y distorsionando nuestra percepción del matiz.

Referentes al color existen unas armonías elementales:

  • Tonales: predominio de un color, es decir todos tienen un poco de ese color.
  • De contraste: los colores son complementarios y se equilibran entre sí.
  • Basadas en combinaciones: por ejemplo pares de complementarios.

En la siguiente imagen observamos un contraste por complementarios.

Aquí os dejo una imagen con contraste de claro-oscuro.

Dejando atrás el color, el peso visual es otro elemento importante en la composición

El peso visual es la capacidad que tiene un elemento visual para captar la atención del espectador. Existen una serie de factores que influyen en el peso visual:

  • Forma: Lo vertical parece pesar más que lo horizontal. Las formas regulares tienden a poseer más peso que las irregulares.
  • Tamaño/cantidad: Tiene habitualmente más peso lo mayor y lo que posee mayor numero de elementos o es más complejo.
  • Color: Habitualmente tiene más peso lo que posee colores más cálidos, o más brillantes, o más saturados.
  • Contraste: Tiende a pesar más lo que presenta mayor contraste.
  • Lo excepcional / lo especialmente atractivo.
  • Situación en el campo visual o gráfico.
  • Ritmo interno/ movimiento.

En esta clase hemos visto también la parte 3 de las diapositivas sobre la construcción de la realidad, en ellas se nos habla de los factores psicológicos, sociales, etc., que influyen en la percepción. Ya que “ver” es más que percibir a través de los sentidos.

En la percepción influyen factores psicológicos y sociales muy importantes como por ejemplo:

  • Aspectos no conscientes: están relacionados con los recorridos de la mirada, la atención a reclamos, contenidos subliminales, prejuicios, factores que adjetivan.

En las portadas de los periódicos se tienen muy en cuenta las zonas de interés, que es la tendencia a ver antes y mejor lo que está en la esquina superior derecha, lo que esta arriba frente a lo que esta abajo, etc.

Como ya bien señalé anteriormente en el blog, el contenido sexual se utiliza mucho como reclamo publicitario

Los contenidos subliminales están por todas partes y afectan a nuestra percepción de manera inconsciente.

  • Aspectos culturales: se relacionan con los modos de pensar la realidad, los códigos y simbologías asumidas inconscientemente, los contextos, consiste en ver desde la cultura y el lenguaje.

Es evidente como la cultura influye en nuestra percepción, por ejemplo un americano que no sepa nada sobre la Semana Santa puede confundir a los penitentes con miembros del Ku Klux Klan.

  • Aspectos subjetivos: esta compuesto por las vivencias previas, los miedos y temores, las ideologías, creencias, la emotividad, etc.
  • Etc.

26/01/10

Práctica.

En la última clase práctica el profesor nos mandó tres actividades distintas y nos dio a escoger cual queríamos hacer durante la clase de hoy. Las otras dos las deberemos de realizar en casa.

La primera consiste en diseñar un logotipo con nuestro nombre.

Hoy en día vivimos en un mundo dominado por las marcas que intentan imponerse sobre las demás, muchas de ellas consiguen una fama importante gracias a su logotipo, que lo identificamos con la empresa sin necesidad de palabras, solo con ver el logotipo ya sabemos a que marca o empresa pertenece. Estas marcas tratan de ejercer una influencia sobre nosotros para que compremos sus productos.

Algunos de los logotipos que más me gustan son los siguientes.

Antes de realizar mi logotipo en el papel con las temperas, he practicado un poco, tratando de hacer algunos logotipos basados en mi nombre con el ordenador y también a lápiz. En realidad he de reconocer que me gusta bastante más dibujar a través del ordenador que con temperas, pero bueno, esto no quiere decir que no lo vaya a intentar, aquí os dejo algunos de mis bocetos e ideas.

Para realizar este trabajo tuve en cuenta algunos de los criterios de esta página que nos propuso el profesor que visitásemos.

http://www.maestrosdelweb.com/editorial/critelogo/

En estos otros bocetos trate de no centrarme solo en una letra y darle más forma y dinamismo a través de las curvas.

Finalmente el logotipo que realice fue este, me pareció más fácil dibujar con pinceles que con los dedos, y así en mi casa pude obtener mejores resultados que con las manos.

En este logotipo traté de representar mis iniciales, utilizando colores calidos para las letras y un color frío para el fondo.

La segunda actividad consiste en a partir de una fotografía contrastada, calcar la fotografía, y una vez calcada se hace una plantilla, para ello deberemos de tener en cuenta:

  • Marcar por donde va la forma de la cara y la sombra.
  • Marcar que zonas tienen luz y sombra.
  • Marcar zonas que  nos permitan dividir entre sombra y luz.
  • Hay zonas como la boca que no me interesa dejarla en negro entera.
  • Trabajar con el negro y blanco.
  • Si tiene media cara de sombra se puede pintar.
  • Experimentar con luces y sombras

La tercera actividad consiste en a partir de una imagen de un  paisaje, lo calquemos hasta en sus más mínimos detalles, después lo debemos de pasar a formato A4 y pintarlo, pero no igual, debemos de interpretarlo nosotros y darle el colorido que queramos.

Este es el paisaje que he decidido utilizar para este trabajo. Esta obra se llama “Les Coquelicots” y su autor es Claude Monet.

27/01/10

Teoría:

Hoy no he podido asistir a la clase de teoría por motivos personales, pero tras haberle preguntado a algunos compañeros voy a tratar de exponer lo que se dió.

Son dos los objetivos fundamentales para poder crear y contar.

El primer objetivo es perder el miedo ante la materia, para ello es necesario que estemos abiertos a todo. Muchas veces el miedo influye en nuestra forma de afrontar la materia, ya que muchas veces hacemos afirmaciones como “no puedo”, “no me sale”, “esto no es lo mió”, etc. Yo soy una de estas personas que afrontan esta asignatura con miedo y temor al fracaso, cuando voy a realizar un trabajo siempre pienso que me va a salir mal y creo que por eso mismo no doy todo lo que podría dar. Es decir este miedo nos influye en gran medida a la hora de desarrollar un trabajo, creo que este miedo se debe a que estamos condicionados por experiencias negativas pasadas y porque hemos generalizado nuestro temor hacía esta asignatura. Este temor se debe a que en el pasado hemos realizado actividades aburridas y repetitivas, y porque la mayoría de las veces en ellas no se transmite nada. Por ultimo tengo que destacar que a través de estos trabajos no se aprende casi nada o nada.

En el trabajo directo con niños, los maestros, debemos de mandarles trabajos que se adecuen a su edad y tratar de que los trabajos le interesen.

Cuando estamos en las primeras etapas de la educación, estos trabajos tienen que buscar la creatividad de los niños, debemos de enseñarles a contar cosas a través de las imágenes, más que pedirle que copien y realicen actividades repetitivas que para nada estimularan la creatividad.

En esta imagen se ve como el niño ha interpretado la realidad.

En una etapa más avanzada de la educación, por ejemplo en la E.S.O., es cuando debemos enseñarles a dibujar.

Respecto a este tema el sistema educativo español no se adecua a lo explicado anteriormente ya que no se adapta a las necesidades y capacidades del alumnado.

Es evidente que el mejor modelo para aplicar en la educación es el modelo para la comprensión crítica y preformativa de la cultura visual. Es decir el modelo que fomenta una capacidad crítica en el alumnado. En este modelo se plantea una Educación Artística más significativa que tenga más sentido para el alumno, es decir trata de conseguir un aprendizaje significativo que quede “marcado” en el alumno. Este modelo busca que esta materia tenga más sentido para el alumno, y trata de conseguirlo abordando el mundo en el que realmente vive. Como ya hemos dicho anteriormente en este modelo no se trata de “leer” una imagen, sino de comprenderla en profundidad. También tiene en cuenta que la interpretación puede cambiar dependiendo del momento histórico, la cultura desde la que se mira, e incluso dependiendo de cada uno.

Después de todo lo expuesto y haber analizado los distintos modelos, para realizar una propuesta didáctica  me basaría en este modelo, ya que me parece el más adecuado y el que más se adapta a la realidad que vivimos hoy en día.

El segundo objetivo consiste en aprender a comprender. Este objetivo se centra en que no se debe repetir, copiar, sino que se debe comprender. Se debe comprender que hay detrás de las imágenes, de las técnicas de dibujo, etc.

Tras exponer estos dos  objetivos fundamentales se realizo un debate entre la clase, en el se sacaron una serie de conclusiones entre las que destaca entre otras que la imagen social ha cambiado, es decir ya no vemos las cosas de la misma forma.  En este debate se sacaron varias conclusiones entre ellas que es evidente como la sociedad ha cambiado, pero también se discutieron otros aspectos relacionados con la realidad.

Con esta clase finaliza el primer cuatrimestre.

Para terminar os dejo la propuesta didáctica.

Propuesta Didáctica

Mi propuesta didáctica se basaría en el modelo de Educación para la comprensión crítica y preformativa de la cultura visual. Ya que voy a tratar que los contenidos y conceptos se adquieran a través de un aprendizaje significativo. Para conseguirlo voy a intentar que las actividades que se propongan tengan sentido para el alumnado y se adapten a su edad. Las actividades que se realicen tienen como objetivo principal despertar en el alumno la creatividad, y en ellas se intentará que el alumno se exprese libremente dentro de una propuesta de actividad. Se busca que el alumno elabore sus propias interpretaciones y se tendrá en cuenta que estas interpretaciones variaran en cada alumno. El uso de imágenes va a ser muy importante a la hora de realizar los trabajos.

Con estas actividades también queremos desarrollar en los alumnos la capacidad de observación para que puedan comprender lo que vemos, lo que somos, lo que nos rodea, etc.

Las actividades y trabajos buscarán desarrollar capacidades que permitan a los alumnos usar el dibujo, la fotografía, etc, para ello se tendrá en cuenta las capacidades de cada alumno/a  y la presencia de alumnos/as con necesidad específica de apoyo educativo, por lo tanto se realizará una atención individualizada.  El aprendizaje es un proceso continuo en el que cada niño tiene su propio ritmo.

Se fomentará la investigación por parte de los alumnos, pidiéndoles que busquen materiales para las actividades como por ejemplo fotografías, recortes, etc.

Con estas actividades también queremos desarrollar en los alumnos la capacidad de observación para que puedan comprender lo que vemos, lo que somos, lo que nos rodea, etc.

El alumno será considerado como el centro del proceso de aprendizaje.

El profesor deberá ayudar al alumno en la búsqueda de información para el trabajo, pero el alumno es el que deberá construir su conocimiento,

La propuesta didáctica esta dirigida a los alumnos de primer ciclo de primaria.

Los materiales para la actividad concreta propuesta, serán recortes de revistas y periódicos, fotocopias de fotografías, y una cartulina.

Las imágenes y recortes deberán buscarlos los niños.

La actividad propuesta como ejemplo consistirá en pedirles a los niños que realicen en una cartulina usando las imágenes e incorporando textos explicatorios, una definición de cómo ven ellos su ciudad, que intenten definirla a través de las imágenes.

Una vez realizada se expondrán en clase y se les preguntará a los niños por que han elegido cada imagen, y que es lo que les gusta  y lo que no les gusta de su ciudad. Con esto se trata de que los niños comprendan que hay muchas formas de ver una misma ciudad, y que todos tenemos opiniones distintas sobre algo y que hay que respetar todas.

Esta actividad se basa en unos conocimientos previos sobre que es una ciudad, y sobre los elementos que se encuentran en ella, que ya hayan sido explicados anteriormente en clase.

La evaluación se realizará en base a los siguientes criterios:

  • Si ha identificado el tema que se ha tratado.
  • Si los contenidos han sido trabajados correctamente.
  • La presentación del trabajo.
  • Si lo ha concluido.
  • El grado de motivación del alumno.
  • Que se corresponda con lo explicado en el tema sobre la ciudad.

Con esto finalizo este primer bloque, espero que os haya parecido interesante el blog. De todas formas  seguiré ampliándolo y perfeccionándolo después de los exámenes.