Diario Bloque II

Núcleo 2: Imágenes e identidad

Mapa conceptual

Mapa Conceptual Núcleo 2

19/02/10

Teoría.

En esta primera clase teórica del segundo cuatrimestre vamos a empezar el núcleo 2, llamado “Imágenes e identidad”.

En la primera parte de este segundo núcleo vamos a hablar sobre nuestra relación habitual con las imágenes.

Normalmente solemos mirar el arte y las imágenes de tres formas:

  • Como representaciones que transmiten información.

Instrucciones lavadora

Muchos manuales de instrucciones nos transmiten la información usando solo imágenes, como se puede observar en esta imagen.

A través de las imágenes se puede transmitir cualquier tipo de información.

Una imagen nos transmite mucha información sobre como es el objeto, tamaño, color, forma, etc.

  • Como obras estéticas.

Consideramos obras estéticas aquellas que producen un placer estético sobre el que las observa. Personalmente creo que considerar a una obra como estética es muy subjetivo, y puede que algunas personas consideren que lo es y otras que consideren lo contrario, ya que se busca principalmente la belleza o que transmita algo mas que simple información. Creo que es bastante subjetivo considerar  algo como bello, ya que a lo largo de la historia nunca se ha podido concretar que es lo que se considera bello, es decir no se ha obtenido un canon de belleza universal ni ahora ni nunca, el canon de belleza ha ido cambiando a lo largo de la historia y dependiendo de la cultura y contexto.

Lo que valoramos en las obras de arte es su valor estético, pero como antes he dicho, nadie se ha puesto de acuerdo sobre que es la belleza. Fundamentalmente lo que se aprecia es la forma.

  • Como proyecciones.

De muchas obras lo que nos interesa es lo que dice de sus autores, a través de la obra intentamos conectar con el autor. En estas imágenes se nos proyecta algo externo a ellas, en ellas se marca el carácter de su autor, su forma de ser se transmite a la obra. Por ejemplo en esta obra de Goya se observa un gran cambio en comparación con sus obras anteriores, lo que muestra un cambio en el carácter del autor.

En esta obra de Van Gogh también se ve reflejado su carácter a través de su pincelada y su forma de interpretar la realidad.

Es habitual que miremos el arte y las imágenes de varios modos a la vez, es decir podemos mirar una imagen como una obra estética pero a la vez podemos mirarla también como una proyección. Por ejemplo podemos experimentar un “placer estético” al contemplar un obra de Monet, pero también nos transmite algo sobre su autor y su forma de expresarse, que se ve reflejada en su forma de dibujar, de usar los colores, etc.

Hoy en día es también muy habitual utilizar las imágenes para transmitir información. Ésta nos llega de una manera más rápida y directa que a través de la expresión oral, es decir, como bien nos dice el refrán, una imagen vale más que mil palabras. Por ejemplo esta imagen habla por sí sola.

Existen distintos tipos de representaciones que transmiten información:

  • Representaciones descriptivas: Vemos las imágenes a través de descripciones. Estas imágenes (en especial las fotografías) se consideran como “registros” o transcripciones de la realidad, es decir recogen un fragmento de lo visible ya sea actual o del pasado. En estas representaciones descriptivas también podemos encontrar imágenes que representan cosas re-creadas, que describen y/o proyectan o que inventan o cuentan historias no reales. Dentro de este tipo podemos encontrar por ejemplo un manual de instrucciones en imágenes. Es muy habitual encontrar estas imágenes que nos explican y describen algo concreto, tanto que, ya estamos totalmente familiarizados con este tipo de imágenes y las interpretamos fácilmente. Pero esto es solo un ejemplo, ya que podemos considerar como representaciones descriptivas muchas clases de imágenes, el único requisito es que la información que nos transmita describa algo, por ejemplo un personaje antiguo, el pasado desconocido, un diseño de un edificio, etc.

El boceto de este edificio es una representación que nos transmite información de manera descriptiva.

Esta imagen de la famosa película “Gladiator” es una representación descriptiva ya que nos describe como eran la lucha de gladiadores en aquella época.

En esta fotografía de las cataratas del Niágara se transmite información sobre como son, por lo que también es una representación descriptiva.

  • Representaciones simbólicas: En estas representaciones lo que aparece no es lo que significa, es decir que hay que “ver” mas allá de lo que nos muestra la imagen, estas imágenes las podemos encontrar en una película, en una bandera, en un logotipo, en un cuadro, etc. El amor es un tema muy utilizado en las representaciones simbólicas, el amor se suele representar con un corazón, con cupido, con rosas, con tórtolas, etc.


Un ejemplo típico de imagen simbólica es por ejemplo un corazón roto, que normalmente lo interpretamos como el desamor, pero esta interpretación se la damos en nuestro contexto, es bastante probable que alguien que nunca haya visto dibujar un corazón de esta forma no lo interprete como el desamor, ya que esta bastante claro que el corazón real no tiene esta forma que se le da en este tipo de imágenes. Podemos decir que los símbolos se definen porque alguien le da un significado, lo que pasa que dentro de una cultura o contexto ese significado se puede expandir y finalmente ser compartido por la mayoría de miembros de esa cultura, esto es lo que ha sucedido con la representación del corazón roto, ya que esta bastante claro que realmente a nadie se le rompe o daña el corazón por un desamor. También en las películas es habitual encontrar representaciones simbólicas. Hace tiempo, leyendo en Internet encontré un articulo bastante interesante que relacionaba el famoso anillo de la saga “El señor de los anillos” con la ideología nazi, considerándolo como una representación simbólica, personalmente dudo sobre esta afirmación ya que el escritor J. R. R. Tolkien es ingles y vivió la Primera Guerra Mundial por lo que dudo su afinidad a la ideología nazi, pero ahí lo dejo. Lo que si esta claro es que este anillo simboliza el poder.

En la pintura también encontramos numerosas representaciones simbólicas, son muchas las pinturas que representan ideas, pensamientos, hechos religiosos o mitológicos, etc. de manera simbólica. Algunos ejemplos son “Las hilanderas o La fábula de Aracné” de Velázquez, “La esperanza” de Pierre Puvis de Chavannes, “El pecado” de Franz von Stuck, “Guernica” de Pablo Picasso, etc.

Tras esta obra que parece un simple cuadro de género se esconde una escena mitológica, la llamada fábula de Aracné.

“La Fábula de Atenea y Aracne, es una escena del mito de Aracne que se describe en el libro sexto de Las metamorfosis de Ovidio. Una joven lidia, Aracne, retó a la Diosa Atenea, inventora de la rueca, a tejer el tapiz más hermoso. La escena del primer término retrataría a la joven, a la derecha vuelta de espaldas trabajando afanosamente en su tapiz. A la izquierda, la Diosa Atenea, que finge ser una anciana, añadiendo falsas canas a sus sienes. Sabemos que se trata de la Diosa porque, a pesar de su aspecto envejecido, Velázquez muestra su pierna, de tersura adolescente. En el fondo, se representa el desenlace de la fábula. El tapiz confeccionado por Aracne está colgado de la pared. Su obra constituye una evidente ofensa contra Palas Atenea, ya que ha representado varios de los engaños que utilizaba su padre, Zeus, para conseguir favores sexuales de mujeres y Diosas. Frente al tapiz, se aprecian dos figuras, son la Diosa, ataviada con sus atributos, como el casco y la humana rebelde que viste un atuendo de plegados clásicos. Están colocadas de tal manera que parecen formar parte del tapiz. Otras tres damas contemplan cómo la ofendida Diosa, en señal de castigo, va a transformar a la joven en araña, condenada a tejer eternamente.

http://es.wikipedia.org/wiki/La_f%C3%A1bula_de_Aracn%C3%A9

Esta obra de Pierre Puvis de Chavannes simboliza la paz y la esperanza con un tema de guerra franco prusiana.


Esta obra de Franz von Stuck simboliza el pecado a través del cuerpo semidesnudo de una mujer entre luces y sombras.

En esta famosa obra de Picasso no hay ninguna referencia concreta al bombardeo de Guernica ni a la Guerra Civil Española, por lo tanto, no es un cuadro narrativo, sino simbólico. La interpretación de estas obras es bastante subjetiva.

Otro ejemplo de representación simbólica es la famosa “Estatua de la Libertad” de Nueva York, ya que alguien que no conozca su valor simbólico no la interpretaría como una representación de la libertad.

Dentro de este tipo de representación hay que destacar el Simbolismo, que es un movimiento literario y de artes plásticas que se originó en Francia en la década de 1880, paralelo al post-impresionismo, y que surgió como reacción al enfoque realista implícito en el Impresionismo. Estos artistas desean crear una pintura no supeditada a la realidad de su momento, rechazan lo que trae consigo la vida diaria, la aglomeración, la actividad industrial y la degradación. Aquí os dejo una página muy interesante que nos explica más sobre este movimiento.

http://www.arteespana.com/simbolismo.htm

  • Representaciones comerciales: la publicidad son simples reclamos. Este tipo de representaciones busca llamar nuestra atención de cualquier manera.

Los reclamos que utilizan los publicistas parar atraer nuestra atención son muy variados, uno de los mas habituales es incluir contenido sexual en la imagen.

Las representaciones comerciales son muy importantes hoy en día, ya que en todas partes y en cualquier medio las podemos encontrar, muchas veces no podemos evitar su influencia, ya que están por todas partes, y algunas nos influyen subconscientemente ya que es muy habitual encontrar mensajes subliminales en estas imágenes. En la publicidad la información que se le transmite al consumidor muchas veces es engañosa e idealizada, ya que nos muestran que sin ese producto no vamos a ser los mismos, o que adquiriéndolo vamos a ser mejores. Hoy en día se critica mucho a la publicidad y la influencia que ejerce sobre nosotros, en uno de los capítulos de la famosa serie “Los Simpsons” critican esa influencia de manera muy graciosa e ingeniosa en un video en el que Homer se ve influenciado por una valla publicitaria, aquí os dejo el video que no tiene desperdicio.

En resumen podemos decir que sea cuál sea el tipo de imagen, nuestra reacción suele ser siempre similar. Sin embargo no es tan simple, ya que no son simples representaciones. Detrás de esas “simples representaciones” hay algo más, algo que no se aprecia a simple vista.

En la segunda parte de este núcleo nos vamos a centrar en lo que las imágenes parecen y no son. Para tratar este tema vamos a volver a entrar un poco en el tema de la construcción de la realidad que ya tratamos en el bloque I de la asignatura.

Para empezar podemos decir que no hay representaciones objetivas, ni tampoco miradas objetivas, por lo tanto hay una realidad construida, mediada, es decir mediatizada. Esto esta bastante claro, ya que la forma de interpretar la realidad es muy subjetiva. Nosotros construimos nuestra propia realidad y esta influida por nuestra cultura, nuestro entorno, nuestro carácter, etc. La realidad esta mediada en primer lugar por el lenguaje, construimos nuestra realidad a través del lenguaje ya que le damos nombre a los objetos, a las ideas, a los sentimientos, para poder tener un termino compartido para un determinado significado.

Entonces es evidente la importancia que tiene el lenguaje en la construcción de la realidad, ya que le estamos dando nombre a la realidad que vemos a través del lenguaje intentando hacerla mas objetiva, aunque esto es imposible. Palabras como invierno, tormenta, terremoto, amor, etc., son términos que tratan de explicar una realidad a través del lenguaje.

Cuando hablamos de invierno lo asociamos con este tipo de imágenes.

El lenguaje es una parte fundamental en la construcción de la realidad, ya que por ejemplo cuando hablamos de tormenta lo identificamos con una realidad,  esa realidad esta en nuestro imaginario, por lo tanto esa “realidad” es subjetiva. La palabra tormenta cada persona la identificara con una imagen distinta, la imagen que cada uno posea para el término tormenta.

Con el término terremoto sucede lo mismo, muchas personas identifican casí siempre  la palabra terremoto con una imagen de destrucción, aunque son muchos los terremotos que no producen daños todos los asociamos a la destrucción y la muerte.

El amor es un concepto universal relativo a la afinidad entre seres que más que una realidad es una idea, un sentimiento, una emoción, etc. Aunque no sea una realidad que vemos directamente, el amor lo asociamos con una serie de imágenes, estas imágenes serán distintas según cada persona, ya que su interpretación es muy subjetiva.

La conversación también es muy importante en la construcción de la realidad, ya que a través de ella ponemos en práctica y desarrollamos el lenguaje, ya que adquirimos nuevos términos y accedemos a nuevas realidades mediante la interacción entre personas, el ser humano tiene una gran capacidad de comunicación y la utilizamos para transmitir todo tipo de información, ideas, pensamientos, etc.

La realidad esta mediada también por los conceptos y las ideas. Ideas como libertad, la patria, nuestro pueblo, etc., influyen en la forma de percibir y de construir la realidad.

Muchas veces estamos tan influenciados por las imágenes que no somos conscientes de que construimos nuestra realidad a partir de ellas.

El Monumento a la Independencia, también conocido popularmente como El Ángel de la Independencia, o bien la Columna de la Independencia, es un monumento histórico que se encuentra en la Ciudad de México sobre el cruce de Paseo de la Reforma y la calle de Florencia.

http://es.wikipedia.org/wiki/Monumento_a_la_Independencia

La idea de libertad es un concepto muy amplio, y su interpretación es muy subjetiva. Pero sin lugar a dudas la idea de libertad es algo que nos mueve. El ser humano se identifica con la libertad, toda persona quiere ser libre. A lo largo de la historia se han dado numerosas guerras que han surgido solo por la idea de libertad, el ser humano siempre ha luchado por ser libre.

En numerosas obras artísticas se representan ideas de este tipo, para influir sobre las personas a través del arte. Por ejemplo esta mujer simboliza la patria mexicana.

Es muy habitual que los países utilicen la idea de patria para reclutar personas para el ejercito, utilizan imágenes de este tipo para influir sobre los ciudadanos y así conseguir que se alisten a las fuerzas armadas, por lo tanto están construyendo la realidad de las personas, ya que tratan de exaltar la idea de patria entre los ciudadanos, diciéndoles que su país les necesita. Pero los Estados Unidos no ha sido el único país que ha utilizado este tipo de imágenes,  son muchos los  países que han utilizado la idea de patria para conseguir sus objetivos.

En este otro cartel se observa como los británicos también utilizaron este método para conseguir nuevos reclutas.

Los gobernantes de los países tratan de influir sobre las personas utilizando ideas como la patria te necesita, y “bombardean” constantemente a los ciudadanos con imágenes de este tipo, para así influir en su realidad.

Hoy en día podemos ver como muchas personas mueren por sus ideas, este es el caso de los islamistas que se inmolan, es decir que se suicidan por motivos religiosos, para llevar a cabo la Yihad, la guerra santa.

Esta claro que su realidad es totalmente distinta a la nuestra, ya que desde un principio saben que van a morir, pero deciden hacerlo solo por sus ideas, ya que piensan que así accederán de una manera más rápida al cielo, por lo que es evidente que la realidad que viven día a día esta muy influenciada por sus ideas.

Aquí os dejo un video sobre este tema que he encontrado en Youtube. Se trata de un vídeo israelí sobre el terrorismo de Hamás. En el video se critica como muchos palestinos, desde niños, son educados para ser terroristas. En él se habla de cómo se crean los héroes de Hamas. Yo creo que es muy importante la influencia que ejerce sobre estos terroristas la idea de que sean considerados héroes. Ya que al verse como héroes están banalizando el mal que hacen, es decir no le dan importancia a los asesinatos que cometen, lo importante para ellos es ser héroes de Hamas.

Es interesante ver como la realidad puede ser vista de dos maneras totalmente distintas en dos regiones tan próximas como son Israel y los territorios Palestinos.

En este video se criticaba a los palestinos desde el punto de vista de los israelitas, pero el punto de vista puede ser totalmente distinto dependiendo de la cultura o la sociedad en la que nos encontremos. Un ejemplo de esto, es esta portada de la famosa revista El Jueves, que critica al primer ministro de Israel.


Esto es solo un ejemplo, pero las ideas y conceptos influyen sobre las personas de cualquier cultura, por ejemplo, muchos de los alemanes que lucharon en la Segunda Guerra Mundial no eran nazis, sino que estaban influenciados por la idea de patria.

Lo que esta bastante claro es que el hombre es el único ser que mata por ideas, cambiamos el mundo por las ideas.

Hoy en día en nuestro país podemos ver como  la banda terrorista Euskadi Ta AskatasunaETA” asesina  por sus ideas, por la idea de independencia.

Un término que tendremos que tener en cuenta es el de noosfera, ya que al mundo de las ideas se le llama así.

Viendo todo lo que influye en la construcción de la realidad podemos decir que ver la objetividad es prácticamente imposible, y además todavía nos queda por mencionar que la realidad también esta mediada por  uno de los mediadores más poderosos, las imágenes. Las imágenes tienen una gran importancia en la construcción de la realidad principalmente porque vemos a través de imágenes, y las imágenes acaban siendo la realidad.

Yo, por ejemplo, no he ido nunca a Nueva York, pero para mí es una realidad, esa realidad la he construido a través de las imágenes que he visto en revistas, Internet, televisión, etc.

Es decir, las imágenes construyen la realidad, no solo la representan. No son simples representaciones subjetivas, hay muchas formas de “ver” las imágenes y la forma en que cada uno las “ve” influye en la construcción de su realidad, por ejemplo la imagen del atentado de las torres gemelas es parte de la realidad, pero esa realidad es seguro distinta para un americano que para un miembro de  Al Qaeda.

También por ejemplo la imagen de Guernica destruida en un bombardeo durante la guerra civil, no construye la misma realidad para un miembro del bando nacional, que para uno del bando republicano.

Esto se debe a la gran importancia que tuvo la imagen de Guernica destruida, ya que fue utilizada como propaganda por ambos bandos. Esta propaganda provocó que tuviera una gran repercusión e influyó en la construcción de la realidad de muchas personas de la época.

Tras ver que la realidad es distinta para cada persona, podemos decir que la realidad al final no es lo real, sino que lo real son las imágenes. Las imágenes son más reales porque la realidad esta interpretada por cada uno, es nuestra realidad subjetiva, por lo que no es tan real como la imagen. Lo que esta claro es que las imágenes construyen la realidad e incluso la sustituyen. 

Conocemos acontecimientos del pasado a través de las imágenes, por lo que la realidad ha sido sustituida por las imágenes, ya que conocemos la realidad del momento a través de las imágenes, aunque no lo hayamos vivido.

Lo que esta claro es que las imágenes construyen la realidad e incluso la sustituyen. Conocemos acontecimientos del pasado a través de las imágenes, por lo que la realidad ha sido sustituida por las imágenes, ya que conocemos la realidad del momento a través de las imágenes, aunque no lo hayamos vivido. Por ejemplo las olimpiadas de Berlín de 1936.

Esas imágenes del pasado construyen también nuestra realidad, ya que damos por supuesto que son reales. Pero y si no fueran tan “reales”, sino que estuvieran distorsionando la realidad, es decir que esa imagen represente una realidad que no se corresponda con ese momento. Hay que pararse a pensar que es muy habitual que el que realiza la instantánea esta recogiendo la realidad que quiere mostrar, es decir, su realidad.

En la instantánea se recoge solo lo que su autor quiere mostrar. Por ejemplo, si una ciudad quiere promocionarse para aumentar el turismo, la imagen que utilicen para la campaña publicitaria será una imagen que muestre lo moderna y avanzada que es la ciudad, la que seguro no utilizaran será una imagen de los barrios más empobrecidos. La realidad que se muestra sobre la ciudad, es la que se quiere mostrar.

Por ejemplo estas dos imágenes pertenecen a una misma ciudad. Para una campaña turística es evidente cual de las dos utilizarían.

Según las imágenes que veamos de una ciudad vamos a tener un concepto distinto de ellas si nunca la hemos visitado.

Por ejemplo, esta claro que estas dos imágenes de Huelva muestran dos realidades de una misma ciudad. La primera imagen trata de mostrarnos una ciudad bonita, en la que predomina la naturaleza y donde podemos disfrutar de un bello atardecer, en cambio la segunda nos muestra una ciudad rodeada de fábricas y altamente contaminada. Si un turista estuviese pensando visitar Huelva y le diese por buscar en Google imágenes de Huelva y encontrase la primera, pensaría que Huelva es una ciudad preciosa la cual merece la pena visitar, pero en cambio si encontrase la segunda, seguro que se lo pensaría dos veces antes de visitarla. Por eso creo que una sola imagen de una ciudad puede influir en nuestras opiniones sobre ella. El turista viendo la segunda imagen puede que decida no pasar sus vacaciones en Huelva sin necesidad de saber nada más sobre ella.

Pienso que esto ocurre en mucha de las imágenes del pasado, que reflejan una realidad “seleccionada” que es la que se desea mostrar. Hoy en día la manipulación de imágenes se da mucho en China debido al régimen autoritario en el que viven, las imágenes que no le interesa mostrar al pueblo se censuran, y solo muestran la realidad que al régimen le interesa mostrar.

Esta censura que sufren muchas imágenes influye en la construcción de la realidad de sus habitantes, ya que muchas imágenes que forman parte de la realidad no les han sido mostradas. Este es el caso de las imágenes que muestran las manifestaciones de los monjes del Tíbet exigiendo su independencia.

Gran parte de lo que consideramos como realidad la conocemos solo a través de imágenes, esto sucede con las mencionadas imágenes del pasado, pero también ocurre con imágenes actuales, este es el caso del espacio, la existencia del espacio con todos sus componentes es una realidad para todos nosotros, pero muy pocos son los que lo han contemplado directamente, casi todos lo conocemos a través de las imágenes.

Para mí el espacio es una realidad totalmente construida a través de imágenes, ya que ni siquiera lo he contemplado con un telescopio.

Otras muchas imágenes construyen nuestra realidad sin necesidad de que la hayamos contemplado directamente, por ejemplo, conocemos la magnitud del terremoto de Haití a través de las imágenes.

Personalmente pensar sobre este tema hace que me “coma” bastante la cabeza, y es algo que no me había parado a pensar antes, me resulta interesante reflexionar sobre el tema y creo que me ha ayudado a conocerme mejor. Esto último lo digo porque nunca había pensado cuanto influyen sobre nosotros las imágenes y me he dado cuenta de que son muchas las imágenes que han influido en mi forma de “ver” el mundo, y que las tengo, como se suele decir, “grabadas en la mente”.

Nos hemos acostumbrado a verlo todo, hoy en día pocas cosas nos sorprenden, se ha producido un giro visual, es decir la cultura se ha vuelto visual. Hemos aprendido que se adquiere casi todo a través de imágenes, por ejemplo en una radiografía, nosotros no vemos las cosas así, pero lo vemos natural. 

También las imágenes en las que se ve como se fecunda un ovulo, las imágenes de astros que desconocíamos, imágenes microscópicas, etc. Gracias a las nuevas tecnologías podemos ver cosas que hace pocos años era impensable que las viésemos.

La ecografía es otro de los adelantos que nos ofrece la tecnología para poder ver la evolución del feto durante el embarazo.

El otro día por casualidad pude ver un excelente documental en el canal “National Geographic” llamado “La increible maquina humana” en el se nos muestran imágenes interiores de nuestro cuerpo y nos explica con gran detalle como funciona nuestro cuerpo.

Al verlo, me dí cuenta de que no me sorprendía ver esas imágenes, ya que veo como algo habitual ver imágenes del interior de nuestro cuerpo.

Lo vemos como algo normal, pero no tenemos en cuenta lo que hay detrás, es decir la mayoría de las veces no nos paramos a pensar en todo el proceso por el que se ha pasado para poder obtener esas imágenes.

Por ejemplo en la siguiente imagen podemos ver como se realiza una ecografía, que es lo que hay “detrás”.

Incluso podemos ver una imagen interna del cerebro, que se consigue a través de una tomografía por resonancia magnética.

Me resulta bastante curioso como el ser humano se acostumbra a todo, incluso se acostumbra a ver lo que ve hasta el punto de no prestarle atención y verlo como algo habitual en su vida. Nuestra cultura visual ha aumentado muchísimo en los últimos años, lo que se debe en gran parte a la aparición y uso generalizado de Internet, ya que gracias a él, muchas imágenes se han convertido en universales, hoy en día podemos verlo todo.

Tampoco nos sorprende ver nuestras ciudades desde la imagen que ofrece un satélite, ya que hoy en día gracias al programa gratuito “Google Earth” podemos “viajar” virtualmente por el mundo sin necesidad de tener que levantarnos de nuestro sillón.

En este programa se puede ampliar tanto la imagen que podemos ver perfectamente nuestra casa desde una vista aérea o incluso inclinar el ángulo de visión para verlo más realista o en 3D.

Ver estas imágenes a nadie  le sorprende hoy en día, pero solo hace unos años sería algo impensable para cualquier persona, ya que esa tecnología no estaba al alcance de todos.

Hasta el movimiento hemos conseguido detenerlo, ya que las instantáneas detienen el movimiento. En la realidad el tiempo no se detiene nunca.

La realidad es un complejo sistémico actualizado por cada persona. Todo esta interrelacionado, es decir, si meto en el sistema algo nuevo, funciona de manera distinta.

El modo como nos relacionamos con la realidad es sistemático. Es decir tenemos una relación con la realidad compleja y sistemática.

Lo primero que influye es nuestro carácter de especie, que interviene mucho en como vemos la realidad. Como especie todos tenemos miedo a la muerte, conocemos que vamos a morir, pensamos en ello.

Somos la única especie que se preocupa de la muerte, esta es la influencia biológica de nuestra especie. Todo ser humano, excepto raras excepciones, se preocupa de curarse cuando esta enfermo.

Por lo tanto sabemos que el tiempo es limitado, y hemos organizado la vida en torno al tiempo, los relojes, ya que necesitamos organizar el tiempo.

Lo segundo que influye es que el ser humano es un ser social. Nosotros sentimos, sufrimos cuando vemos ciertas imágenes, aunque a otros no les transmita nada. Nuestra interpretación es social.

Las imágenes del 11-M hacen recordar el sufrimiento que se vivió aquel día.

Por ejemplo muchos onubenses sufren cuando ven el cartel que pedía la colaboración ciudadana para encontrar a Mari Luz, ya que todos sabemos cual fue el desenlace.

También influye que el ser humano es un ser cultural. Todo lo que no es natural, es cultural. Todo lo que no viene determinado genéticamente es cultural. Por ejemplo podemos ver la muerte como hecho biológico, o la muerte como hecho cultural.

En esta imagen podemos ver como hemos convertido la muerte en un hecho cultural, y lo hemos ritualizado realizando una misa y un entierro.

Debemos de tener en cuanta que el ser humano siempre es un ser cultural, y lo es tanto el hombre que ha recibido una educación, que ha estudiado una carrera, que le han enseñado unos comportamientos acordes con su estatus, como un hombre que vive en una aldea de digamos 25 habitantes, que vive en plena selva amazónica, que no tiene ni libros, ni sabe escribir por que no tiene los medios para aprender, etc.

Los dos son seres culturales, tanto el de la ciudad como el indígena, ya que el último ha aprendido a sobrevivir en un medio un tanto hostil, ha sabido alimentarse con los medios que le brinda la naturaleza, a heredado toda la sabiduría de sus antepasados, etc.

Además de todas estas influencias debemos tener en cuenta que cada persona es un ser individual, un sujeto irreductible, y un ser único.


23/02/10

Práctica

Hoy hemos comenzado la clase práctica con un juego para despertarnos. Para comenzar el juego dividimos la clase en dos grupos y nos situamos en círculo. El juego consistía en que uno de los integrantes del circulo empezaba dando una palmada en un sentido y los demás tenían que darla cuando les tocase (como cuando se hace la “ola”), después le fuimos añadiendo otros movimientos, primero le añadimos que teníamos que decir uhhh, y después un salto, esto lo hacíamos en varios sentidos para que todos tuviésemos que estar pendientes, de manera que el salto te podía llegar por la izquierda y la palmada por la derecha. El juego en realidad es más complicado de lo que parece ya que tienes que estar muy atento, y casi siempre nos equivocábamos. La verdad es que me pareció un buen juego para despertarse un poco y además nos reímos un rato.

Después de dedicarle los primeros cinco minutos de la clase a este juego, empezamos a preparar la paleta de colores. Pero antes de ponernos a dibujar, el profesor nos pidió que reflexionásemos sobre lo que significa mirar. Para entrar un poco en el tema, nos contó un par de historias muy interesantes, la primera historia tiene como protagonista a un ciego y la segunda a unos judíos. De la primera historia no recuerdo mucho, pero lo que recuerdo es que el ciego pedía a otra persona que le contase que es lo que veía y como lo interpretaba. En la segunda nos cuenta como los judíos que iban en un tren, camino de los campos de concentración, no podían ver por donde iba el tren ya que era un tren de ganado y solo tenía un respiradero en la parte superior. Para poder ver por donde iban y que es lo que se veía se tenían que aupar unos a otros, y finalmente solo uno era el que miraba por el respiradero. Cuando llevaban unos días en el vagón, ya habían decidido quienes eran los que debían ser aupados, ellos habían decidido que fueran unos y no otros, no porque no explicasen bien lo que se veía, sino porque lo interpretaban de una manera más viva, que le transmitía algo más que una mera descripción a los que iban en el tren. Ellos eligieron a las personas que querían que les transmitiesen la realidad.

Muchas son las películas y libros que han intentado reflejar la crueldad de estos viajes hacia los campos de concentración o de exterminio nazis.

Después el profesor nos pidió que pintásemos algo del mundo que nos transmita algo. Algo que queramos conservar del mundo.

En el primer dibujo pensé en que es lo que me llevaría de esta vida, y lo primero que se me vino a la mente fue la luz, el calor y el amor como sentimiento, como el dibujo lo teníamos que hacer bastante rápido decidí dibujar con los dedos. Para expresar estas ideas utilicé el naranja intentando que tuviese diferentes tonos, y contrastarlo con un color frío. Quería reflejar que yo me llevaría el “lado” bueno de esta vida haciendo que predominase el color cálido sobre el frío en el dibujo.

A la hora de realizar el segundo dibujo continué reflexionando sobre el tema, pero no tenía muy claro que es lo que me llevaría de este mundo, pensé que era muy difícil elegir solo una cosa o idea,  y entonces intente reflejar con los colores que yo me llevaría muchas cosas y sentimientos de esta vida. Una de estas ideas que se me vinieron a la cabeza fue la idea de libertad, la libertad que todos tenemos solo por estar vivos. A través de las líneas rojas quise representar la duración limitada de la vida, ya que cada línea tiene una longitud distinta. Todo lo demás representa lo que nos rodea, tanto lo bueno como lo malo. Yo dibuje la vida, ya que si pudiese elegir que me llevaría de este mundo, sería la vida misma. La sensación de estar vivo. El poder disfrutar de cada día y tomar mis propias decisiones.

Una vez terminada la clase, seguí dándole vueltas al tema, ya que no me había gustado mucho los dibujos que realicé, y decidí hacer otro más en mi casa. Antes de empezar a dibujar reflexioné un poco sobre los dibujos que realicé por la mañana, y decidí que en esta ocasión iba a dibujar algo del mundo que me transmita algo, aunque no sea lo más importante para mí. En este dibujo intente representar los colores que encuentro diariamente en todos lados y que me transmiten alegría. Quise reflejar que a mi el mundo me transmite alegría cuando el día esta totalmente soleado y lleno de luz, y que una de las cosas que más me gusta es estar en la playa y ver en esos días calurosos de verano como el cielo se vuelve anaranjado cuando empieza a anochecer.

Tener la playa tan cerca y poder contemplar tantos anocheceres en ella, ha influido mucho en que esto sea así, ya que los anocheceres los asocio con cosas que me han pasado en todos los veranos de mi vida. Creo que me gusta tanto el verano porque es la época del año que más intensamente vivo. Por eso esto es realmente  lo que me transmite algo del mundo sensible, es decir que me transmite un sentimiento de alegría, felicidad y relajación.

La verdad es que me ha resultado bastante interesante realizar esta actividad y además, al poder expresarme libremente, ha sido divertido.

Después de realizar esta actividad de iniciación, en clase comenzamos a dibujar un paisaje que hubiera realizado cualquier autor, pero no se trataba de copiar el mismo paisaje, sino que se trataba más de darle nuestra propia perspectiva. Por lo tanto el dibujo podíamos calcarlo, pero a la hora de darle color tenemos que interpretarlo a nuestro modo. Podíamos cambiar lo que quisiéramos del paisaje original para darle nuestra propia perspectiva. Se trata de transformar la obra de un autor en una propia, aportándole nuestra subjetividad a la obra.

Para realizar este trabajo el profesor nos recomendó que el paisaje en el que nos basemos sea impresionista.

La verdad es que este trabajo me ha resultado bastante difícil, lo que más me ha costado ha sido combinar los colores de manera adecuada, pero también darle sensación de profundidad a la obra.

El cuadro que he decidido realizar ha sido Les Coquelicots de Claude Monet. Cuando me puse ha trabajar con el, me di cuenta de la gran dificultad de este cuadro, el cual, al darle color, no conseguí darle la profundidad y perspectiva deseada. Por este motivo cuando se lo enseñé al profesor, me recomendó que realizase otro y me puso como nota provisional un cinco. Estoy totalmente de acuerdo con él, porque a pesar de que me llevé muchas horas trabajando en él, no conseguí el resultado que esperaba.

Para que podáis ver el trabajo que realicé, aquí os dejo el cuadro original de Monet y el que yo hice.

Aunque le vea muchos fallos a esta actividad, también me doy cuenta de que he mejorado mucho ya que antes ni siquiera me consideraba capaz de realizar algo así. Por lo tanto esta actividad me ha ayudado a coger más confianza en mi mismo a la hora de realizar este tipo de actividades. Antes simplemente no lo hacía porque pensaba que no iba a ser capaz, ahora por lo menos lo intento y valoro más el trabajo que hago.

Como no estaba muy satisfecho con este trabajo, en casa decidí realizar otro cuadro para ver si conseguía mejorar el resultado.

Esta vez me lo pensé bastante más a la hora de elegir el paisaje que iba a realizar por todo lo que me había costado el anterior. Después de ver muchos cuadros decidí realizar la obra de Van Gogh, Olivos con cielo amarillo y sol.

“Parece ser que a través de sus olivos Van Gogh deseaba transmitir su “angustia”, aunque no como síntoma de desesperación sino más bien como consuelo, ya que pensaba que sus cuadros debían consolar al público que los contemplaba y al propio Vincent el primero. No olvidemos su profunda religiosidad y el simbolismo subyacente de los olivos de Tierra Santa, aunque quizá sólo se preocupara por transmitirnos el paisaje de las cercanías de su sanatorio de Saint-Rémy, sin más profundidad que la belleza de la visión.
Técnicamente, está empleando la pincelada en facetas que le caracteriza, con un trazo rápido y vigoroso que se aprecia con claridad, disponiendo los pequeños toques de color alrededor del sol, de manera concéntrica. La línea ondulada – una de sus favoritas – la encontramos en los olivos, algunas de cuyas siluetas aparecen marcadas con una línea más oscura como muestra del contacto – aunque sólo sea epistolar – con las ideas simbolistas de Bernard y Gauguin. Respecto al color, continua empleando la gama de complementarios que avanzó Delacroix e hizo suya el Impresionismo; los tonos naranjas contrastan con el azul, formándose una sombra coloreada en tonos grises. Las montañas malvas del fondo son un claro recuerdo de su maestro, Camille Pissarro.”

http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/5923.htm

Este cuadro me costó bastante menos pintarlo ya que a la hora de darle sensación de profundidad con los colores resultó más fácil que el de Monet sin lugar a dudas.

Cuando realicé este cuadro me di cuenta de la gran importancia que tiene la forma de dar las pinceladas. En todo momento intenté imitar las pequeñas pinceladas que utiliza Van Gogh para realizar esta obra, y fue una de las cosas más difíciles. Pintar el cuadro con pequeñas pinceladas es muy trabajoso y se requiere mucha paciencia.

Parece un cuadro sencillo de pintar, pero cuando te pones a hacerlo te das cuenta de que a la vez que es difícil combinar los colores también lo es saber dar adecuadamente esas pinceladas para obtener un buen resultado.

Pintar este cuadro me llevo bastante más tiempo que el de Monet, pero el resultado final fue mucho mejor sin lugar a dudas. Contemplando los dos, me doy cuenta del gran cambio entre un cuadro y otro. Por eso estoy bastante satisfecho con el resultado obtenido en este trabajo.

Aquí os dejo el original y mi versión.

Para terminar con el día de hoy, me gustaría contaros la serie documental tan interesante que pude ver ayer, el capitulo que vi se llama “Arte y civilización” y actualmente se emite por el Canal Historia todos los martes a las 16:00. En este documental se ponen en relación, de una manera u otra, muchos de los temas que estamos viendo en clase. Me resultó tan interesante que lo he grabado y  he subido algunas partes a Youtube. Aquí os dejo una sinopsis de la serie documental.

“Presentada por el crítico de arte Matthew Collings, esta serie de cuatro episodios examina las grandes obras del arte y la arquitectura del mundo. El espacio cubre diferentes partes de la Historia del Arte, entre ellas las tradiciones artísticas no occidentales y la manera en la que también han ayudado a configurar la civilización occidental.

En un viaje épico a través de impresionantes escenarios de Grecia, Turquía, Francia, Italia, Suiza, Gran Bretaña, Alemania, España, Egipto, China y Estados Unidos, Matthew Collings examinará cómo el arte refleja los saltos extraordinarios que han ido dando las civilizaciones.

En cada episodio contamos una historia completa sobre cómo el arte del pasado nos ha proporcionado nuevas formas de pensar y de sentir que, hoy en día, siguen vigentes en nuestras vidas.”

http://www.canaldehistoria.es/notepierdas/40/Arte-y-civilizacion

Los fragmentos del documental que aquí os dejos pertenecen al capítulo “Salvad nuestras almas”. También os dejo la sinopsis del capítulo.

“El auge de la sociedad moderna industrial en el siglo XIX produjo una crisis de fe y confianza en la propia idea de la civilización, una crisis que todavía nos acecha. Los trabajadores eran explotados de forma espantosa en el nuevo sistema de fábricas y, por ende, las personas se sentían cada vez más distanciadas de su trabajo, de la naturaleza y de los otros. El presentador Matthew Collings sigue los pasos de John Ruskin, un ilustre victoriano que identificó los problemas de su época y pensó que el arte podría ser la solución. Este visionario británico creía que el arte podría salvar nuestras almas, reconectarnos con la naturaleza y curar el vacío espiritual provocado por la industrialización. Seguimos a John Ruskin en su viaje por la poderosa naturaleza de los Alpes, las maravillas arquitectónicas de Venecia y el desolado paisaje industrial del norte de Inglaterra para comprender a este visionario.”

http://www.canaldehistoria.es/vertv/sinopsis/1111021_447067/Arte-y-civilizacion–Salvad-nuestras-almas


Este documental me ha parecido tan interesante por la relación que establece entre el arte y la sociedad, pero también porque nos habla sobre distintas formas de interpretar y representar la realidad.

Este documental  nos habla sobre como Jhon Ruskin en el siglo XIX ya pensaba en el poder redentor del arte, pensaba que se podía transformar la sociedad a través del arte, trataba de redimir a una cultura “corrupta”. Este famoso escritor, crítico de arte y sociólogo estaba influenciado en gran parte por el famoso paisajista J.M.W. Turner. Este pintor no se limita a representar la realidad, él la transforma, le añade sus emociones y sensaciones, tratando de añadirle un “toque” de subjetividad a esas representaciones.

Estas son algunas de las obras de este gran paisajista.

26/02/10

Teoría

En la clase de hoy retomamos el tema donde lo dejamos en la anterior clase, en la segunda parte del núcleo dos, “lo que las imágenes parecen y no son”.

Para empezar, debemos de tener claro que ya que cada uno de nosotros somos únicos, el acceso a la realidad depende de nuestra subjetividad. La realidad que conocemos, la conocemos a través de interpretaciones. Por lo tanto es una realidad construida, la cual se construye a través de interacciones, de un modo sistémico. Esta realidad sistémica depende de cómo funcione el sistema, de las interacciones que se producen en el sistema. Por eso, nuestra interpretación de la realidad esta condicionada. Cada pequeña variación en uno de los condicionantes lo cambia todo.

Pero no solo es lo que me ha influenciado, sino también las decisiones que he tomado lo que influye en mi acceso a la realidad.

Las decisiones que tomemos en nuestra vida influyen en gran medida en nuestra construcción de la realidad, dependiendo del camino que elijamos en nuestra vida todo puede cambiar, el camino que elijamos depende de nosotros, y esto hace que cada uno construyamos de una manera u otra la realidad. Nosotros estamos continuamente decidiendo aspectos de nuestra vida. Por ejemplo si he decidido estudiar medicina y ser médico, mi visión sobre la realidad será totalmente distinta que si hubiera decidido ser abogado. Esto es evidente.

Como futuros maestros debemos de tener siempre en cuenta que la subjetividad es muy importante. Tenemos que ser conscientes de que no existe una única interpretación y que todo es cuestionable. Una de las razones por la que debemos de tener esto en cuenta es que acercarse a lo real es imposible de modo objetivo. La escuela no puede servir solo para analizar datos objetivos

Las imágenes surgen como el cruce de muchos caminos. Por ejemplo para entender la imagen del cerebro diminuto de Homer debemos conocer su biografía, la serie, el contexto. Existe algo detrás de esa imagen que hace que la interpretemos de esa manera. Esta claro que alguien que no haya visto la serie ni sepa nada sobre Los Simpsons no entenderá todo lo que representa la imagen, quizás ni siquiera le parezca graciosa.

Lo mismo sucede con gran parte de las imágenes, siempre hay algo detrás. Por ejemplo esta imagen del Che Guevara es algo más que un simple retrato, detrás de ella hay un movimiento, unos ideales, etc., y se utiliza tanto de manera simbólica, artística o publicitaria.

Esta imagen cada uno la interpretamos de manera distinta, que la veamos de una manera u otra se debe a que construimos esa realidad mediante interacciones, pero esas interacciones se producen de manera distinta en cada persona. No todos estamos influenciados por las mismas interacciones, no todos nos relacionamos con el mundo que nos rodea y con las personas de la misma manera.

Aquí os dejo un comentario muy interesante que encontré en un artículo de la Wikipedia, en él se nos habla sobre su figura y sobre esta imagen en concreto.

“La figura despierta grandes pasiones en la opinión pública tanto a favor como en contra, convertido en un símbolo de relevancia mundial; para muchos de sus partidarios representa la lucha contra las injusticias sociales o de rebeldía y espíritu incorruptible, mientras que es visto por muchos de sus detractores como un criminal responsable de asesinatos en masa, acusándolo además de una mala gestión como Ministro de Industria.

Su retrato fotográfico, obra de Alberto Korda, es una de las imágenes más reproducidas del mundo tanto en su original como en variantes que reproducen el contorno de su rostro, para uso simbólico, artístico o publicitario, siendo uno de los iconos del movimiento contracultural.”

http://es.wikipedia.org/wiki/Ernesto_Guevara

Otro ejemplo puede ser esta broma sobre la serie McGiver, el que no sepa nada sobre la serie seguramente no entenderá lo gracioso de esta imagen.

Las imágenes construyen nuestra realidad no solo invocando la realidad exterior, sino otras imágenes. Por ejemplo en esta imagen no solo se muestran dos cigarrillos, sino que también se esta evocando la imagen que tenemos de una fabrica, para relacionar las dos imágenes. Y así relacionar el daño que ocasiona el humo del tabaco con el humo de una fábrica.

En esta otra imagen se relaciona una ralla de cocaína con la imagen de la vía de un tren, para transmitirnos el mensaje de que hay trenes que es mejor no coger. Esta estableciendo una relación entre ambas imágenes.

Hay muchas imágenes de este tipo, en la publicidad las solemos encontrar habitualmente. Por ejemplo en esta de Mágnum no vemos simplemente el helado, sino que esta evocando otra imagen. Este tipo de imágenes casi siempre evocan imágenes que tenemos ya en nuestro imaginario. Por ejemplo todos tenemos en nuestro imaginario la representación de la silueta de esta parte del cuerpo.

En esta otra imagen se puede observar como a través de la imagen de unos cubiertos se evoca la del teclado de un piano.

Después de todo lo hablado debemos de tener ya claro que las imágenes determinan en gran medida nuestro acceso a la realidad, nos construyen personalmente e influyen en nuestra manera de vivir y de ver el mundo.

Debemos de tener también claro que el imaginario es todo el conjunto de representaciones, explicaciones e imágenes que vienen a contarnos la realidad.

No solo las imágenes forman parte del imaginario. Por ejemplo el ideal de belleza forma parte del imaginario.

En el imaginario de cada uno el ideal de belleza puede ser diferente. Por ejemplo dependiendo de la cultura el ideal de belleza puede ser distinto. Pero yo diría que existe también un imaginario colectivo, ya que en una misma cultura se suelen compartir representaciones, explicaciones e imágenes.

Actualmente el ideal de belleza puede ser diferente según la cultura o persona, pero también a lo largo de la historia se han sucedido diferentes ideales de belleza. Lo que esta claro que nunca se ha establecido un canon de belleza de carácter universal.

“El canon de belleza es el conjunto de aquellas características que una sociedad considera convencionalmente como bonito, atractivo o deseable, sea en una persona u objeto. Es históricamente variable y no es común a las diferentes culturas.”

http://es.wikipedia.org/wiki/Canon_de_belleza

“Friné, hetaira, modelo del escultor Praxíteles (Antigua Grecia), para esculturas de Afrodita (diosa del amor y de la belleza en la Mitología griega).

“Simonetta Vespucci, modelo del pintor Sandro Botticelli (Renacimiento) para la imagen de Venus) (diosa del amor y la belleza en la Mitología romana).”

“Cléo de Mérode, bailarina, mimo y pin-up, fue modelo para el escultor Alexandre Falguier, el fotógrafo Félix Nadar, y los pintores Manuel Benedito, Giovanni Boldini, Edgar Degas y Henri de Toulouse-Lautrec, entre otros. (finales del siglo XIX y principios del siglo XX).”

“Brigitte Bardot (en los años 1950, conforme al canon de belleza francés, principalmente). Fue modelo para muchas imágenes de Marianne (mujer con gorro frigio, símbolo de la República Francesa).”

Estas son algunas de las mujeres que fueron consideradas muy hermosas conforme al canon de la época, pero lo mismo se puede aplicar a los hombres.

Hoy en día se critica que el canon de belleza que se esta tratando de imponer fomenta la delgadez extrema, ya que es habitual ver a mujeres excesivamente delgadas ejercer de modelos en las pasarelas de moda más importantes del mundo. Yo creo que la moda no debería de estar ligada con los cánones que nos dictan, sino que debería estar ligada con la salud. Ya que este canon de belleza que promueven no es nada saludable.

En nuestro imaginario tenemos “grabadas” gran cantidad de imágenes. Por ejemplo la imagen de las torres gemelas forma parte de nuestro imaginario. Y digo nuestro imaginario porque muy pocas serán las personas que no tengan esta imagen en su imaginario.

Dependiendo de la época que vivamos compartiremos unas imágenes u otras, que formaran parte de un “imaginario colectivo”. Por ejemplo, estoy seguro que estas dos imágenes no formaran parte del imaginario de muchos de los jóvenes actuales, pero sí de todos los que lo vivieron directamente. Y quizás en las futuras generaciones la imagen del atentado a las torres gemelas no formará parte de su imaginario.

Debemos evitar la tentación de pensar que podemos vivir en una realidad “objetiva” y mensurable, ni siquiera respecto a aquello que se puede medir. No hay una realidad objetiva y mensurable.

La objetividad depende de la situación, en referencia al tiempo. El ser humano es el que ha tratado siempre de volver mensurable todo, por eso inventó la hora. Así el ser humano trataba de controlarlo todo y así poder regular la actividad humana. La medición del tiempo sino se relaciona con una situación concreta no tiene sentido.

El uso horario es una creación humana, por lo tanto no es algo real en si mismo, es un concepto formado por el ser humano. Ya que la definición de hora ha variado a lo largo de la historia.

“En el pasado se consideraba como hora a la doceava parte del tiempo que transcurre desde la salida del Sol hasta su puesta. Como consecuencia, durante el verano las horas eran más largas que durante el invierno. Los egipcios dividían el día en veinticuatro horas, doce con luz solar y doce nocturnas, sería este sistema el que adoptaron los griegos y los romanos”.

http://es.wikipedia.org/wiki/Hora

Como ya hemos visto, la realidad es sistémica, la cual depende de cómo funcione el sistema y de las interacciones que se produzcan en él.

Por ejemplo, lo que significa para nosotros la enfermedad, no es lo mismo que significaba para una persona de hace un siglo. Hoy en día una pulmonía se cura en unos días, en cambio en el pasado significaba una muerte casi segura.

Por lo tanto podemos decir que las interacciones han cambiado el funcionamiento del sistema, ya que no vemos la pulmonía igual que antes porque las interacciones que se producen son diferentes. Es decir nuestra realidad cambia según la situación, según las interacciones.

Cristo es una irregularidad que cambia el sistema, por lo tanto cambia nuestra forma de ver y comprender la realidad.  Ser creyente hace que veamos de una manera muy distinta fragmentos de la realidad.

Alguien muy creyente seguro que verá la muerte no como un simple hecho biológico, sino como algo más complejo y profundo.

El sistema es el mismo para todos, lo que cambia es nuestra forma de percibir el sistema, hay personas que se centran en el cultural, otros en el social, etc.

El sistema no para de cambiar, este cambio cada uno lo podemos percibir de manera distinta. Por lo tanto el sistema no se puede conocer objetivamente, la realidad no es una cuestión numérica, ni objetiva. Por eso, como ya he dicho anteriormente, la escuela no debe servir solo para analizar datos objetivos.

La única realidad es la realidad que construimos, por eso ni la más fiel de las representaciones es la realidad.

Sólo es un fragmento de una cierta parte de la realidad que  hemos seleccionado y que presentamos de una determinada manera. Por lo que se podría decir que las imágenes no representan nada, sino que la representación depende de la interpretación que cada persona le de. Como por ejemplo las radiografías, los tags, etc., no lo verán igual un médico que una persona que no sea médico.

Tampoco vera igual el médico una radiografía de un familiar suyo, que la de un paciente anónimo. Lo mismo puede suceder con la imagen de un lugar, ya que no la interpretara igual alguien que haya vivido algún hecho importante de su vida allí, que alguien que nunca haya estado allí. La primera persona puede identificar el lugar con un amor, con algo emocionante, con un hecho triste, etc., mientras que a la otra persona ese lugar no le transmitirá ningún tipo de emoción o sentimiento. Por lo tanto, las emociones y sentimientos son muy importantes ya que influyen en nuestras interpretaciones.

Alguien que haya tenido una historia de amor en este parque seguro que no lo verá igual que alguien que haya roto una relación en él. A la primera persona, esta imagen puede que le transmita sentimientos de amor, mientras que a la segunda puede que le transmita la tristeza de aquel momento. Por lo tanto son dos interpretaciones totalmente opuestas de un mismo lugar. En este ejemplo podemos ver como nuestras interpretaciones se forman por un conjunto de interacciones de todo tipo.

Lo que debemos de tener en cuenta es que nuestra relación con cualquier imagen es de interpretación. Incluso cuando sabemos que nos dicen las imágenes. Por lo tanto, como ya hemos dicho anteriormente no hay un significado correcto, sino posibles significados correctos, siempre a la luz de una u otra mirada. Lo importante es saber construir interpretaciones que tengan sentido. Esta es una interpretación en la que está la imagen pero también estamos nosotros. Y a su vez cada imagen es ella misma y muchas cosas más, nunca por ejemplo, un simple reclamo.

Nuestra interpretación de las imágenes siempre están cargadas de subjetividades, nadie interpreta exactamente igual que otro una imagen, se puede estar de acuerdo en aspectos objetivos, pero siempre habrá diferencias en lo que nos transmite.

Las llamadas “estéticas” o “de arte”, también son mucho más que simples imágenes.

Por ejemplo, en la Edad Media se consideraba la luz como la representación de Dios, por lo tanto la Catedral de Notre Dame no significa lo mismo para los habitantes de la Edad Media que para los de nuestra época. A las gentes de la Edad Medía las vidrieras de la Catedral le transmitirían un gran respeto ya que a través de ellas es por donde penetra Dios reflejado en la luz, por lo tanto le darían un carácter más divino y místico a la escena que la que le den los de nuestra época.

Lo mismo sucede con muchas de las obras religiosas que consideramos obras de arte del Renacimiento y del Barroco. Por ejemplo La Asunción de la Virgen de Tiziano para las gentes del siglo XVI sería una obra que más que placer estético al contemplarla le produciría devoción y respeto, mientras que en la actualidad principalmente lo que se aprecia es su valor estético.

En las imágenes el autor “se proyecta”, es decir le transmite su personalidad, sus subjetividades, sus experiencias, etc., por lo tanto hay mucho más que una simple proyección del yo.

Por ejemplo en Munch influye mucho su filosofía, su forma de ser. Él nos representa “El Grito” como que la naturaleza grita por sus experiencias y circunstancias. El resultado final del “Grito” de Munch es fruto de muchas interacciones.

Muchos autores le transmiten al cuadro gran parte de su forma de ser, de sus influencias, de su carácter, de su forma de pensar, etc. Picasso ha sido uno de los autores que más ha plasmado su carácter en sus obras.

Es interesante destacar como interpreta Las Meninas de Velazquez y la representa a su manera transmitiéndole su carácter y personalidad como pintor.

De esta obra existen muchas versiones de diferentes autores, pero aun basándose todos en la obra de Velázquez, cada uno representa la escena añadiéndole a la obra rasgos de su forma de ser.

No debemos olvidar que el mundo depende tanto de lo real como de lo que no es real. Todo nos influye, hasta las imágenes que tenemos claro que son irreales nos influyen. Por ejemplo esta imagen de la noche es irreal, pero puede influir sobre nosotros de una manera u otra cuando la contemplamos.

05/03/10

Teoría

En la clase teórica de hoy comenzamos la tercera parte del núcleo dos.

En esta parte de este núcleo se nos habla de la realidad como relato y como memoria, de manera que las imágenes construyen una cierta realidad y me construyen a mí.

Con frecuencia se transita por los pensamientos como los automóviles en las autopistas, se circula por inercia, dócilmente guiados por los paneles indicadores y vallas sin ver nada

Susana Tamaro “La gran casa blanca”.

La vida esta abierta a todo, pero hay gente que ha construido nuestro camino. El imaginario también esta construido en gran mediada por los demás. Es decir otros han construido la forma en que tenemos que mirar e interpretar las imágenes.

Como bien señala Ángel Enrique Carretero Pasín:

“Las sociedades tradicionales descansaban sobre un centro simbólico único que garantizaba su identidad y cohesión, impidiendo, de este modo, su desintegración. Era obligado, entonces, que los coparticipantes en un mismo proyecto social asumieran y se identificaran en una matriz común de significación que, por otra parte, quedaba excluida de la posibilidad de reproblematización.”

“Las ideologías nacidas en el siglo XIX, constituyeron en su momento los metarrelatos sociales que dinamizaban la vida colectiva en occidente. Conformaron, desde su génesis, una diversidad de cuerpos doctrinales en torno a principios axiológicos de tipo socio-político que procuraban sólidas convicciones e imprimían un telos histórico al tejido social. Así, se erigían en los valores rectores nucleares sobre los que se articulaba la consistencia y, al mismo tiempo, la posibilidad de cambio de lo social. Más allá de las notorias divergencias de contenido doctrinal entre ellas, proponían, como denominador común, unas finalidades históricas a realizar que, como faros orientativos encauzaban el discurrir de las sociedades.”

Postmodernidad e imaginario. Una aproximación teórica. Carretero Pasín A.E.

Weber, en una interesante afirmación señala que una determinada representación de la realidad nos fija a una ubicación social. Es por esto por lo que creo que el imaginario esta construido en gran medida por los que ostentan el poder, para mantener la ubicación social de los grupos sociales.

Esto se ve reflejado por ejemplo en la imagen de la Victoria de Samotracia, la cual es una manipulación, una propaganda, pero lo consideramos una obra de arte. Esta se realizó para conmemorar la victoria en una guerra.

Era una manera de exaltar los ideales de las personas que participaban en las guerras, proporcionándoles un símbolo para la victoria. Las obras que hacían referencias a guerras han sido muy abundantes a lo largo de la historia, ya que la historia de la humanidad es una historia de violencia.

El Condotiero es otro ejemplo, ya que se representa como un héroe, de manera que la obra construye el ideal de héroe, aunque haya sido un asesino.

El ideal de héroe ha sido algo que se ha ido construyendo a lo largo de la historia, y las obras de arte han jugado un papel fundamental en la construcción de ese ideal, de manera que desde la edad antigua ya se representaba a los héroes en todo tipo de obras. Como es por ejemplo el caso del Hércules Farnesio.

“La figura de Heracles, el héroe griego, personificaba el triunfo del valor y el coraje del hombre, sobre la serie de pruebas que le habían impuesto los dioses celosos. A él, hijo de Zeus, le habían concedido el don de la inmortalidad. En el periodo clásico, se había acentuado su papel como salvador de la humanidad, pero también poseía defectos mortales como la lujuria y la avidez.”

http://es.wikipedia.org/wiki/Hercules_Farnesio

Debemos de tener en cuenta que dos interpretaciones sobre la guerra pueden ser totalmente distintas, se puede comparar las interpretaciones de los héroes y ganadores con los de las victimas o perdedores. Pero casi todas las obras de arte lo que reflejan es la visión de los ganadores.

Estas dos obras, son claros ejemplos de que a lo largo de la historia, en el arte, casi siempre se representaba al vencedor y nunca al vencido, de manera que se muestra una imagen engrandecida e idealizada del vencedor, que trata de mostrar su poder, para que su imagen pública influyese sobre sus súbditos.

“Tiziano combina los prototipos de caballero medieval y de caudillo imperial, y crea de esta manera el mejor resumen de una imagen pública tan compleja como fue la de Carlos V, quien tenía que gestionar y mantener unido un imperio transoceánico con múltiples lenguas y culturas.”

http://es.wikipedia.org/wiki/Carlos_V_a_caballo_en_M%C3%BChlberg

La guerra es susceptible de muchas interpretaciones, por ejemplo en estos carteles de la Guerra Civil Española  podemos ver como dentro de un mismo país puede haber dos interpretaciones totalmente distintas de lo que está sucediendo.

De manera que cada bando trataba de influir sobre los ciudadanos, pretendían cambiar la forma de ver lo que estaba sucediendo, influyendo de una manera u otra para que se decantasen por un bando u otro. Para conseguirlo promovían sus ideas a través de todos los medios posibles, y la imagen era uno de ellos.

Todas las obras de arte son constructoras de la realidad, de manera que el David de Miguel Ángel es una demostración de poder de la ciudad, por lo tanto esta construyendo una cierta realidad e influyendo sobre los ciudadanos y visitantes, de manera que transmita sensación de grandeza y poder a todos ellos.

En cambio, el David de Manzú representa una realidad distinta, representa el miedo, el cuerpo en peligro, es más real y menos idealizado que el David de Miguel Ángel.

Para terminar con la imagen del David aquí os dejo otra posible representación del David, que aunque no es una obra de arte, es un montaje gracioso.

Pero las imágenes no sólo representan, no sólo cuentan otras cosas, además de lo representado: también me representan a mí, me construyen, me convierten en parte de un sistema de narraciones e historias.

Por ejemplo, en cada cultura se va construyendo un modelo de mujer, por lo tanto sus representaciones son distintas en cada cultura, en cada una se representará a la mujer de un modo u otro. De esta manera se forma una idea sobre como debe ser la mujer, idea que comparte toda la sociedad o cultura. Lo que provocará que la mujer busque identificarse con esas imágenes de lo que es la mujer.

Es de esto que surgen políticas de imagen, de manera que se considera adecuado o no mostrarse de una manera u otra. Estas políticas de imagen son una construcción social, que afecta a muchas personas que se ven influenciadas por lo que dicta la sociedad ya que la mayoría de las personas se sitúan en la construcción que le transmiten las imágenes.

Este tipo de representaciones de cuerpos extremadamente delgados y que se promueven como el cuerpo perfecto, esta produciendo muchos problemas entre las adolescentes y mujeres actuales que se ven influenciadas por estas imágenes, produciendo enfermedades como la anorexia.

Este estereotipo se ve reforzado cada vez más en nuestra sociedad. Hoy en día casi todas las famosas son delgadas, las mujeres que muestran los anuncios también son delgadas, las que salen en las portadas de las revistas, las modelos, etc. Esta entonces claro cual es la moda actual, y la imagen ha jugado un papel muy importante en la imposición y transmisión de esta moda.

Vemos como las niñas juegan desde niñas con sus Barbies, sin ser conscientes de todo lo que hay detrás de la muñeca, la cual muestra una mujer delgada y que siempre va a la moda.

Lo que está claro es que el arte da una idea sobre lo que es mujer, de manera que construye una determinada visión de la mujer. Pero no todos los autores la representan igual.

Por ejemplo en la pintura de Tom Wesselmann la mujer se reduce a lengua, pechos y entrepierna. La mujer es flor, es salvaje. En esta obra que pertenece al arte pop, el autor construye una determinada visión de la mujer.

Aquí os dejo un articulo biográfico de este autor que apareció en la versión Web de El País.

“El pintor estadounidense Tom Wesselmann, famoso por sus grandes desnudos femeninos y uno de los maestros del arte pop junto a Andy Warhol y Roy Lich-tenstein, murió el 22 de diciembre en Nueva York a los 73 años. Wesselmann falleció después de una operación cardiaca en el hospital de la Universidad de Nueva York.

El pintor formó junto a Warhol y Lichtenstein un trío emblemático, del cual era el último que aún vivía. En los años sesenta el grupo buscó ser una alternativa al expresionismo abstracto y el minimalismo estadounidense.

Wesselmann nació el 23 de febrero de 1931 en Cincinnati (Ohio, EEUU) y estudió en el Hiram College desde 1949. En 1951 se matriculó en la Universidad de Cincinnati.

No se le conocía inclinación alguna hacia el arte hasta que, en 1952, fue llamado a filas con motivo de la guerra de Corea. Destinado finalmente a Fort Riley (Kansas) -donde estudió interpretación de fotografía aérea- y no a Corea, sus tiras cómicas, que al principio eran una sátira de la vida militar, empezaron a incluir temas más variados y característicos del género.

Tras abandonar el Ejército en 1954, Wesselmann reanudó sus estudios en la universidad y se licenció en Psicología en 1956, pero, decidido a dedicarse al cómic, se fue a Nueva York y amplió sus estudios artísticos en la Cooper Union School of Art and Architecture.

En sus inicios, su mayor influencia provenía del expresionista abstracto Willem de Kooning, aunque pronto se distanció y se acercó más a Matisse, Van Gogh y Modigliani. Empezó a realizar collages, recuperó la pintura figurativa e incluyó elementos de la publicidad y del cómic a sus obras. En 1961 celebró en Nueva York su primera exposición individual. Wesselmann pintó sobre todo grandes desnudos femeninos y naturalezas muertas con objetos de uso cotidiano.

El erotismo está muy presente en su obra, sobre todo en los Great American Nudes -quizá su trabajo más conocido-, enormes cuadros, cada vez más grandes, de mujeres desnudas y en su mayoría, rostros sin rasgos a excepción de la boca. Wesselmann explicaba que había “renunciado desde un principio a ponerle cara” a las mujeres de sus desnudos. “Quería que hubiera una especie de movimiento que fluyera a lo largo del cuadro, y algunas cosas, por ejemplo demasiados detalles, habrían podido frenar ese movimiento”, decía.


Mientras, en su serie de naturalezas muertas -Still life-, recreaba los productos sacados de la vida cotidiana que caracterizaron al arte pop, a los que presentaba como símbolos de la sociedad del consumo: frigoríficos, radios, cajetillas de tabaco, latas de cerveza, periódicos, helados, botellas.

A principios de la década de los sesenta empezó a incorporar objetos tridimensionales a los collages en obras como el Gran desnudo americano n° 48 o la serie de ‘Collages’ de la bañera, al tiempo que sus desnudos, al hacerse más realistas, adquirían una mayor carga erótica. En los últimos años trabajó sobre todo el metal recortado e incorporó el ordenador como herramienta.

En 1980 escribió bajo el seudónimo Slim Stealingworth una monografía sobre su obra.”

http://www.elpais.com/articulo/agenda/Tom/Wesselmann/pintor/pop/elpepigen/20050112elpepiage_8/Tes/

Pero no en todas las culturas es igual, hay culturas donde no aparece la mujer desnuda sino el hombre, por ejemplo en la Grecia antigua. La idea no es ofender es construir la realidad.

Debemos también tener en cuenta que las imágenes sirven tanto para construir el imaginario como para deconstruirlo. Por ejemplo en el arte del siglo XX una artista situaba a una mujer conduciendo cuando no era habitual para deconstruir el imaginario.

Las imágenes de-construyen el imaginario en el momento en que se muestra algo que no es habitual, cuando rompe con la norma y con lo que esta establecido como natural.

El arte da una idea sobre lo que es la mujer, pero también sobre lo que debe ser, de manera que construye una determinada visión de la mujer. Pero no en todas las culturas es igual, ni todos los autores  la representan igual.

Pero no es necesario que sean de diferentes culturas para representar de manera diferente a la mujer, dentro de una misma cultura cada autor la representara según su interpretación, lo que está claro es que la cultura jugará un papel muy importante en la formación de esa mirada sobre la mujer o sobre el hombre. Aquí os dejó algunas representaciones de mujeres por el autor africano Maguette Mbodj.

Lo que pintan los pintores es lo que flota en el ambiente de su época, es decir siempre sus obras van a estar influenciadas por el momento histórico en el que haya sido realizada. Por ejemplo lo habitual durante el Renacimiento lo habitual era realizar obras de carácter religioso, ya que en ese momento histórico el poder y el capital estaba en manos de la Iglesia.

Para comprender una obra antes tendremos que comprender el momento histórico en el que se encuadra. Por ejemplo, para una mujer del siglo XVII y XVIII lo normal es estar al servicio del hombre.

A la población se la puede controlar a través del miedo y las imágenes son las encargadas de construir ese miedo. Por ejemplo el miedo a no dar la talla.

Debemos tener en cuenta que el imaginario siempre esta presente, tanto, que incluso en la crítica esta presente el imaginario.

Es muy importante  que el maestro hable con los niños sobre las imágenes, para ello tenemos que dar lugar a que se pueda hablar de ellas en el aula. Para conseguirlo, el maestro deberá buscar imágenes que les interesen y motiven para que se analicen críticamente, con el objetivo de averiguar todo lo que hay detrás de la imagen.

También es importante que el alumno desarrolle una capacidad crítica para que pueda decidir el mismo y no dejarse influir por lo que viene impuesto. Hoy en día la sociedad nos impone como debe ser el hombre y la mujer. Por ejemplo el hombre para ser importante debe tener un buen coche o un buen cuerpo en relación con ser deportista, en cambio en las mujeres se promueve la limpieza.

Aquí os dejo un par de videos que demuestran como estos estereotipos se ven reflejados en la publicidad.

Hay construcción de la realidad en todo. Incluso según coloque las figuras también varían las cosas. Eso también es construir la realidad.

Este es el caso del pensador, la posición de la escultura es una parte fundamental de la realidad que construye, ya que es la posición de la escultura la que nos dice algo más sobre ella.

Otro ejemplo puede ser el cristo de Dalí, el cual fue muy criticado en su época porque esta visto desde arriba. La forma en la que Dalí colocó la figura causo polémica porque lo habitual era ver la imagen desde el frente o desde abajo pero nunca desde arriba.

En cuanto a la religiosidad andaluza, debemos de tener en cuenta que es una religión de tocar. La mayoría de procesiones religiosas buscan el contacto del fiel con la imagen.

La relación religiosa española es muy personal. Eso también es una realidad construida. Es por eso que podemos encontrar grandes diferencias entre la escuela castellana y la escuela andaluza.

“La austeridad castellana y la dureza de la meseta forjaron una tipología de crucificados patéticos y llagados, que exhiben en sus carnes el dramático suplicio de la pasión, y de las Vírgenes maduras transidas de dolor. Castilla pone su acento recio en las imágenes, pensando en herir con violencia a la primera impresión. Por el contrario, en Andalucía y Murcia, donde la primavera ha estallado y el aire templado perfuma el ambiente de abril, surgen Cristos apolíneos y Vírgenes adolescentes y se omite la sangre porque repugna a la sensibilidad mediterránea.”

Jesús Palomero Páramo – Historia del Arte.

La religión cristiana es muy de sentir el dolor del otro, de emociones. Y los escultores eran conscientes que la religiosidad se construye mejor con una imagen realista.

Nos convertimos en actores, por ejemplo en Semana Santa el arte es todo, tanto el Cristo, como el costalero, como el nazareno. Los costaleros son actores e imágenes a la vez, interaccionamos con las imágenes no como imágenes sino como realidades. A eso se le llama hiperrealidad.

“Hiperrealidad es un concepto en semiótica y filosofía postmoderna. El término se usa para denominar la incapacidad de la conciencia de distinguir la realidad de la fantasía, especialmente en las culturas posmodernas tecnológicamente avanzadas. Hiperrealidad es un medio para describir la forma en que la conciencia define lo que es verdaderamente “real” en un mundo donde los medios de comunicación pueden modelar y filtrar de manera radical la manera en que percibimos un evento o experiencia. Entre los expertos más famosos en hiperrealidad se incluyen Jean Baudrillard, Daniel Boorstin y Umberto Eco.”

http://es.wikipedia.org/wiki/Hiperrealidad

09/03/10

Práctica

En la clase práctica de hoy hemos comenzado a dibujar la figura humana.

Antes de empezar a dibujar hemos aprendido algunas técnicas de dibujo. El profesor nos ha dado una serie de recomendaciones, como por ejemplo, que tenemos que dibujar primero el ritmo, la forma, debemos fijarnos en la posición del cuerpo y tratar de representar las curvas. También nos advirtió que tenemos que tener en cuenta que la forma del cuerpo es distinta en el hombre y en la mujer.

Para realizar los dibujos utilizamos un lápiz blando, y nos basamos en algunos compañeros de clase que ejercieron como modelos.

Algunos de los dibujos que realicé son los siguientes.

En la clase de hoy también dibujamos la figura humana utilizando las temperas, aquí os dejo los dibujos que realicé.

A la hora de trabajar el dibujo con los niños, no debemos decirles nunca que dibujan mal, debemos ayudarles a mejorar y progresar, pero nunca “machacarlos” diciéndoles que dibujan mal.

Aprovechando un trabajo que realicé en psicología sobre la relación entre asimilación del esquema corporal y el dibujo de la figura humana en los niños, aquí os dejo algunas conclusiones que saque en el trabajo.

Trabajar el dibujo en clase es fundamental, ya que además de fomentar la creatividad y la libre expresión del niño, el dibujo nos proporciona información sobre el estado de la motricidad a nivel manual, sobre problemas de representación espacial o de integración del esquema corporal y sobre la inteligencia del niño. Nos muestra también sus problemas afectivos.

Debemos tener en cuenta que el dibujo de la persona humana ocupa el primer lugar de los dibujos libres de los niños. Abraham (1976) cita un estudia de Anastasi, según el cual el 71% de los dibujos libres realizados por niños de 41 países diferentes tiene por objeto al ser humano. Esto demuestra el interés que la figura humana tiene para el niño.

El dibujo de la persona humana es también una de las pruebas más usadas en las investigaciones sobre el esquema corporal.

Luquet (1972) señala que los dibujos de un niño muestran muchas fluctuaciones de un día a otro, y que aunque aparezca un rasgo nuevo no quiere decir que sea un elemento permanentemente presente sino que tiene que pasar tiempo hasta que esa característica quede fijada.

Ningún concepto define mejor el dibujo infantil que el concepto de realismo. El fin del dibujo es representar algo.

Para Luquet existen 3 fases del dibujo infantil:

- La primera fase del dibujo infantil es la fase del realismo fortuito. Corresponde a la época en la que el niño dibuja sólo líneas y rayas, es la época del garabato, dibuja por dibujar.

- La segunda fase la llama Luquet del realismo malogrado. En esta etapa el niño quiere ser realista, pero surgen una serie de obstáculos que le impiden serlo. Unos son de orden físico, el niño no saber dirigir y limitar sus movimientos gráficos para dar al trazo la forma deseada; otros de orden psíquico, como es el hecho de que el niño tenga una atención limitada y discontinua. De aquí que los primeros dibujos de un niño sólo reproducen un número limitado de detalles del objeto representado. Atraído por algunos detalles olvida poner otros por importantes que sean. De esta manera las relaciones entre unos detalles y otros se le escapan. Luquet llama a esta imperfección global del dibujo de esta época, incapacidad sintética. Esta incapacidad se manifiesta, sobre todo, en las proporciones. Esta incapacidad sintética va atenuándose lentamente, según su atención se va haciendo menos discontinua. El niño ya está en condiciones de pensar, mientras dibuja un detalle, en los demás y tener en cuenta sus relaciones.

- Así entra el niño en la tercera fase: “el realismo intelectual”. Para contener todos los elementos reales del objeto, incluso los que por cualquier razón no son visibles. El niño desea conscientemente reproducir el objeto representado, no sólo lo que puede verse, sino todo lo que tiene aunque no se vea. Entre los procedimiento que usa para realizar sus dibujos el niño de 6 años, están:

  • Los de separar los detalles que en la realidad se confunden o se mezclan; por ejemplo: cabellos dibujados uno a uno, separados.
  • La transparencia, que consiste en dibujar elementos que están ocultos como si fueran transparentes. Por ejemplo cuando se ve la parte de la cabeza que debería oculta el sombrero.
  • El usar varios procedimientos a la vez. Con frecuencia vemos monigotes de frente que tienen los pies de perfil.

Entre los 8 y 9 años cambia el realismo intelectual por el realismo visual (característica del adulto). Este cambio se puede apreciar cuando el niño dibuja un solo ojo en los dibujos de perfil. El niño ya suprime los detalles no visibles del objeto, abandona la transparencia, es capaz de usar correctamente la perspectiva.

Para Luquet “la imagen mental”, lo que él llama ”modelo interno” es una imagen preformada, memorizada por el niño, que puede expresarse bajo la forma de un esquema estereotipado; si el niño al principio hace dibujos de insuficiente ejecución, se debe a que no puede fijar su atención.

El niño dibuja lo que sabe, no lo que ve, dibuja sin dejarse influir totalmente por las percepciones, sino según un modelo interno.

Según Luquet la acumulación de detalles dibujados crece con la edad y constituye por tanto un índice del desarrollo mental.

Goodenough (1964) dice que el niño al realizar el dibujo esta representando su idea más que su percepción de la figura humana, por lo que realiza un trabajo intelectual.

Según Piaget y Tabary, el esquema corporal a través del dibujo se establece hasta los tres años y medio a partir de las relaciones topológicas. A este periodo corresponde “el renacuajo” (un círculo, cabeza con patas). Esta imagen va evolucionando paralelamente a la noción de espacio, la introducción de la forma y la medida lo hacen posible.

Entre los 3años y medio y los 6 años, es el comienzo de la geometría proyectiva; hacia los 5 años la geometría proyectiva le permite la comprensión de la noción de oblicuidad y puede reproducir un triángulo. El dibujo del niño es aún muy simple, la cabeza está representada por un círculo con algunos detalles en su interior, un punto indica los detalles pequeños, una línea los miembros que son largos. Las dimensiones entre las distintas partes no son correctas. Cada vez las distintas partes están mejor situadas las unas con relación a las otras. Al finalizar este periodo el niño tiene una buena representación topológica de su cuerpo, pero aún no ha introducido la forma, propia de la geometría proyectiva.

Después de los 6 años se puede observar el uso sistemático de la geometría proyectiva y topológica, introduciendo las nociones de distancia.

11/03/10

Curso libre configuración: Construcción identitaria e imagen.

En este curso tan interesante, hemos aprendido otra forma de ver la educación, una forma distinta de entender el proceso de enseñanza-aprendizaje, mostrándonos una forma innovadora de llevar a cabo la función docente. Esta forma de educación gira en torno a los proyectos. Los proyectos son una concepción global de la educación que rompe con un currículo cerrado. Estos proyectos tienen sus conexiones con cómo se aprende a leer, a escribir, a contar y a representar el mundo.

En la educación por proyectos que se nos ha mostrado, en vez de partir de un tema, se parten de preguntas. Por ejemplo, no es igual preguntar que comen los delfines, que preguntar que pasa en nuestros mares que los delfines mueren, es decir, a partir de preguntas críticas se redimensiona la mirada.

En los proyectos es imprescindible narrar para comprender, narrarnos para comprender, ya que los humanos tenemos la necesidad de narrarnos a nosotros mismos. Para narrar también podemos utilizar las metáforas visuales.

Para comprender el mundo y las personas debemos conectar con las personas, con la comunidad.

La perspectiva educativa de los proyectos de trabajo está caracterizada por:

  • Crear una narración como forma de pensamiento y de expresión del mundo.
  • Necesidad de comprender el mundo y comprender a las personas.
  • Acogida de las identidades. La clase debe ser un lugar para las subjetividades.
  • Debe tener tiempos y espacios para ser una comunidad que aprende en compañía.
  • Se basa en la participación y diálogo polifónico, es decir en una conversación cultural.
  • El contexto del aula y escuela debe ser considerado como espacio de influencia y oportunidades.
  • Se basa en un aprendizaje situado y en un currículum integrado.
  • Se basa en una evaluación de la realidad para tomar decisiones.
  • Desarrolla interrogantes que abren espacio al conocimiento.
  • Trata que tanto profesores como alumnos sean conscientes del propio proceso de aprendizaje.

Para ser buenos docentes debemos de tener en cuenta que estar alfabetizado hoy en día significa mucho más de lo que era para nuestros padres y abuelos. De manera que el profesorado se enfrenta con el desafío de enseñar a los alumnos a leer, escribir y articularse a sí mismos.

Las vidas de la gente están compuestas a lo largo del tiempo. Las historias son vividas y contadas, recontadas y revividas. Debemos ser conscientes de que la educación está entretejida con la vida y con la posibilidad de recontar nuestras historias de vida.

La razón principal para el uso de la narrativa en la investigación educativa es que los seres humanos somos organismos contadores de historias, organismos que individual y socialmente vivimos vidas relatadas. El estudio de la narrativa, por lo tanto, es el estudio de la forma en que los seres humanos experimentamos el mundo. Y es la conversación la que teje la narración.

Los maestros deben estar también presentes de sus subjetividades, ya que como voy a dejar entrar la realidad si dejo la mía fuera. Por lo tanto no debe existir una barrera entre la escuela y la realidad.

También se hace imprescindible ir construyendo “puentes” entre escuela, familias y comunidades.

Debemos tener en cuenta dónde nos sitúan las narrativas escolares. De tal modo, que el foco no esta en que dice este autor en esta lectura obligatoria, sino más bien en qué les ocurre a mis propios procesos de pensamientos.

En este modelo educativo las preguntas nos sirven de motor, nos sirven para investigar, aunque la mayoría de las veces las preguntas dan lugar a otras preguntas. Es evidente que no podemos saberlo todo.

En la segunda parte del curso nos centramos en la arte-terapia como un instrumento útil para trabajar en ambientes de riesgo, como pueden ser cárceles, barrios desfavorecidos, etc.

La arte-terapia es crear un puente habitable, un puente entre el yo y los demás o entre el yo y el yo. Es tender puentes y hacerlo con todos los lenguajes disponibles. Es utilizar todos los lenguajes para hacer comunicables ideas, sentimientos, etc.

La arte-terapia se basa en utilizar el arte como vía de sanación personal. Es una modalidad profesional dentro de la salud pública.

La arte-terapia se ha extendido a todos los ámbitos de la asistencia, convierte el arte en algo útil, al que pueden acceder todos.

12/03/10

Curso libre configuración: Construcción identitaria e imagen.

En este segundo día de curso el tema fue La imagen como generadoras de conductas e identidades.

Vivimos en una sociedad de consumo, en la que nos hemos convertido en consumidores-espectadores.

Se ha producido un cambio del concepto de identidad entre la sociedad moderna y postmoderna. Es decir, en la sociedad moderna el sujeto tiene una identidad fija, esencial y autónoma mientras que en la sociedad postmoderna el sujeto tiene una identidad móvil, construida.

Las imágenes son una parte fundamental en la construcción de identidades. Por ejemplo los dibujos animados clásicos se basan en unas identidades fijas, en las que el papel de la mujer es el de princesa rescatada por el príncipe.

Aunque en la actualidad se esta dando un retorno a la animación clásica con disfraz de modernización social.

Otro ejemplo de identidades construidas es la influencia del manga. Hoy en día vemos como muchos/as jóvenes quieren ser como los personajes de su serie o comic de manga favorito. Hasta tal punto que visten igual que ellos, se comportan igual, etc.

La televisión es también constructora de identidades, de manera que tanto los dibujos, como los videos musicales, como los telefilmes, como las series, etc. están influyendo constantemente en la formación de identidades.

En la actualidad podemos ver como el fenómeno fan aumenta día a día, de manera que se forman grupos sociales en función del fan que tengan en común. De manera que todos tendrán una identidad como grupo, compartiendo la forma de vestir y los gustos.

Todo esto forma una serie de estereotipos que tienen todo tipo de consecuencias. De manera que alguien que no consiga identificarse con la identidad que quiere tener puede tener problemas. Por ejemplo una chica que este influenciada por las chicas delgadas que aparecen en televisión seguro que al final acabara queriendo ser tan delgada como ellas, porque sino no se sentirá identificada con lo que considera normal, sin darse cuenta que eso que considera como natural no es más que una construcción social.

Pero lo mismo le puede suceder al hombre, que influenciado por las imágenes puede estar descontento consigo mismo, y generarle otra serie de problemas.

Además de todo esto, las ponentes lanzaron algunas preguntas muy interesantes sobre las imágenes, algunas de ellas fueron: ¿Las imágenes deforman la realidad?, ¿Son creadoras de conductas sociales?, ¿Existen límites éticos?, ¿Somos conscientes de la construcción de la identidad a partir de las imágenes?, ¿Existe el concepto de libertad?, ¿Son más libres los adolescentes de ahora que los de hace cien años?, ¿Cuál es el concepto de feminidad de la mujer?, ¿Quién nos impone esas pautas de pensamiento y de conducta?. Todas estas preguntas además de ser muy interesantes son de difícil respuesta, son de esas preguntas que te dan que pensar.

También tenemos que tener en cuenta que los videojuegos cada vez desempeñan un papel más relevante en la formación de identidades. Hoy en día casi todo niño juega con su videoconsola, y cada vez que lo hace se ve bombardeado por miles de imágenes de todo tipo, los nuevos juegos son tan realistas que te hacen sentir como si fueras el protagonista de una película, por eso muchos juegos por tener mucho contenido violento puede generar patrones de conducta agresivos en los niños.

Una de las conclusiones principales que se sacaron de este día fue afirmar que la imagen refuerza el estereotipo y genera conductas con una gran capacidad de persistencia. Y otra fue señalar que no hay realidad, el mundo de lo real ha sido sustituido por lo hiper- real.

Personalmente yo pienso que la influencia de algunas imágenes está anulando la personalidad de muchas personas.

Para terminar el día aprendimos algo sobre el teatro negro como herramienta educativa.

“El teatro negro es un tipo de representación escénica que se caracteriza por llevarse a cabo en un escenario negro a oscuras, con una iluminación estratégica que da lugar a un fantástico juego de luz y de sombras.”

http://es.wikipedia.org/wiki/Teatro_negro_de_Praga

La actividad fue muy divertida ya que tuvimos que realizar un breve teatro negro. En grupos nos inventamos una historia y después utilizando guantes, cartones, rotuladores fluorescentes y spray realizamos las imágenes que se iban a ver en el teatro.

Después de esta experiencia, mi opinión sobre el teatro negro es muy buena, ya que creo que puede ser una buena herramienta educativa, la cual seguro que divertirá a los niños, y les enseñara a narrar historias de otro modo. Y como señaló la profesora, también puede ser muy útil en ambientes desfavorecidos.

Por último, aquí os dejo un video que pusieron en el curso y que me pareció bastante divertido como parodian las obras de arte.

16/03/10

Práctica

En la clase práctica de hoy continuamos practicando el dibujo de la figura humana. El problema más habitual es que dibujamos primero el contorno, en cambio primero debemos dibujar la estructura.

En cuanto a mis dibujos, los primeros que realicé tenían muchas características del dibujo infantil, pero siguiendo algunos consejos intento mejorar algo.

Realmente esta actividad me costó bastante trabajo, ya que me resultó difícil dibujar a los compañeros. Mi problema principal era que no guardaba las proporciones y que me costaba bastante darle el movimiento de la postura a la figura, de manera que la mayoría de las veces parecía descompensada.

Lo primero en lo que debemos fijarnos en la postura en la que esta el cuerpo, teniendo en cuenta los puntos de inflexión del cuerpo. Después tendremos que ver el ritmo que tiene el cuerpo, la estructura que tiene el cuerpo. Tenemos que tener en cuenta que la columna es muy móvil.

A la hora de realizar el dibujo deberemos tener las diferencias entre mujer y hombre, por ejemplo, el hombre tiene la cadera más estrecha y los hombros más anchos.

Una vez que tenemos la estructura terminada podemos empezar a dar detalles, como por ejemplo, las manos que se forman a partir de un triangulo truncado. El dibujo de la cabeza se hace a partir de una bola amorfa a la cual le añadimos una careta, como si fuera una visera que baja.

Para dibujar mejor, el lápiz deberemos cogerlo más atrás porque sino no veremos lo que dibujamos. El lápiz se debe apretar lo menos posible, así no necesitaremos goma y se podrá corregir cuando se quiera. Para resaltar más las zonas oscuras deberemos marcar más el lápiz.

Por último aquí os dejo algunos artistas del lápiz.

19/03/10

Teoría

En la clase teórica de hoy continuamos con la tercera parte del núcleo dos, imágenes.

Para empezar, señalamos que el sujeto no solo “se proyecta”, no sólo transfiere… a la vez es construido por las imágenes y los otros relatos de la cultura y la sociedad. Incluso pasa a ser parte del mundo de las imágenes, se convierte él (o ella) mismo en imagen. Porque no es un sujeto “estable” sino un individuo en continuo cambio, que continuamente se reinventa… o es reinventado.

Por lo tanto somos una construcción, como las cosas que nos construyen van cambiando nosotros también vamos cambiando.

En la actualidad todo va cambiando a una velocidad de vértigo, las nuevas tecnologías avanzan sin parar permitiendo todo tipo de cosas impensables hace unos años, todos estos cambios influyen sobre nosotros y nos van cambiando. Nos adaptamos al cambio que estamos viviendo, por lo que también cambiamos nosotros, pero no sólo cambiamos pequeñas cosas, sino que cambiamos gran parte de nuestro “yo”, es decir cambia nuestra forma de ser, nuestro modo de vida, nuestra forma de vernos, nuestra forma de ver a los demás, etc.

El período cultural que nos ha tocado vivir es la postmodernidad, el cual comienza a finales de los años 60-70 y en el que uno de los cambios más importantes ha sido el desarrollo de la psicología constructivista.

Tenemos en nuestra cabeza muchos modelos de comportamientos, de manera que somos conscientes de cómo hay que comportarse en cada sitio. Por lo tanto “hay muchos yo”. Todo esto esta construido ya que desde chicos estamos viendo muchos modelos distintos de comportamiento.

Hoy en día podemos ver todo tipo de comportamientos tanto en la televisión como en la vida cotidiana. Por ejemplo este video muestra como un comportamiento que la sociedad considera inadecuado puede llamar mucho la atención, en el video se muestra como un joven se ríe en la cara de los guardia civiles en un control de alcoholemia Es tanto lo que ha llamado la atención este comportamiento, que el video tiene más de un millón de visitas.

Incluso se habla de un “yo” saturado, el cual Kenneth, J. Gergen, define en su libro El yo saturado (Dilemas de identidad en el mundo).

“En esta obra, el autor explora los profundos cambios acaecidos en los últimos tiempos con respecto al individuo como tal, así como las implicaciones que de ello se han derivado para la vida intelectual y cultural. Las tecnologías de la comunicación -en un proceso de avance permanente en nuestros días- nos obligan actualmente a relacionarnos con un número mucho mayor de individuos y de instituciones que en cualquier época pasada, y a través de una multiplicidad de formas que nos exige crearnos una concepción diferente de nosotros mismos.
En este sentido, nuestra saturación social ha llegado a ser tan intensa que hemos acabado asumiendo las personalidades y valores de aquellos con quienes nos comunicamos, con el consiguiente deterioro de nuestro sentido de la verdad objetiva.
Partiendo de una investigación muy amplia, que abarca desde la antropología hasta el psicoanálisis, la novelística o el cine, El yo saturado sondea los peligros y perspectivas que se le presentan a un mundo en el que el individuo nunca es lo que parece y la verdad radica, en cada instante, en la postura circunstancial del observador y en las relaciones entabladas en ese momento.”

http://www.libreriapaidos.com/libros/3/844931865.asp

Entonces surge una pregunta inevitable, entonces, ¿somos personas, o somos imágenes? La realidad es que actualmente nos comportamos como imágenes, funcionamos como imágenes. Dependiendo del momento soy de un modo u otro. Por ejemplo, cuando hace falta soy sexy.

En cuanto a mi participación, a veces soy espectador,  a veces actor.

Normalmente solemos pensar que lo que queda de nosotros son las imágenes, por eso muchas veces nuestra vida parece un álbum de fotos.

Las imágenes son parte del diálogo que establecemos con la realidad, mediante el que “vemos” la realidad; mediante el que llegamos a ser realidad. El sujeto actual no tiene una personalidad definitiva, sino que esta en permanente construcción.

La sexualidad es una de nuestras fronteras como imagen ya que al desnudarse se llega al límite. Tenemos que tener en cuenta que las costumbres sexuales están cambiando, de manera que aprendemos a comportarnos sexualmente.

Las redes sociales tienen mucha importancia en todo esto, ya que en ellas nos reflejamos como imágenes. En estas redes sociales constantemente estamos subiendo imágenes nuestras que elegimos nosotros para que muestren como somos, como vivimos, que hacemos, etc., por lo tanto nos estamos mostrando como imágenes a mostrar o exhibir.

La postmodernidad hace que las imágenes sean parte del dialogo que establecemos con la realidad, mediante el que “vemos” la realidad; mediante el que llegamos a ser realidad.

Por lo tanto no hay verdad, lo que existe es la construcción de la realidad. Entonces podremos “jugar sabiendo las reglas del juego”.

Hoy en día constantemente nos mostramos como simples imágenes. Como por ejemplo en los calendarios, y sobre todo en los de tipo narración, en ellos nos mostramos como simples imágenes que narran algo.

Lo que debemos tener claro es que las mismas imágenes que construimos, están influidas por otras imágenes del pasado. Por ejemplo, se suelte tener la imagen del obrero sexy, pero esa idea que tenemos sobre el obrero esta construida por imágenes del pasado. Por lo tanto se puede decir que la imagen construye el significado por si sola.

Lo mismo sucede con la imagen de enfermera sexy.

Es tanta la importancia que le damos a mostrarnos como imágenes que ahora cuando vamos de viaje o a ver algo, lo primero es la foto.

Nos hemos acostumbrado a que necesitamos las imágenes para ser conscientes de lo que pasa. En esa relación con las imágenes no sólo reacciona nuestro cerebro, no sólo se reditúa nuestra mirada: reacciona nuestro cuerpo entero, nuestro yo-todo. Las emociones nos hacen tener reacciones automáticas. La persona reacciona ante la realidad automáticamente.

A los alumnos no debemos darles una lección moral, debemos de hacerlos reflexionar.

No debemos olvidar tampoco que ningún “yo” es resistente a todo, ya que por mucha fuerza de voluntad que tenga la persona siempre se acaba cayendo. Entonces la construcción personal, no es personal porque esta influenciada por las personas.

Hasta lo más íntimo se ha convertido en imagen, y en imagen pública.

Por ejemplo, en la pornografía, independientemente de la opinión moral que nos merezca el espectador (especialmente el masculino), pasa literalmente a interaccionar corporalmente con las imágenes. Esto es muy importante, ya que no hay separación entre lo que “ve” y su cuerpo. El es parte de la acción.

Existen películas que han criticado los reality shows, en los que la persona se convierte en una simple imagen. Por ejemplo en el Show de Truman se exagera un poco el concepto de reality, de manera que toda la ciudad en la que vive Truman es parte del espectáculo.

23/03/10

Práctica

En esta clase práctica empezamos a modelar con  plastilina.

Lo primero que hicimos fue una figura humana con plastilina, cuando la terminamos entre todos vimos los errores que teníamos. Los principales problemas fueron:

  • No guardamos las proporciones.
  • Modelamos por partes.
  • Modelamos según la opción plana y eso es un error.
  • No trabajamos el volumen de la figura.

Después, durante la clase estuvimos practicando como modelar con plastilina, teniendo en cuenta que debemos trabajar la forma general y no hacerlo por partes. Se trabaja apretando y moviendo. Lo primero que tenemos que hacer es el monigote, para a partir de ahí ir dándole forma a la figura, para al final añadirle los pequeños detalles.

La plastilina que hemos utilizado es de color blanca, ya que en este color se puede apreciar mejor la figura a la hora de modelar.

Esta fue la primera figura que hice en la clase, lo que intenté fue realizar el monigote para después ir perfeccionándolo. Pero solo con verlo me doy cuenta de que tiene muchos errores de proporción, de volumen, y que la figura tiene unas articulaciones imposibles, ya que el codo y las rodillas hacen una forma que no puede ser natural.

Antes de terminar la clase el profesor nos propuso un trabajo en el cual, en grupos de tres a cinco personas, teníamos que representar una escena con plastilina aportando dos figuras cada uno.

Una vez formado el grupo, nos costo decidir una escena que le gustase a todos, pero al final decidimos escenificar el robo de un banco. Después repartimos las figuras que teníamos que hacer cada uno y empezamos a trabajar. Las figuras que me tocaron realizar, fueron dos policías, los cuales estarían apuntando al ladrón con el arma desenfundada.

Cuando comenzamos a trabajar fue cuando me di cuenta de que no es tan fácil modelar con plastilina. Al comienzo tuve muchos problemas, ya que la figura se ponía demasiado blanda y se soltaban los brazos, después cuando la dejaba en mi casa y se enfriaba, se agrietaba, pero al final poniéndole palillos pude solucionarlo. La verdad es que realizar estas figuras es algo lento y tardaba bastante en ir perfeccionándola. Pero poco a poco se iba mejorando más.

La plastilina como recurso educativo puede tener muchas utilidades, una de ellas puede ser que desarrolla la psicomotricidad fina, pero también puede ser interesante para desarrollar la creatividad, la imaginación, etc.

Además en niños de infantil y primeros cursos de primaría se puede usar para mejorar la asimilación del esquema corporal, de manera que realizando figuras humanas conocerán mejor su cuerpo.

La plastilina encuentra también un lugar destacado en las películas de animación. Esta técnica de modelado se llama Claymation, derivado de la palabra inglesa “clay” que significa arcilla

Nick Park es un promotor de su uso, que ganó dos Oscars con los cortometrajes The Wrong Trousers (1992) y A Close Shave (1995).

http://es.wikipedia.org/wiki/Plastilina

Incluso los Simpsons tienen su versión de plastilina.

También hay artistas que se dedican a modelar con plastilina, como es el caso de Carlos Jairran, el cual se dedica a crear figuras de todo tipo utilizando solo la plastilina.

Y para terminar con este día, aquí os dejo un video de un jardín hecho entero con plastilina a tamaño real que la verdad es que me ha impresionado.

26/03/10

Teoría

Antes de comenzar con la teoría del día de hoy, me gustaría contaros algo que me ha llamado bastante la atención.

Este año he ido a la romería del Rocío como todos los años, pero este año me ha sorprendido una polémica que ha surgido sobre unas imágenes que han sido tomadas a la virgen sin vestir. De manera que los almonteños irritados ante las imágenes mostradas han castigado a la camarista sin la visita de la virgen en su procesión como es tradición. Unas imágenes han dividido al pueblo y como señala ABC: “Almonte no perdona” y ganó el castigo para ambas mujeres.

Es, sin duda, la anécdota de El Rocío de 2010. Por primera vez en la historia, la Virgen del Rocío no visitó en la madrugada de este lunes, la casa de sus “camaristas” o camareras, como recoge también el diario ABC de Sevilla

“La polémica que ha provocado no es reciente. Comenzó en diciembre del pasado año, cuando aparecieron unas fotografías de la Blanca Paloma, que han irritado enormemente a los almonteños, hasta llegar a dividirlos. Nadie aclara muy bien el contenido de la instantánea, solo se conoce que se tomaron mientras la Virgen estaba aún sin vestir. Lo cual, apuntaba a las “camaristas” o camareras, que son las encargadas de esta vieja tradición, con tintes de privilegio dinástico. Aparecieron apenas unos minutos en la red social Tuenti.”

http://www.libertaddigital.com/sociedad/por-que-castigo-la-virgen-del-rocio-a-sus-camaristas-1276393599/

“Esa imagen ha dividido al pueblo hasta enrarecer la procesión como hacía años. Como cuando la Virgen le dio la espalda a Triana. Todos hablaban de la foto redicha. Foto va y foto viene. Pero nadie quería aclarar su contenido. Los almonteños se limitaban a decir que en esa imagen que ha circulado por ahí, y que todo el mundo ha visto en el pueblo, se desvelaba un aspecto de la Virgen al que sólo podían tener acceso las camaristas durante su labor de preparación de la Blanca Paloma. Pero conforme avanzó la mañana fueron desvelando todos los detalles de la historia.”

http://www.abcdesevilla.es/20100525/sevilla-andalucia-rocio/almonte-perdono-20100525.html

En esta noticia se ve claramente el poder que hoy en día tiene la imagen en nuestra sociedad, tanto es su poder que incluso puede llegar a dividir un pueblo. Como podemos ver, una imagen puede llegar a ofender a un pueblo incluso más que cualquier palabra. También es de destacar el papel de una red social en la difusión de la imagen, ya que la imagen no hubiera tenido tanto poder sin un instrumento para su difusión. La verdad es que he buscado en Internet estas polémicas imágenes pero no he encontrado nada, parece que algunas personas han hecho todo lo posible por eliminarlas de la red.

En la clase de hoy continuamos la parte tres, la cual no finalizamos el día anterior.

Hoy en día siempre hay alguien grabando cualquier cosa. Que siempre haya alguien grabando es también nuevo, la vida se ha convertido en un espectáculo, cuando sabemos que nos están grabando siempre estamos actuando.

Hoy en día casi todo el mundo tiene una videocámara, ya que su precio ha bajado muchísimo en los últimos años. También se ha extendido su uso debido a que se incorporó la cámara de video a los teléfonos móviles De esta manera la videocámara ha pasado de ser un dispositivo al alcance de muy pocos, ha ser algo asequible para todo el mundo.

“La cámara de vídeo o videocámara es un dispositivo que captura imágenes convirtiéndolas en señales eléctricas, en la mayoría de los casos a señal de vídeo, también conocida como señal de televisión. En otras palabras, una cámara de vídeo es un transductor óptico.”

http://es.wikipedia.org/wiki/C%C3%A1mara_de_v%C3%ADdeo

La consecuencia principal de este gran aumento en el uso de la videocámara es que hoy en día todo se graba, de manera que cualquiera puede ejercer de reportero, de director de cine, etc.

Ahora esta muy de moda grabar cualquier cosa y subirlo a Youtube, tanto es así que hay todo tipo de grabaciones “caseras” en esta página. Muchos son los padres que están pegados a la cámara para que sus hijos hagan alguna gracia para subirla a Internet.

También abundan en la actualidad los programas que utilizan las imágenes enviadas por los videoaficionados. Como por ejemplo Impacto total que emite videos impactantes que son enviados por videoaficionados.

Además de todos los millones de personas que graban diariamente tenemos que añadirles las cámaras de video vigilancia, cada vez más utilizadas tanto por empresas como por el Estado para controlar las ciudades y carreteras. Hoy en día siempre que vemos el cartel de zona video vigilada todos sabemos que estamos siendo grabados por cámaras de video. Si te fijas bien, estos carteles están por todas partes, los podemos encontrar en hospitales, tiendas, universidades, cines, bancos, restaurantes, etc. Se ha extendido tanto su uso que se ha tenido que desarrollar una ley orgánica para regularla.

Lo que esta claro es que hoy en día se graba y se reproduce de todo, por lo que no para de aumentar el número de videos en circulación, de manera que se hace impensable saber cuantos videos hay solo en Youtube por lo que no me puedo ni imaginar cual es el total general.

“YouTube sigue creciendo. Según el reporte oficial, alcanzó recientemente la cifra de 20 horas de video subido por minuto. Es decir, 50 días por cada hora. Y si ese número ya de por sí asusta, hay otro peor: hace dos años, la cifra era de “apenas”, seis horas por minuto.

Y todo apunta a que esta pelota de nieve no podrá ser detenida tan fácilmente: YouTube implementó un feature por el cual, una vez terminado de ver un video, se puede inmediatamente “contestar” a través de otro video, grabado directamente desde la webcam.

Siguiendo con las comparaciones, el contenido de YouTube se equipara con unas 100.000 películas por semana (a un promedio de dos horas por film) o de 19.000 partidos de fútbol por día.

Según las estadísticas, el uso del video creció un 53% del año pasado a este.”

http://culturadownload.com/2009/05/cuantos-videos-hay-en-youtube/

Como podemos ver hoy en día no podemos vivir sin la videocámara, de manera que siempre queremos tener grabados los momentos importantes de nuestra vida. Como consecuencia de esto, muchos momentos de nuestra vida se convierten en un simple espectáculo en el que se pasa a ser un actor o actriz.

Por ejemplo la boda se ha convertido en un autentico espectáculo, y el bautizo y la comunión van por el camino de serlo, sino lo son ya. En las bodas de hoy en día vemos que se contrata a un fotógrafo, a un cámara, se solicitan álbumes, imágenes de recuerdo para los invitados, videos de la boda y celebración, etc.

Existen diferentes grados en la aproximación a las imágenes. La hiperrealidad  aparece cuando el mundo de los simulacros o representaciones se sobrepone al mundo de lo real. Hace que nos relacionemos con las imágenes sin que distingamos donde empieza lo real y acaba lo ficticio.

“Hiperrealidad es un concepto en semiótica y filosofía postmoderna. El término se usa para denominar la incapacidad de la conciencia de distinguir la realidad de la fantasía, especialmente en las culturas posmodernas tecnológicamente avanzadas. Hiperrealidad es un medio para describir la forma en que la conciencia define lo que es verdaderamente “real” en un mundo donde los medios de comunicación pueden modelar y filtrar de manera radical la manera en que percibimos un evento o experiencia. Entre los expertos más famosos en hiperrealidad se incluyen Jean Baudrillard, Daniel Boorstin y Umberto Eco.

La mayoría de los aspectos de la hiperrealidad pueden pensarse como “experimentar la realidad a través de la ayuda de otro”, en tanto que ese otro es algo ajeno a mí mismo. Por ejemplo, un consumidor de pornografía empieza a vivir en un mundo irreal que es creado para él por la pornografía, y aunque ésta no es un retrato fiel de lo que es el sexo, para este consumidor la “verdad” de lo que es realmente el sexo deja de ser algo trascendente. Algunos ejemplos son más simples: por ejemplo, en el contexto de la cultura estadounidense, la imagen de la letra “M” de McDonald’s crea para el consumidor la “ilusión” de un mundo que promete cantidades infinitas de idéntica comida, cuando “en realidad” la “M” no representa nada, y la comida que se produce no es ni idéntica ni infinita.”


“El hiperrealismo es un síntoma de la cultura postmoderna. No se puede decir de la hiperrealidad que “exista” o “no exista”. Simplemente es una forma de describir la información a la que la conciencia se ve expuesta.

Se puede pensar en la mayoría de los aspectos de la hiperrealidad como “realidad a través de intermediarios”. En particular, Baudrillard sugiere que el mundo en el que vivimos ha sido reemplazado por un mundo copiado, donde buscamos nada más que estímulos simulados.”

http://es.wikipedia.org/wiki/Hiperrealidad

Por lo tanto podemos decir que nuestra relación con las imágenes es muy compleja en el mundo actual. De manera que nos podemos preguntar qué es verdad y qué es mentira.

Por ejemplo hay lugares como los parques temáticos en los que todo es falso, todo esta preparado para el espectáculo, d manera que los que trabajan en él, también lo hacen para el espectáculo.

También se puede poner como ejemplo un nazareno, el cual es una representación que muestra una realidad distinta, por lo tanto es hiperreal. Las personas creyentes se acercan a estas imágenes como si fueran reales, no ven a la imagen como una simple escultura de madera, sino como algo más, como parte de lo real.

Podríamos decir incluso que no hay nada real fuera de lo cultural. De manera que si todo es cultural, todo puede ser cambiado, puede ser de otra manera, y cada uno lo puede cambiar ya que el imaginario, puede ser transformado, cambiado y criticado por nosotros. Por lo tanto lo que queda al final es la hiperrealidad.

En el aula, la crítica y construcción de la realidad es de gran importancia. Se debe desarrollar en los alumnos una capacidad crítica que es fundamental en los tiempos que vivimos. Uno de los principales problemas de la escuela es que no es crítica. Por lo tanto los futuros maestros deberían basarse en una pedagogía crítica.

“La pedagogía crítica es una propuesta de enseñanza que intenta ayudar a los estudiantes a cuestionar además de desafiar la dominación, las creencias y prácticas que la generan. En otras palabras, es una teoría y práctica (praxis) en la que los estudiantes alcanzan una Conciencia crítica.

En esta tradición, el maestro trabaja para guiar a los estudiantes a cuestionar las teorías y las prácticas consideradas como represivas (incluyendo aquellas que se dan en la propia escuela), animando a generar respuestas liberadoras tanto a nivel individual como colectivo, las cuales ocasionen cambios en sus actuales condiciones de vida.

A menudo el estudiante inicia cuestionándose a sí mismo como miembro de un grupo o proceso social (incluyendo religión, identidad nacional, normas culturales o roles establecidos). Después de alcanzar un punto de revelación, en el que empieza a ver a su sociedad como algo profundamente imperfecto, se le alienta a compartir este conocimiento en un intento de cambiar la naturaleza opresiva de la sociedad.”

http://es.wikipedia.org/wiki/Pedagog%C3%ADa_cr%C3%ADtica

Por lo tanto en el aula debemos promover que se descubran y se critiquen las construcciones interesadas.

Hoy en día se esta produciendo un predominio de la imagen sobre lo real.

De manera que se están dando exageraciones de lo hiperreal. Incluso hay patologías de lo hiperreal. La patología surge cuando se vuelve necesario, imprescindible. Como por ejemplo cuando no se puede ir de viaje sin grabar ni hacer fotos.

“Baudrillard dice que la guerra del golfo nunca existió. No existió en el sentido de que la vimos por televisión lo que de alguna manera convierte la guerra en una hiperrealidad.


Nada de lo que nos cuentan en los informativos televisivos existe en realidad puesto que ya viene filtrado, escindido, triturado por los medios de comunicación.”


“Baudrillard cree que los medios de comunicación -sobre todo ellos- han generado cambios en la percepción acerca de la realidad, a este tipo de percepción se le ha llamado “hiperrealidad” y consiste en el desdibujamiento entre las diferencias entre la realidad fenoménica y su representación mental. Dicho de otro modo el hombre moderno se caracterizaría por poseer un defecto en la simbolización que le llevaría al “acting” (acción) “silencio se rueda” por una parte y a ser invadido por la realidad puesto que su capacidad para establecer limites entre lo real y lo imaginario han sido truncados por la repetición y exposición continua al bombardeo de los medios.”

http://carmesi.wordpress.com/2007/06/16/enfermos-de-hiperrealidad/

“El efecto de hiperrealidad es lo que aparece en el imaginario del ser humano cuando en la cotidianidad hiperacelerada, consecuencia de la fragmentación de la información, las luces de neón, etcétera, el hombre se ve sometido a una estrategia de generación de un mundo que no concuerda con el mundo concreto, sino con ideales creados para conseguir un determinado fin. Se trata pues de una ficción posible frente a una realidad imposible. Sin duda alguna, estamos en presencia de la “teoría de la relatividad”, la “energía nuclear” de la generación de realidades. Como arma política esto resulta ser la racionalización y minuciosa teorización de aquello a lo que Goebbels, en la Alemania nazi, apuntaba al decir que una mentira repetida muchas veces se vuelve verdad. El postestructuralismo filosófico, del cual Jean Baudrillard es figura estelar, deconstruyó y analizó las relaciones de poder y aquellos aspectos relacionados con la percepción, con nuestra manera, aquí y ahora, de entender las cosas y el discurso que las señala.

Estamos, en tanto individuos, inmersos en una trampa fatal; las estrategias propagandísticas de los ejes de poder han ido más allá de lo que nos hubiéramos podido figurar; a generar la hiperrealidad o aquello que damos por sentado. La apuesta más ácida de Baudrillard consistió en el señalamiento del carácter hiperreal de la Guerra del Golfo al expresar que ésta nunca había tenido lugar, que había sido hiperrealidad generada por los medios ¿quién podría decirlo o negarlo? La duda misma es el “síntoma” de que estamos existiendo en una “dimensión” no coherente con lo real.”

http://www.eluniversal.com/2010/05/12/opi_art_territorio-hiperreal_12A3875495.shtml

En cuanto a la cuarta parte de este núcleo, lo que nos dice es que vivimos en una sociedad del espectáculo. En nuestra sociedad siempre se esta buscando el espectáculo, y se intenta conseguir casi siempre llamando la atención.

“La condición de estrella del espectáculo es la especialización de la vivencia aparente, objeto de identificación con la vida aparente y sin profundidad…”

Guy Debord

Hoy en día podemos ver como lo que se busca es el espectáculo. Por ejemplo, la mayoría de programas de televisión actuales solo buscan dar el espectáculo y son capaces de cualquier cosa con tal de ofrecerlo al espectador.

El espectáculo en la televisión se ha vuelto algo fundamental. Tanto, que hoy en día mucha gente conoce más sobre los famosos que no han hecho nada importante, como por ejemplo Belén Esteban, que sobre las personas que realmente hacen cosas importantes por la humanidad, como por ejemplo un premio Nóbel.

Yo realmente no entiendo como puede interesar la vida de estos personajes a tantas personas en nuestro país, llega a ser increíble como se les dedica más espacio tanto en televisión como en Internet a estos “famosos” que no hacen nada por la vida. Lo que está claro es que esto se ha vuelto así, porque a la gente le gusta el espectáculo y no puede vivir sin el. Cada día la televisión se degrada más y cada vez hay mas programas de este tipo, llamados programas del corazón.

“Los programas del corazón, dedicados a la crónica rosa y social triunfan en la televisión española. Por mucho que los espectadores renieguen de ellos, estos programas que desgranan los secretos más (y menos) ocultos de los famosos arrasan en la pequeña pantalla y, son día tras día, semana tras semana algunos de los espacios más vistos de la televisión, cada uno con su estilo, desde los más respetuosos hasta los más ácidos”.

http://www.laguiatv.com/especiales/programas-corazon

Lo que no llego a entender es como a programas como Sálvame se le puede conceder un Ondas al mejor presentador. ¿Encima de que hacen tele basura se les premia? Mi opinión es que lo que están premiando es realmente al presentador que ha montado el mayor “circo” televisivo a costa de los demás. Lo que pienso es que después de recibir Jorge Javier el galardón, para mí los Ondas no significan nada, ya que han perdido su prestigio.

“Durante unos segundos, el silencio se apoderó del plató de ‘Salvame’, cuando se anunció que Jorge Javier Vázquez ha sido galardonado con el Premio Ondas al mejor presentador. Jorge se tiraba a la mesa, se escondía tras el atril, recibía besos, abrazos, llamadas telefónicas… Mientras intentaba conteníer las lágrimas y las ganas de gritar. Sin embargo, cuando el presentador pudo hablar y expresar su agradecimiento a todos los que le rodean, también recordó los difíciles momentos que provoca la televisión, aquellos que no se ven y que se sufren en silencio, sólo entonces, el presentador dejaba escapar alguna que otra lágrima.”

http://www.telecinco.es/salvame/detail/detail17103.shtml


Hoy en día se ha llegado a un punto en el que estos “famosos de pacotilla” llegan ha aparecer incluso en periódicos de referencia nacional. Yo de verdad que no se a que punto vamos a llegar con esto.

Aquí os dejo la noticia que salió en El País sobre Belén Esteban. No debemos olvidar que Belén Esteban se hizo famosa solo por acostarse y casarse con un torero.

http://www.elpais.com/articulo/gente/Defensor/Menor/actua/proteger/hija/Belen/Esteban/Jesulin/Ubrique/elpepugen/20090911elpepuage_5/Tes

Por lo tanto, el poder de decidir qué se emite, que “sale en la pantalla” es un poder inmenso actualmente. Tanto es su poder, que además de influir sobre todos los teleespectadores, puede influir sobre otros medios, como por ejemplo la prensa.

Por ejemplo el 11-S fue un espectáculo para manipular nuestras vidas, ya que los que cometieron el atentado sabían que las imágenes del atentado se emitirian en los canales de todo el mundo.

Pero no solo en la televisión se busca el espectáculo, también en los videos musicales se busca llamar la atención creando espectáculo, por eso muchos artistas buscan ser polémicos en muchos de sus videos para dar espectáculo a sus espectadores. Por ejemplo el video de Akon con David Guetta ha creado mucha polémica en Estados Unidos tanto por el contenido del video como por el titulo de la canción, Sexy Bitch, que en castellano significa perra sexy.

Aquí os dejo el video subtitulado en español, en el se muestra a la mujer como un objeto sexual.

En el video lo que se busca es montar un espectáculo para llamar la atención. Y en el momento en que se critico el titulo del tema y se tuvo que cambiar por Sexy Chick (chica sexy) sus visitas aumentaron muchísimo en Youtube, esto se debió a que la gente deseaba ver el video que había montado ese espectáculo, vamos, que lo querían ver por la polémica y el show que se había montado en torno al video.

Otro ejemplo puede ser el video utilizado por el Getafe para la captación de aficionados. El video habla por si solo, en el han montado un autentico espectáculo que ha levantado una gran polémica.

Incluso la imagen de uno mismo se ha vuelto un espectáculo, por ejemplo los vestidos de la cantante Lady Gaga son un espectáculo en si mismo, ya que incorpora rótulos, luces, neones, etc.

En la actualidad, la mayoría de nosotros creemos que sabemos mucho sobre algo a través de las imágenes, pero en realidad no sabemos nada sobre su historia en profundidad. Creemos que la imagen nos lo dice todo a simple vista, pero no es así.

Debemos cuestionarnos y reflexionar sobre la televisión, de manera que si lo que impone la pantalla es lo que prevalece, entonces ¿Qué modelos reciben los niños?

La verdad es que en la televisión se ve de todo, pero lo que predomina hoy en día son dibujos violentos y programas poco educativos, aún con eso, todavía existen algunos dibujos y programas que pueden merecer la pena. El problema esta en que hoy en día ni siquiera las propias televisiones respetan el horario infantil, insertando en horarios en los que los niños pueden estar perfectamente viendo la tele, programas con contenidos para mayores de dieciocho años.

Aquí os dejo un artículo de opinión muy interesante sobre este tema, titulado Basura para los menores que apareció en la edición digital de El País.

“La Asociación de Telespectadores Asociados de Catalunya ha publicado un informe muy crítico con la programación que se puede ver entre las cinco y las ocho de la tarde. Es decir, durante la franja horaria infantil de protección reforzada en la que deberían evitarse los contenidos que no son adecuados para los menores, tal como acordaron todas las cadenas en el Código de Autorregulación de Contenidos Televisivos e Infancia que firmaron en 2004. El estudio, realizado entre el 1 y el 7 de julio, se ha ocupado de 104 espacios. Su conclusión es que 69 de ellos no cumplen la norma: de los 5.393 minutos analizados, 3.932 son inadecuados para la infancia, el 73%.

Las observaciones de los expertos han sido especialmente duras con Sálvame (Tele 5), al que acusan de crueldad y sexismo, entre otras cosas, y con Tal cual verano, por su abuso del sensacionalismo. Pero no se han librado de sus dardos ni la novela Doña Bárbara (TVE), ni España directo (TVE), El diario (Antena 3) y Sé lo que hicisteis (La Sexta).

¿De qué van todos esos programas? En uno de ellos alguien cuenta que hay quien llama a la menstruación “tener un agapito” y donde se escucha la siguiente reflexión: “Si es su breva, que haga con su breva lo que quiera”. Muchos de estos espacios se limitan a juntar a tertulianos para que se tiren los trastos sobre banalidades. Otros buscan personajes singulares para que cuenten sus fantasías eróticas en la tercera edad o para mostrar cómo llegaron a la conclusión de que una joven puede quedarse embarazada con una inyección.

El desmayo de una vidente puede dar un juego insospechado. O puede darlo el que Pipi y Jimmy hayan estado a punto de pegarse. En cuanto a la fotonovela, la pasión entre Santos y Marisela tiene momentos de alto voltaje erótico. Aunque eso no sea exactamente lo mismo que convertir el acto sexual en el asunto esencial, ya sea de manera implícita o explícita, como hacen otros espacios. Hubo bulla porque un tertuliano dijo que en una fiesta privada una pareja tuvo relaciones sexuales en un coche.

De esta guisa son los contenidos que los programadores de televisión han elegido para ese horario de protección reforzada. Deberían explicar sus razones. O mejor, cumplir simplemente con el código que acordaron entre todos.

http://www.elpais.com/articulo/opinion/Basura/menores/elpepiopi/20090805elpepiopi_1/Tes

La televisión tiene un enorme poder de influencia sobre estos niños, de manera que tiene incluso mayor influencia que la escuela.

Por eso debemos reflexionar porque la escuela no tiene ninguna importancia en la influencia sobre los niños. Debemos enseñar a los alumnos, que un modelo lo debe aceptar uno mismo, no debe ser impuesto, por eso es imprescindible desarrollar la capacidad crítica. Los niños deben saber que todo lo que sale en la televisión es mentira, ya que lo que se muestra es una realidad seleccionada. Por eso para desarrollar esa capacidad crítica deberemos utilizar la pedagogía de la sospecha.

El maestro debe mostrar que también es parcial. Pero debemos tener en cuenta que todos los maestros son “productos del sistema”, por lo tanto debemos mostrar nuestra opinión, pero no imponérsela.

Pero la idea de poner la escuela como motor central del cambio de la sociedad es muy difícil, ya que no es un espectáculo.

Todo se basa en el espectáculo, de manera que lo que lleva a un político a ganar unas elecciones no es su fantástico programa electoral, sino el espectáculo que ofrece.

Por eso detrás de un político hay todo un equipo de trabajo encargado de ofrecer un buen espectáculo. El político cuenta con asesores de imagen que incluso le dicen como tiene que vestir y como debe mostrarse.

El objetivo final es conseguir el mejor espectáculo, por eso en los mítines políticos siempre esta decidido de antemano quienes son los que se van a situar detrás del atril del político, para asegurarse que lo vitoreen y que muevan las banderas del partido con mucho ímpetu. Para así mostrar solo lo que desean mostrar cuando se reproduzca en los medios de comunicación.

Un político para ganar siempre deberá entrar en el espectáculo, por lo tanto dependen del espectáculo. Podríamos decir que hacerse visible es la gran estrategia de este mundo en que vivimos.

No debemos olvidar también la influencia que ejercen los políticos sobre determinados canales de televisión, de manera que la mayoría de canales nunca son totalmente objetivos en temas de política. Las cadenas de televisión en manos de los políticos son muy peligrosas, ya que manipulan para su beneficio la realidad. Por ejemplo hoy en día podemos ver como Hugo Chávez tiene un canal propio que utiliza para sus intereses, en el cual incluso tiene su propio programa. El propio Hugo Chávez ha eliminado los otros canales que se mostraban contrarios a su política, de manera que ha eliminado la libertad de expresión en los medios.

“El presidente Hugo Chávez quiere acabar de una vez con la menguante libertad de expresión que aún existe en Venezuela. De momento, ha ordenado el cierre de 33 emisoras de radio y del Canal 7 de televisión del estado de Bolívar, por considerar que han faltado a los requisitos legales para operar.

El Gobierno bolivariano ha iniciado procedimientos administrativos a más de 240 radioemisoras. Esta medida coincide con una amplia ofensiva legal contra el canal de noticias Globovisión y otros medios críticos. La fiscal general Luisa Ortega Díaz presentó ante la Asamblea Nacional –controlada por Chávez con un 90 % de los escaños- un polémico proyecto de ley que propone que el Estado “regule el derecho a la libertad de expresión” y castigue con penas de hasta cuatro años de prisión los “delitos mediáticos”, como divulgación de informaciones “falsas” o “manipuladas”.”

http://www.lavanguardia.es/internacional/noticias/20090731/53756201042/hugo-chavez-cierra-33-emisoras-de-radio-y-un-canal-de-television-venezuela-washington-chavez-cnp-ame.html

“El espectáculo se presenta como una enorme positividad indiscutible e inaccesible. No dice más que esto: “lo que aparece es bueno, lo bueno es lo que aparece”

Guy Debord

Se hacen las cosas pensando en el posible espectáculo, sabiendo que cualquier instante puede pasar a formar parte de nuestro imaginario. Es el espectáculo continuado.

Para terminar con esta cuarta parte queda señalar que la sociedad del espectáculo, en la que vivimos, convierte cualquier suceso, por lejano que sea, en un objeto a consumir por parte del público. Cosifica toda la vida, la convierte en producto. Multiplica el conocimiento (a través de lo audiovisual fundamentalmente), pero facilita una vida que no es real.

En este día también comenzamos la parte quinta del núcleo dos, titulada Mi papel en la narración y en la construcción de la realidad.

Nuestro papel en la realidad frecuentemente es el de actores. Por eso es preciso reflexionar sobre que actuamos y por qué lo hacemos.

Por ejemplo, cualquier boda sin tener que ser extravagante, supone una sucesión de rituales y estereotipos, mucho de ellos icónicos.

Vivimos en una realidad de imagen y de narraciones en la que nosotros somos actores (performing). Lo mismo que con la boda sucede con muchos actos, celebraciones, costumbres, etc., que realizamos los seres humanos. En ellas todos actuamos de un modo u otro dependiendo de la situación en la que nos encontremos. En la vida de hoy en día casi nunca somos nosotros mismos, siempre estamos ofreciendo diferentes visiones de nuestro “yo”.

Debemos tener en cuenta que existen varios peligros del arte y las imágenes.

El primero de ellos es la naturalización. La naturalización consiste en ver como natural algo que es cultural, de manera que se produce una naturalización de lo artificial, de lo construido.

Hoy en día todas las experiencias cotidianas son vividas como naturales, es decir  pensadas como únicas e invariables, como si así tuviera que ser necesariamente y no fueran susceptibles de cambio, de modificación. Esta naturalización nos lleva a justificar nuestra forma de actuar cotidianamente en la tradición (“siempre se hizo así”), en la analogía (“todos lo hacen así”), en creencias (aprehendidas en el ámbito familiar o social), en mitos, y cuando no se encuentra explicación a algunos fenómenos, son atribuidas a causas trascendentes o “mágicas”.

Por la naturalización los hombres consideran sus acciones y creencias como naturales.

Si percibimos el fenómeno de naturalización, significa que distinguimos lo natural de lo social y que podemos, superando esa actitud conformista,  analizar esa cotidianidad e introducirnos en el conocimiento científico de lo social.

En cada cultura se han producido diferentes naturalizaciones, por ejemplo, en los países islámicos integristas, la mujer es considerada un ser inferior al hombre.

Los alumnos deben aprender a deconstruir la naturalización. Ya que la mayoría de las naturalizaciones llevan detrás una argumentación de poder, intereses comerciales, intereses políticos, intereses religiosos, etc.

A lo largo de la historia muchos han sido los Estados que han intentado naturalizar sus creencias, por ejemplo Hitler a través de la propaganda trataba de naturalizar la superioridad del hombre blanco sobre el de raza negra. Además de la propaganda también trataba de naturalizar sus creencias a través de películas como “Olimpia”, que ha simple vista muestra lo maravilloso que es el deporte, pero detrás de ese tema tan simple se esconde la defensa de la raza aria como raza superior.

“Olympia fue un proyecto enorme: Narrar otro enorme proyecto, como es una Olimpíada. Dedicado al Barón Pierre de Coubertain, se divide en dos partes, Olimpíada y Juventud olímpica.
La primera, tras un impresionante prólogo entre las ruinas de la antigüedad, pasando por medio de un fundido de la efigie del discóbolo al atleta de carne y hueso y la posterior secuencia con la antorcha olímpica, se centra en la ceremonia inaugural y las pruebas más típicamente de atletismo.”

http://mail.taringa.net/posts/tv-peliculas-series/1108296/Leni-Riefenstahl—Olympia:-Olimpiada-y-Juventud-Olimpica.html

Lo que debemos de tener claro es que cada  uno reconstruye a su manera, y es ahí donde esta la libertad.

06/04/10

Práctica

En la práctica de hoy continuamos trabajando con la plastilina. Entre todo el grupo estuvimos preparando la escena y haciendo un decorado para las figuras. Decidimos hacer un banco en cartón para situar las figuras fuera y dentro.

Durante esta clase, el profesor nos advirtió que cuando nos fuese a poner la nota antes deberíamos autoevaluarnos, ya que un maestro debe saber evaluar. Y para saber evaluar debe saber también evaluarse a si mismo. De manera que sepamos identificar nuestros errores para así poder mejorar.

En cuanto a las figuras, muchas de ellas las tuvimos que retocar porque el profesor nos dijo que no tenían movimiento. Por lo tanto las retocamos intentado darle diversidad y movimiento a la escena. Otros problemas que detectó el profesor en nuestras figuras fueron problemas de proporcionalidad, de volumen y de detalle. Por lo tanto deberemos trabajar mejor los detalle, mantener las proporciones, y darle volumen a la figura. Para mejorar el trabajo del volumen, José Pedro nos aconsejo meter más volumen del que parece que tiene la figura, ya que casi siempre nos quedamos cortos.

Aquí os dejo algunas fotografías de mis figuras.

La verdad que el cambio con las primeras figuras que realicé es radical, pero aun así tiene muchos fallos de proporcionalidad, así que trataré de mejorarla más. Me he dado cuenta de lo que se tarda en dar detalles a la figura, y también lo delicadas que son, ya que se deforman rápidamente.

13/04/10

Práctica

En la clase práctica de hoy, el profesor estuvo explicando como podemos realizar un esténcil de nuestro rostro. Para realizarlo podemos hacerlo en un fondo blanco o negro, y podemos hacerlo de muy diferentes maneras.

En el power point que el profesor nos mostró aparecían diferentes formas de hacer un esténcil. En la presentación aparecían esténciles con efectos de fondo, otros que utilizaban tres tonos, otros que estaban pintados con temperas, otros en spray, etc.

El estarcido, también llamado esténcil (del inglés stencil) es una técnica artística de decoración en que una plantilla con un dibujo recortado es usada para aplicar pintura, lanzándola a través de dicho recorte, obteniéndose un dibujo con esa forma.

Una de las formas más usuales de hacerlo es recortando la imagen deseada sobre una hoja de papel duro; el dibujo aparece como un espacio abierto con zonas sólidas alrededor. La plantilla así obtenida se sitúa sobre una nueva hoja de papel y se aplica la pintura sobre toda la superficie. Las zonas de pintura que llegan a la hoja inferior quedan limitadas a la forma de los huecos de la plantilla, creando así la imagen deseada.

Si bien el proceso de estarcido se utilizaba ya en la antigua Roma, alcanzó el mayor grado de popularidad en Estados Unidos durante los años sesenta, cuando muchos artistas utilizaban como medio de expresión los colores puros y las imágenes de contornos marcados.

El estarcido más antiguo que se conoce se encuentra en la Cueva de las Manos (en la Patagonia argentina). El estarcido se ha venido usando desde la antigüedad para duplicar los diseños decorativos en paredes, techos y tejidos. Era muy corriente en China y Japón para marcar los embalajes con sellos y caligrafía. Este sistema se ha empleado también para colorear grabado a fibra, grabado al aguafuerte o grabados, utilizando diferentes plantillas para los distintos colores.

Otros trabajos de esta técnica se han visto últimamente en países como México, Brasil, EE. UU., España entre otros países en donde se practica el street art.

Los artistas más destacados son Banksy, Shepard Fairey, Blek le Rat.”

http://es.wikipedia.org/wiki/Estarcido

Este trabajo me parece bastante interesante, ya que no conocía nada sobre esta técnica y me han sorprendido bastante los resultados que se pueden obtener. También puede ser interesante realizar trabajos de este tipo en la escuela para alumnos de los ciclos superiores utilizando temperas, rotuladores, etc. Pero en secundaria también podría ser interesante trabajar con el spray para realizar esténciles, ya que el spray siempre llama mucho la atención de los jóvenes, los cuales lo relacionan con los graffiti  que normalmente se ven en la calle. Pero no solo podemos representar el rostro, con un esténcil podemos representar lo que queramos.

Aquí os dejo algunos esténciles que he encontrado por Internet.

Para terminar aquí os dejo unos videos que nos muestran formas de hacer un stencil.

16/04/10

En la clase teórica de hoy continuamos viendo algunos peligros del arte y las imágenes. En la anterior clase nos centramos en la naturalización, en cambio en esta clase vamos a ver otros peligros del arte y las imágenes.

Uno de los principales problemas que encontramos al observar algunas imágenes u obras de arte es que no somos conscientes muchas veces de que estas imágenes contienen ideologías y contenidos no evidentes.

Es decir, muchas imágenes contienen mensajes que no percibimos a simple vista, pero analizando la imagen podemos descubrir que está tratando de influir sobre nosotros, tratando de transmitir ideologías por ejemplo políticas.

Pero no solo transmiten ideologías, también pueden contener los llamados mensajes subliminales de los que ya hablamos anteriormente. Por todo esto es muy importante que analicemos críticamente las imágenes para descubrir que hay detrás de ellas y que es lo que nos quieren imponer.

Otro peligro es que solemos tender a la estétización simplista de las obras de arte.

Esto consiste en una estetización generalizada de la experiencia. Según Bubner ese proceso de estetización generalizada de la experiencia deja por completo desahuciada, sin rasgos distintivos propios y en última instancia sin función social efectiva alguna, a la misma experiencia de lo estético, de la obra de arte, toda vez que para él, la obra de arte ha alcanzado definitivamente su ocaso: en este ocaso la función de exoneración característica de la obra de artepasa de la constelación de la obra producida a la nebulosa pulverizada de las actitudes y de las condiciones de lo cotidiano, ellas mismas primariamente estéticas y exonerantes  frente a la incontrolable complejidad del mundo de la técnica.

http://aleph-arts.org/pens/estetiz.html

Entonces, si en efecto la forma general de la experiencia se hubiera estetizado por completo, ¿qué sentido o qué función en las sociedades contemporáneas podría quedarle a lo artístico, a la propia experiencia estética?

Bajo esta perspectiva la estetización global de los mundos de vida contemporáneos hace que lo artístico pierda su lugar propio. De tal manera que ocurre con lo artístico aquello que un tiempo se decía a propósito del sexo o de lo político: que está ya en todas partes. Si la forma generalizada de la experiencia está caracterizada estéticamente, en efecto, el hombre contemporáneo está condenado a experimentar su misma vida cotidiana en términos puramente ficcionales y estéticos, entonces el lugar y la función del arte y su experiencia se habría desvanecido, disuelto en el total completo de las formas en que el hombre experimenta su existir.

Por eso debemos evitar ver las obras de arte como simplemente algo estético, sino que hay que ver más allá de su valor estético.

Hay otro peligro muy común en las imágenes que es el emotivismo.

A la hora de crear y mostrar imágenes siempre se tiene muy en cuenta que hay una parte del cerebro que controla las emociones, por lo tanto los que trabajan habitualmente con las imágenes son conscientes de que nos comportamos en función de diferentes paquetes de actuaciones programadas. De tal modo que estas actuaciones programadas actúan como emociones.

En este video se puede comprobar la emotividad que tienen muchas de las escenas de la pélicula La lista de Schindler.

Primitivamente esas actuaciones programadas eran de supervivencia pero ahora se han convertido en emociones que se rigen por una serie de patrones de conducta.

Por lo tanto las imágenes juegan con nuestras emociones, nos transmiten un mensaje emotivo, no racional

Por ejemplo la imagen que anuncia la película de mar adentro juega con nuestras emociones de tal modo que nos muestra a una persona tetrapléjica que desea morir porque lleva postrada en una cama durante mucho tiempo. Esta imagen seguro que transmitirá a las personas una serie de emociones, como por ejemplo la tristeza.

Otro problema que surge de las imágenes, es la aceptación de estereotipos creados y difundidos interesadamente. Es decir tanto las obras de arte como las imágenes de cualquier tipo acaban imponiendo estereotipos. Por ejemplo, las muñecas barbie están transmitiendo el estereotipo de lo que debe ser la mujer, mostrando una mujer delgada e idealizada que solo puede desempeñar determinados puestos de trabajo.

Pero no solo estas muñecas imponen estereotipos, por ejemplo en las bratz se está construyendo el estereotipo de que la mujer debe ser ante todo sexy.

Pero también los muñecos pueden transmitir estereotipos.

En este caso he puesto el ejemplo de las muñecas, pero esa transmisión de estereotipos se transmite a través de toda clase de medios, como revistas, películas, televisión, etc.

Por ejemplo muchas revistas como el Superpop, Ragazza, Elle, etc., están construyendo la imagen de la mujer, ya que lo que muestran influye en muchas mujeres que las leen habitualmente. Por lo tanto están generando una serie de patrones de conducta en las mujeres, ya que tanto sus imágenes como el texto que incluyen dictan lo que es y lo que no es normal para una mujer.

También las películas construyen estos estereotipos, por ejemplo en la película Titanic, la imagen que se nos muestra es la de un amor idealizado. Muchas de las escenas están construyendo un estereotipo sobre lo que es el amor. Por ejemplo cuando hacen el amor en el coche se está transmitiendo un estereotipo sobre lo que es el amor y el sexo, de tal manera que están construyendo nuestra forma de ver el amor y el sexo.

Lo que comparten todos estos medios es que la imagen que se da es la mujer como objeto, como esclava, como mujer sexy, como mujer sumisa al hombre, etc. De manera que esta imagen de la mujer se vuelve natural mientras que lo extraño es lo que habla de lo contrario.

Aquí os dejo esta parodia que han hecho de este video, es bastante graciosa. Pero lo que debemos plantearnos es por qué, generalmente, es solo la mujer la que aparece en los videos de esta manera.

Esta es una característica de la sociedad capitalista en la que vivimos, en la cual ya no se necesitan imponer estos estereotipos por la fuerza, sino que ya lo imponemos nosotros mismos sin ser conscientes muchas veces de ello.

Otro problema es la intelectualización. La intelectualización consiste en solo ver la técnica, el color, la forma, etc., es decir consiste en ver solo los aspectos estéticos de las imágenes.

Es fundamental que dejemos de verlo así y lo veamos de una manera más crítica, debemos ver que hay detrás de esa imagen, de esa manera no la intelectualizamos. Debemos centrarnos en qué es lo que las imágenes nos están contando más que en cuál es su estética.

La intelectualización nos oculta lo que estamos viendo. Además de lo estético hay que ver qué es lo que nos dice. Por ejemplo la imagen del Pantocrator lo que nos dice es que Dios es inadmisible.

La intelectualización de las imágenes es un problema bastante reciente, ya que las personas de otras épocas, como no veían muchas imágenes, no las intelectualizaban.

Indudablemente, en un mundo sistémico en que yo soy inseparable de la cultura, la sociedad, los otros, etc., uno de los peligros es ser inventado por los otros o por las circunstancias y dejar de existir como individuo-sujeto irreductible.

Debemos de tener en cuenta que el ser humano es un lugar inestable entre el imprinting socio-cultural, el determinismo biológico, el determinismo histórico, la individualidad, la voluntad, el deseo, etc. Y ese lugar no siempre lo determina cada uno: la narración no siempre la dicta cada cual. La sociedad nos define constantemente.

El peligro es que las imágenes nos construyan sin darnos cuenta, que nos dejen como un barco a la deriva, por lo tanto como ya hemos dicho durante todo el blog es fundamental desarrollar una capacidad crítica y reconocer que soy un lugar inestable.

Lo  que está claro es que el ser humano depende de donde vive y el momento que le ha tocado vivir, también está claro que el determinismo biológico también influye. Por ejemplo si nos falta una pierna seremos de una manera distinta a si la tuviésemos.

Muchas de las narraciones nos vienen impuestas del pasado, de tal modo que el determinismo histórico viene fijado por muchas instituciones que tienen el poder, como por ejemplo la Iglesia.

Como futuros maestros debemos de tener esto en cuenta y ayudar a los niños a construirse de la mejor manera posible. Para ello debemos ayudarles a construir sus propias narraciones

“Se trata en suma de ir más allá del “qué” y comenzar a plantearse los “porqués” de esas representaciones, lo que las ha hecho posibles, aquello que muestran y lo que excluyen, los valores que consagran…”

Hernández, 2000:43

“La imagen está constituida por un entramado de signos codificados que proponen una lectura plural. La lectura no se agota en lo que muestra la imagen, en lo puramente denotado, si así fuera, no podríamos introducir una dimensión crítica en la recepción pasiva de los mensajes. Detrás de lo aparente, hay un inventario de sistemas de connotación, una serie de elementos que se ponen en relación formal y que, en último término definen la naturaleza de los mensajes. En conjunto, estos significantes que no se muestran directamente integran lo que denominamos retórica de la imagen.”

El poder de la imagen.

En la escuela se debe empezar a trabajar de un modo distinto. En la escuela debemos de tratar que los alumnos hablen de sus vidas para que tengan una visión crítica.

Debemos mirar más allá de las apariencias y de los relatos hechos, cuestionar, cuestionarse. A los niños ahí que enseñarles a ver que hay detrás de las imágenes, hay que plantearles preguntas que despierten su curiosidad e interés, como por ejemplo ¿por qué existen los cuadros?, ¿por qué se pintó así?, etc.

Por lo tanto es imprescindible apropiarse del discurso sobre las imágenes y la realidad. Se trata de disminuir el automatismo de mis creencias, actitudes y  comportamientos, cuestionar y denunciar las naturalizaciones, no ad-mirar, sino mirar para ver y comprender y comprendernos. Tenemos que  ser conscientes de que podemos elegir, que somos libres de decidir a dónde dirigimos nuestra mirada. Debemos tomar el timón, construir nuestra propia historia, ser capaces de narrar, ser capaces de ser el narrador, de construir una mirada propia.

Aquí os dejo un video en el que un joven narra su propia historia.

A esa capacidad de reflexión se le llama un conocimiento de segundo orden o metacogniciones. Por ejemplo, si a mí me gusta mucho la Semana Santa, la intento analizar, pero desde fuera, desde otra perspectiva. Es decir intentó dejar de lado mis creencias y mi “mirada” hacia la Semana Santa para poder analizarla críticamente, intentando no caer en la naturalización de las imágenes. Se trata de no ser automático en lo que creo y de ver la Semana Santa de otra manera.

En ese sentido lo mejor no es una aproximación cultista, ni elitista, ni especialista, que son aproximaciones de poder, de deseo de dominio, que ignoran lo sistémico de la imagen. Porque esa aproximación “monofocal” no analiza dónde me sitúan las imágenes, dónde queda el mundo, a quién sirve la realidad, como cambia si cambia mi mirada, etc.

En el aula se deben trabajar temas que les interesen a los niños, por ejemplo si a las niñas le gustan las princesas, podemos hablar de ellas en clase, pero lo que debe hacer el maestro es no criticar directamente a las princesas, sino abrir la mente a los niños para que puedan saber que hay detrás.

Se trata de formar una “mirada” crítica, para formar ideas nuevas en ellos. Yo diría incluso que hay que aprender a desaprender todo aquello que nos viene impuesto, para ser consciente que no todo lo que se ve es realidad ni que todo lo que se escucha es la verdad. Hay que formar ideas propias y no dejarse “programar”. Para ello nuestra mejor herramienta es pensar y actuar. Yo creo que en esta sociedad en la que vivimos hace falta más que nunca ideas nuevas, no debemos dejar que la costumbre nos encierre. Pero para formar esas ideas nuevas en los alumnos hay que darles la posibilidad de construir su propia historia, hay que dejarles que cuenten las cosas desde su punto de vista.

Nunca hay que olvidar que los niños no son vasos vacios, sino que detrás está su familia, sus amigos, lo que vive, etc.

Como ya he dicho en otras ocasiones durante el blog, es fundamental que los alumnos conversen en clase, deben saber que su voz es respetada, debemos dejar al alumno que diga lo que quiera siempre que lo haga de manera razonada y con fundamento.

Por todo lo dicho anteriormente queda clara la importancia de tomar la voz en mi narración. Como bien señala Douglas Coupland, o nuestras vidas se convierten en historias, o no hay modo de que podamos vivirlas. Nosotros, tenemos la desventaja de que hemos estudiado en una escuela en la que nos han dicho que es lo que tenemos que hacer.

Debemos formar nuestra propia historia y no dejarnos llevar por los estereotipos.

Existen muchas películas que narran historias propias muy interesantes, como por ejemplo “El club de los poetas muertos”, “Tierra de ángeles”, “Cleopatra”, “Mona Lisa smile”, etc.


Películas como Mona Lisa smile o la sonrisa de Mona Lisa, nos enseñan a problematizar lo que estamos viendo.

Aquí os dejo la sinopsis de esta interesante película.

“Katherine Watson (Julia Roberts) viaja desde California al campus de la Universidad de We-llesley en Nueva Inglaterra en otoño de 1953 para enseñar Historia del Arte. En la era de postguerra, Katherine espera que sus estu-diantes, las mejores y las más brillantes del país, aprovechen las oportunidades que se les presentan. Sin embargo, poco después de su llegada, Katherine descubre que el entorno de la prestigiosa institución está estancado en la conformidad. Según su profesora de etiqueta, Nancy Abbey (Marcia Gay Harden), un anillo de com-promiso en el dedo de una joven está considerado un premio mayor que una buena educación. Cuando Katherine anima a sus alumnas a pensar por sí mismas, se enfrenta con las facciones más con-servadoras del profesorado y del alumnado, incluida una de sus es-tudiantes, la superficial Betty Warren (Kirsten Dunst). La recién ca-sada Betty se convierte en una formidable adversaria cuando Ka-therine convence a su mejor amiga, Joan Brandwyn (Julia Stiles), para solicitar su ingreso en la Escuela de Derecho de Yale, incluso aunque esté esperando la propuesta de matrimonio de su novio. Para la elegante y provocativa Giselle Levy (Maggie Gyllenhaal), Katherine se convierte en mentora y modelo de comportamiento. De su ejemplo, la dulce y tímida Connie Baker (Ginnifer Goodwin) también adquiere valor y consigue la suficiente confianza para su-perar sus inseguridades. A través de los intentos de sus estudian-tes para encontrar su propio camino, Katherine también aprende una lección diferente para ella misma.”

http://www.labutaca.net/films/21/monalisasmile.htm

El pensamiento artístico real es una maravilla. Es un pensamiento investigativo, divergente, creativo, preñado de curiosidad y de amor por todo… Este tipo de pensamiento construye otras cosas, coge algo y construye historias diferentes. Nos sitúa ante los grandes temas, problemas y dilemas.

En este pensamiento artístico el arte no representa, sino que revela, hace visible. Y las imágenes consideradas como arte son entre otras cosas: una invitación a conocer y ser más, un lugar de encuentro y autoencuentro, un catalizador de emociones, vivencias, reflexiones, deseos…

Todo esto ocurre en el tiempo: es la construcción de un relato (nuestra relidad) en el que vamos dando pasos en uno u otro sentido. El arte nos da la oportunidad de tener la voz, de poseer la construcción de nuestra historia, es una oportunidad de ser, de ser más.

Un niño que nace no es una pizarra limpia sobre la que se puede escribir cualquier cosa, sino una tela en la que alguien ha trazado ya la trama de un bordado: ¿recorrerá ese camino marcado por otros o escogerá uno diferente? ¿Continuará calcando el surco trazado o tendrá el valor de salirse de él? ¿Por qué uno rompe la urdimbre y otro la completa con ciega diligencia?

Susanna Tamaro “Escucha mi voz” (2007)

Antes de terminar este núcleo tan extenso, es interesante plantearnos por qué y para qué existen las imágenes. Yo pienso que las imágenes juegan un papel muy importante en nuestra sociedad, y que su uso más habitual es para representar, transmitir, expresar o conocer algo. Lo que si tengo claro es que la imagen se ha utilizado con diversos fines a lo largo de la historia, también tengo claro que puede ser un excelente instrumento de poder.

Las imágenes pueden servir para muchas cosas, nos pueden servir para representar la realidad, para conocer cosas que no hemos visto, para expresar sentimientos y emociones, para recordar, para comprender la realidad y relacionar cosas entre sí, para comunicarnos, para convencer, para informar, para hacernos una idea del mundo, para representar lo inexistente, para distorsionar la realidad, para crear expectación, para anunciar, etc.

“La segunda mitad del siglo XX ha impuesto lo que se ha dado en llamar <<civilización de la imagen>> y que, para ser más precisos, debiera denominarse <<era del simulacro>>, de la representación. Porque el devorador consumo de imágenes que el hombre realiza se manifiesta como un sistema coactivo, regido por leyes específicas, y que cristaliza en una forma de ver y entender el mundo, que influye decisivamente en la vida de los hombres. “

“Las imágenes del entorno espacial y temporal cotidianos son difundidas por los medios de comunicación de masas (los mass-media) de la fotografía a la prensa, del cine a la televisión, del video al  ordenador, y se integran en una utilización racional y pragmática, una verdadera economía general de los signos, que informan el universo socio-cultural.”

“Como si de una magia de aprehensión se tratara y, al igual que el hombre del paleolítico creía dominar el objeto representado en sus pinturas o captar sus cualidades, el contemporáneo acumula imágenes de lo que es y de lo que no es, de lo deseado y lo inalcanzable”

El poder de la imagen

En esta clase de hoy para terminar con el núcleo dos, dimos también la presentación que nos explica la historia de las imágenes.

Para empezar debemos de tener en cuenta que hasta hace algo más de un siglo, las imágenes eran bienes relativamente escasos que se utilizaban con fines precisos. Cuando se empezaron a crear las primeras imágenes, en la prehistoria, casi todas ellas eran de culto o de poder.

Hasta el siglo XVIII, en general había pocas imágenes excepto en algunas grandes ciudades. Durante esta época, salvo en las iglesias o en las celebraciones, la gente corriente apenas tenía acceso a ellas.

En cuanto a las técnicas que existían para crear imágenes eran totalmente artesanales y normalmente sólo permitían crear una sólo imagen de cada vez. Se utilizaban también plantillas, grabados, etc., que permitían realizar bastantes copias de una misma imagen. Pero de todas maneras, eran procesos artesanales y muy lentos. Esas técnicas de reproducción eran las que se usaban en los grabados, la cerámica, etc.

La invención de la imprenta en el siglo XV lo cambia todo. Los libros se convierten en objetos asequibles y en los libros aparecerán cada vez más imágenes, realizadas normalmente con técnicas de grabado aun muy lentas. Por lo tanto con la imprenta aumenta el número de libros en circulación aunque la mayoría de la población en esa época no sabía leer.

“Hasta 1449 y años anteriores, los libros eran difundidos a través de las copias manuscritas de monjes y frailes dedicados exclusivamente al rezo y a la réplica de ejemplares por encargo del propio clero o de reyes y nobles. A pesar de lo que se cree, no todos los monjes copistas sabían leer y escribir. Realizaban la función de copistas, imitadores de signos que en muchas ocasiones no entendían, lo cual era fundamental para copiar libros prohibidos que hablasen de medicina interna o de sexo. Las ilustraciones y las mayúsculas eran producto decorativo y artístico del propio copista, que decoraba cada ejemplar que realizaba según su gusto o visión. Cada uno de sus trabajos podía requerir hasta diez años.


La imprenta fue inventada por los chinos siglos antes, pero en la Alta Edad Media se utilizaba en Europa para publicar panfletos publicitarios o políticos, etiquetas y trabajos de pocas hojas. Para ello se trabajaba el texto en hueco sobre una tablilla de madera, incluyendo los dibujos —un duro trabajo de artesanos—. Una vez confeccionada, se acoplaba a una mesa de trabajo, también de madera, y se impregnaban de tinta negra, roja o azul (sólo existían esos colores), después se aplicaba el papel y con rodillo se fijaba la tinta. El desgaste de la madera era considerable, por lo que no se podían hacer muchas copias con el mismo molde. A este tipo de impresión se le llama xilografía.”

http://es.wikipedia.org/wiki/Johannes_Gutenberg

Las procesiones de las imágenes religiosas es un invento de la Edad Media, su objetivo era sacar la imagen a la calle para que todos pudieran tener contacto con ellas, ya que las imágenes eran muy escasas, por lo que no podemos ni imaginarnos lo que esto suponía para nuestros antepasados, que vivirían ese momento como una autentica experiencia. Las procesiones eran muy importantes porque era la única vez que las imágenes salían a la calle.

No es hasta el siglo XIX cuando se extienden las imágenes, entonces se produce un cambio hacia la sociedad del espectáculo, en la cual predomina la revolución tecnológica y de los medios de comunicación. Durante el siglo XIX todo se llena de imágenes ya que el Estado intenta culturalizar así a sus ciudadanos.

El primer gran cambio en la difusión de las imágenes fue la invención de sistemas de impresión modernos, que permitían hacer muchas copias con más facilidad. Sistemas como la litografía, la serigrafía, etc.

“La litografía es un procedimiento de impresión descubierta en el año 1796, hoy casi en desuso salvo para la obtención y duplicación de obras artísticas. Su creador fue Aloys Senefelder (6 de noviembre de 1771 praga. – 26 de febrero de 1834 múnich.), de origen alemán. Etimológicamente la palabra litografía viene de los términos griegos lithos piedra y graphe dibujo.”

http://es.wikipedia.org/wiki/Litografia

La perfección de estos sistemas de impresión posibilita la aparición de carteles, publicidad, etc. en grandes cantidades. Hasta entonces todos los carteles tenían que ser realizados a mano.

Pero el gran cambio en la producción de imágenes fueron los medios fotográficos y sus derivados. Con la llegada de la fotografía se revoluciona por completo el concepto de imagen. La historia de la fotografía comienza en 1816 cuando el científico francés Nicephore Niepce obtiene las primeras imágenes fotográficas.

En 1839 Louis Daguerre descubre un proceso más sencillo para la obtención de fotografías basado en la plata denominado daguerrotipo. Este proceso resolvía algunos problemas técnicos del procedimiento de Niepce y reducía los tiempos necesarios de exposición. Durante bastantes años, el daguerrotipo es la técnica más popular, era particularmente útil para los retratos, costumbre común entre la clase media burguesa: gracias a la enorme demanda de estos retratos, mucho más baratos que los pintados, la fotografía fue impulsada enormemente.

“El daguerrotipo o “daguerreotipo”, fue el primer procedimiento fotográfico anunciado y difundido oficialmente en el año 1839. Fue desarrollado y perfeccionado por Louis Daguerre a partir de las experiencias previas inéditas de Joseph-Nicéphore Niépce y dado a conocer en París, en la Academia de las Ciencias francesa.”

http://es.wikipedia.org/wiki/Daguerrotipo

Incluso se hacían daguerrotipos coloreados a mano.

En pocos decenios, el mundo se llenará de fotografías. Se pasa así de un mundo de pocas imágenes (muy caras) a un mundo de muchas imágenes a precio asequible.

Como consecuencia, la fotografía, empezará muy pronto a ser el testigo de la historia y la memoria de todos. Es una revolución muy importante ya que permite conservar la historia.

Aquí os dejo la cronología de la historia de la fotografía.

  • 1521 La primera publicación sobre la cámara oscura es la de Cesare Cesariano, un alumno de Leonardo durante el Renacimiento. Por su parte, el científico Georgius Fabricus experimentaba ya con las sales de plata, notando algunas de sus propiedades fotosensibles.
  • 1558, Giovanni Battista della Porta por sus publicaciones sobre la cámara oscura se hizo popular entre los pintores de la época. Gerolamo Cardano sugiere una importante mejora: un lente en la apertura de la cámara.

  • 1600, durante el siglo XVII, la cámara que hasta ese momento era una habitación como tal se transforma en un instrumento portátil de madera. Johann Zahn transformó esa caja en un instrumento parecido a lo usado en los principios de la fotografía. En este siglo los científicos continuaban experimentando con sales de plata, notando cómo se oscurecían con la acción del aire y del Sol, sin saber que era la luz la que les hacía reaccionar, hasta que científicos como el sueco Carl Wilhelm Scheele y el suizo Jean Senebier revelaron que las sales reaccionaban con la acción de la luz.
  • 1685, de acuerdo a tratados publicados por Zahn ya la cámara estaba lista para la fotografía, pero tuvieron que pasar 130 años más para que pudiera dar los primeros frutos concretos, aún los químicos no estaban listos.
  • 1777, el sueco Carl Wilhelm Scheele publica su tratado sobre las sales de plata y la acción de la luz en latín y alemán, en 1780 en inglés y un año más tarde en francés. En el estilo de las pinturas de artistas exitosos de este siglo como Canaletto parece evidente el uso de esta poderosa herramienta, la cámara oscura. Una cámara de este tipo que tiene grabado el nombre de Canaletto, se preserva en Venecia, aunque no está confirmado que efectivamente perteneciera al artista. Artistas que comercializaban con éxito retratos, como el de Maximilien Robespierre, hacían uso de todo tipo de instrumentos para lograr trabajos casi perfectos. El fisionotrazo para hacer perfiles inventado por Gilles Louis Chretien despertaron en la burguesía francesa el apetito por la iconografía, así, pocas décadas faltaban para la aparición del invento que nos interesa.
  • 1801, pocos años antes de su muerte el inglés Thomas Wedgwood hizo los últimos descubrimientos en los procedimientos para capturar imágenes, pero hasta su muerte en 1805 no logró hacerlas permanentes.

  • 1816, en este año se inicia la historia de la fotografía, ya que el científico francés Nicéphore Niepce obtuvo las primeras imágenes fotográficas, aunque la fotografía más antigua que se conserva es una imagen conocida como Vista desde la ventana de Le Gras, obtenida en 1826 con la utilización de una camara oscura y un soporte sensibilizado mediante una emulsión química de sales de plata.

http://es.wikipedia.org/wiki/Historia_de_la_fotograf%C3%ADa

Como consecuencia de la aparición de este invento, la gente empieza a mirarse a través de las imagenes y empiezan a posar. De manera que a partir del siglo XIX se empieza a posar.

A partir del siglo XX vivimos para las imágenes, y nuestro conocimiento se va expandiendo gracias a las imágenes ya que nuestra forma de conocer es sobre todo a través de ellas.

Poco tiempo después de popularizarse la fotografía, el cine se convertirá en el primer gran espectáculo hecho sólo con imágenes, ya que las primeras películas eran mudas.

“El cine (abreviatura de cinematógrafo), también llamado cinematografía, es la técnica que consiste en proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento, mostrando algún vídeo o película). La palabra cine designa también las salas o teatros en los cuales se proyectan las películas.”

http://es.wikipedia.org/wiki/Cine

El 28 de Diciembre de 1895 fue presentada la primera proyección pública, usando el invento patentado por los hermanos Lumiere.

“Auguste Lumière (Auguste Marie Louis Nicolas Lumière) (Besançon, 19 de octubre de 1862 – † Lyon, 10 de abril de 1954, 92 años) y Louis Lumière (Louis Jean Lumière) (* Besançon, 5 de octubre de 1864 – † Bandol, 6 de junio de 1948, 84 años) fueron los inventores del proyector cinematográfico..”

http://es.wikipedia.org/wiki/Lumi%C3%A8re

La primera proyección coincide con la aparición de una de las primeras camaras Kodak adsequibles.

Fue Georges Melies quien advirtió las posibilidades del nuevo invento y lo convirtió, por primera vez, en un gran espectáculo. Creó técnicas específicas para el cine y también fue el pionero de los efectos especiales.

Aquí os dejo una de las primeras películas que realizó Georges Melies, llamada Viaje a la Luna realizada en 1902. Esta película fue una de las primeras en contar una historia ficticia.

Aunque al principio no tenía voz, el cine llegó a ser en muy poco tiempo un auténtico espectáculo de masas, para el que se creaban enormes escenarios y se utilizaban cantidades increíbles de extras.

“La historia del cine comienza el 28 de diciembre de 1895, fecha en la que los hermanos Lumière proyectaron públicamente la salida de obreros de una fábrica francesa en Lyon, la demolición de un muro, la llegada de un tren, y un barco saliendo del puerto.

El éxito de este invento fue inmediato, no sólo en Francia, sino también en toda Europa y América del Norte. En un año los hermanos Lumière creaban más de 500 películas, marcadas por la ausencia de actores y los decorados naturales, la brevedad, la ausencia de montaje y la posición fija de la cámara. Pero los espectadores acabaron aburriéndose por lo monótono de las tomas. Y fue Georges Méliès quien profundizó por primera vez en el hecho de contar historias ficticias y quien comenzó a desarrollar las nuevas técnicas cinematográficas, sobre todo en 1902 con “Viaje a la luna” y en 1904 con “Viaje a través de lo imposible”, aplicando la técnica teatral ante la cámara y creando los primeros efectos especiales y la ciencia-ficción filmada.

A partir de entonces la cinematografía no hizo más que mejorar y surgieron grandes directores como Ernst Lubitsch, Alfred Hitchcock, Fritz Lang, o Charles Chaplin que mantuvieron en constante evolución la técnica hasta que en 1927 se estrena la primera película con sonido El cantante de jazz, a partir de la cual el cine tal y como se conocía dejo de existir y se impusieron guiones más complejos que se alejaban de los estereotipados personajes que la época muda había creado.


Fue en ese mismo año 1927 cuando la Paramount Pictures crea la técnica cinematográfica conocida como doblaje.

Al cabo de los años la técnica permitió la incorporación del color, llegando en 1935 con “La feria de las vanidades” de Rouben Mamoulian, aunque artísticamente consiguió su máxima plenitud en 1939 con “Lo que el viento se llevó”.


El color tardó más en ser adoptado por el cine. El público era relativamente indiferente a la fotografía en color opuestamente al blanco y negro. Pero al mejorar los procesos de registro del color y disminuir los costes frente al blanco y negro, más películas se filmaron en color. Asegurando su lugar en sucesión al cine clásico como por su proximidad al postmodernismo.”


http://es.wikipedia.org/wiki/Cine

Como consecuencia de todo esto, el cine convierte la vida en un espectáculo. De manera que cambia el modo de ver de las personas: vemos primeros planos, detalles impactantes, planos montados rápidamente, escenas a cámara lenta, etc., en definitiva, la vida se convierte en un gran espectáculo. El cine hace desaparecer las fronteras entre lo real y lo imaginado, entre lo posible y lo imposible, entre la vida cotidiana y un mundo fantástico: crea realidades paralelas. Empezamos a ver como normal todo lo que aparece en la pantalla, de manera que la obsesión contemporánea se convierte en ver cuanto más mejor. El cine mete en nuestras vidas un mundo tanto imaginario como real.

El cine también crea fenómenos nuevos, como la admiración desmedida por los actores. Una relación afectiva imposible físicamente, inducida por la admiración a través de la pantalla.

Tras la Primera Guerra Mundial, y, en especial, con la irrupción del sonoro, el cine se convirtió en una fábrica de mitos. Un caudal de sueños pobló la mente de todo espectador que, recogido e ilusionado, aceptaba a sus héroes sin rechistar, como la pareja Bogart-Lauren Bacall o la malograda Marilyn Monroe.”


“Desde la I Guerra Mundial el cine americano aparece como el punto de referencia del nuevo arte industrial. Bajo una férrea disciplina monopolística, los americanos empiezan a descubrir que las masas son particularmente sensibles a unos determinados estereotipos, a unas convenciones y a unos estímulos, que la incipiente industria hará suyos. En pocos años, Hollywod se convertirá en el paraíso artificial y en el imperio de los sentidos, marcando la importan del cine popular hasta los años sesenta.

El ex-peletero húngaro y futuro patriarca de la Paramount, Adolphe Zukor, será uno de los primeros en invertir en la incipiente industria cinematográfica tanto en el equipamiento de salas como en la producción en serie. Su slogan <<Famous Players in Famous Plays>> será el bautismo de las grandes estrellas y de la mitomanía popularizada por Hollywood. Con un envidiable sentido del humor, el escritor soviético Ilya Ehrenburg escribiría en su libro Fábrica de sueños: <<Todo el mundo se da cuenta de que la guerra es una calamidad, pero al mismo tiempo es un gran negocio y no solo para los industriales que fabrican municiones… Cuatro millones de soldados… ¿cómo distraerles si no es con películas entretenidas? Cuando los soldados ven la inocente sonrisa de la favorita de Zukor, la arrebatadora Mary Pickford, mueren alegremente. Mueren, claro está, por los grandes ideales…>>. Cáustica observación que define nítidamente el rol histórico de la estrella en el cine hollywoodense y, por extensión, en el cine mundial.


Es en torno a esta determinación económica e ideológica cuando nacen los géneros, productos de un cine esencialmente destinado a un espectador de acusada religiosidad y se emplea esta denominación de religioso en el sentido que lo hace el francés Jaques Lacan: <<el espectador deja al Otro – ya sea Dios, el Artista, el Héroe, el Ausente la reflexión de lo que ve>>.

A partir de 1930 los géneros (western, cine negro, musical, aventuras, terror, etc.) se convertirán en una verdadera institución dejando una imagen de marca en todas las manifestaciones del hecho fílmico, hasta el punto que pocos serán los filmes que escaparán a una normativa precisa, impuesta por los géneros dominantes. Cada género requerirá unos códigos cinematográficos particulares junto con los códigos generales que son comunes, efectiva o virtualmente, a todos los filmes.


Este conjunto de consideraciones son importantes para calibrar el potencial de cine, su fuerza persuasiva, su ritualismo. Es evidente que los distintos géneros del cine dominante, tal y como fueron concebidos en la época dorada de Hollywood, han entrado en una fase declinante. Pero incluso en su degradación siguen determinando el cine comercial y consiguiendo la supremacía del mercado mundial. Es indudable que espectáculos como La Guerra de las Galaxias, Apocalipsis Now, Superman y las secuelas de tipo de cine interpretado por John Travolta, el cine familiar norteamericano, del estilo Kramer contra Kramer, y buena parte del cine europeo, son variantes de los géneros americanos. Siguen siendo la matriz de un espectáculo cuyas fauces nos atrapan en la butaca.”

El poder de las imágenes.


A partir del siglo XX vivimos para las imágenes, y nuestro conocimiento se va expandiendo gracias a las imágenes. Empezamos a ver como normal todo lo que aparece en la pantalla, de manera que la obsesión contemporánea se convierte en ver cuanto más mejor.

Hoy en día el cine ha cambiado mucho, y no para de evolucionar. Películas como Avatar han revolucionado el concepto de los efectos especiales, creando imágenes espectaculares muy realistas. Pero el futuro del cine se encuentra actualmente en la tecnología 3D, a través de la cual el espectador se puede sentir dentro de la película viviendo una experiencia única.

Actualmente, en casi todas las ciudades hay un cine con tecnología tridimensional, y además esta tecnología ya la podemos disfrutar en casa, ya que existen equipos que nos permiten disfrutar de películas en 3D en casa.

“El cada vez más popular cine 3D intenta que el espectador perciba la película de la misma forma que percibe el mundo real. La principal limitación con la que se topan los ingenieros es la bidimensionalidad de las pantallas sobre las que se proyectan los largometrajes. Pero una ingeniosa combinación de tecnología y biología hacen posible disfrutar de espectáculos en tres dimensiones.


Mostrar imágenes en 3D La ilusión de profundidad en una fotografía o película, se obtiene mostrando una imagen ligeramente diferente a cada ojo, tal como ocurre en el mundo real. Es el cerebro quien se encarga de hacer el trabajo restante para construir una imagen 3D”

“Las primeras películas en tres dimensiones hacían uso de una técnica basada en el color. El espectador utilizaba unas gafas especiales que cubría un ojo con un celofán semitransparente de color rojo y el otro con uno de color azul.


La película consistía en dos imágenes superpuestas, con las porciones que deben ser vistas por uno u otro ojo del color opuesto al del celofán. El resultado es que cada ojo solo ve la imagen que le corresponde. A pesar de lo simple del sistema, se percibe una relativamente buena “sensación 3D”. Si mirásemos la película sin las gafas, sólo veríamos una imagen doble en color azul y rojo.

Pero, en la actualidad, gracias a la microelectrónica, se han reemplazados las gafas de celofán por otras que tienen un filtro LCD, que se sincroniza con el sistema de proyección para tapar uno u otro ojo según corresponda.

Concretamente, se proyectan dos películas a la vez, una para cada ojo, con frames intercalados. Cuando en la pantalla se proyecta la imagen correspondiente al ojo derecho, las gafas oscurecen el cristal frente al ojo izquierdo, y viceversa. Si la frecuencia de proyección es suficientemente elevada, el mecanismo ojo-cerebro no detecta parpadeos de ninguna clase y la sensación 3D es muy convincente.

Este sistema también se está utilizando en los hogares, ya que funciona perfectamente con todos los televisores basados en CRT y varios de los proyectores más comunes. Sin embargo, las pantallas planas de plasma no disponen de una frecuencia de refresco lo suficientemente elevada para que las gafas LCD trabajen de forma correcta. Su costo es bastante accesible y se pueden conseguir algunos modelos a partir de los 60 euros.”


http://es.wikipedia.org/wiki/Cine_3D

Ir al cine, antes era un ritual, ahora el cine está en casa y se puede ver cuando quiera, de esta manera uno de los principales temas de conversación es lo que sale en el televisor, lo cual es algo que antes no pasaba.

Después del cine aparece la televisión y los posteriores medios visuales. Las primeras emisiones regulares de televisión se realizaron en Francia e Inglaterra durante 1937, y no fue hasta 1948 cuando se realizaron las primeras emisiones por televisión en España.

Desde entonces, la televisión ha sido una auténtica revolución en el mundo de la imagen y la comunicación. De manera que se constituye como un “centro” de la casa familiar y se le destina un lugar preeminente y se invierte mucho dinero en ella. La televisión cambia la dinámica de la vida familiar, que ahora se hace en torno al televisor, acabando con la tradicional conversación familiar, pero a la vez introduciendo nuevos temas dentro del hogar.

Con la televisión, las imágenes y los argumentos entran en el corazón de la casa. Y lo hacen sin encontrar prácticamente resistencia. De manera que se convierte en un potentísimo medio para propagar información, cultura, diversión, etc., y también para transmitir ideología, cambiar costumbres, etc.

La televisión cambia las vidas de la gente, de las sociedades, crea muletillas, costumbres, pasiones, etc. Por lo que la televisión se convierte muy pronto en un mecanismo que engancha a todas las edades, para el que se crean infinidad de programas, series, telediarios, telefilmes, documentales, y la mayor producción de publicidad nunca antes vista.

El televisor es una máquina de ideología, ya que lo que transmite no es la realidad, sino la realidad que quieren mostrar, ya que son consciente de que lo que sale en televisión tiene una influencia directa sobre lo que sucede en el país.

Como consecuencia, con la llegada de las cadenas privadas, el Estado pierde algo de control sobre la televisión.

La televisión pasa a formar parte de nuestras vidas, tanto, que incluso las bromas se hacen en torno a lo que vemos en televisión.

Mi opinión respecto a la televisión actual no es muy buena, ya que creo que cada vez son más los programas que solo ofrecen telebasura.

De tal manera que los programas solo se preocupan de tener audiencia llenando la programación de programas del corazón, reality show, etc., los cuales a mucha gente no les interesan.

Por lo tanto creo que el contenido que se ofrece en televisión está decayendo cada vez más.

Y opino que televisiones como Tele 5 han perdido totalmente el norte, ya que solo se preocupan de dar espectáculo y morbo a los espectadores, lo cual se ve reflejado en muchos programas de esta cadena como Sálvame, La noria, etc., los cuales, personalmente detesto.

En este video queda claro como está la televisión actual.

Con la televisión, el espectáculo está siempre, a todas horas, a un solo paso de nosotros, basta con apretar el botón y lo tenemos en casa.

También hay que destacar que en las dos últimas décadas se ha producido la revolución digital y la revolución de Internet. Estas nuevas tecnologías lo están cambiando todo, y en ellas las imágenes juegan un papel fundamental.

Hoy en día dependemos excesivamente de las nuevas tecnologías, de manera que todo está informatizado, pero ¿qué pasaría por ejemplo sí todos los sistemas informáticos fallaran a la vez?, está claro que sería un colapso mundial. Por eso fue tan temido el efecto 2000, el cual, nunca llegó a suceder.

Internet se ha convertido en un mundo donde todos narramos, sobre todo a partir de las llamadas Web 2.0, en las que son los usuarios las que crean los contenidos, como por ejemplo los blogs, las redes sociales, etc.

“El termino Web 2.0 (2003–presente) está comúnmente asociado con un fenómeno social, basado en la interacción que se logra a partir de diferentes aplicaciones web, que facilitan el compartir información, la interoperatividad, el diseño centrado en el usuario y la colaboración en la World Wide Web. Ejemplos de la Web 2.0 son las comunidades web, los servicios web, las aplicaciones Web, los servicios de red social, los servicios de alojamiento de videos, las wikis, blogs, mashups y folcsonomías. Un sitio Web 2.0 permite a sus usuarios interactuar con otros usuarios o cambiar contenido del sitio web, en contraste a sitios web no-interactivos donde los usuarios se limitan a la visualización pasiva de información que se les proporciona.”

http://es.wikipedia.org/wiki/Web_2.0

Estas nuevas webs se convierten en comunidades virtuales donde se establecen millones de relaciones.

En la red, mi vida y mi historia se han vuelto públicas, ya que se la mostramos a todos a través de las redes sociales.

Además de todo esto, la red ha facilitado la creación de mundos paralelos como por ejemplo Second Life.

Actualmente en Internet hay miles de millones de imágenes, y esta cifra no para de aumentar con la creación de las redes sociales, las cuales sirven también de álbumes de fotos on-line. Pero debemos de preguntarnos ¿qué aparece de nosotros en las imágenes?, ¿cómo nos muestran?, ¿qué dicen de nosotros?.

Lo que esta claro es que nosotros estamos viviendo en una fase de cambio, en la cual nos estamos convirtiendo en simples imágenes.

Antes de terminar este núcleo tan extenso no me puedo quedar sin hablar de la presentación que el profesor nos ha pasado, el cual trata sobre la necesidad de cambiar nuestra mirada como futuros maestros.

Esta presentación nos empieza hablando de lo que es educar, señalando que educar es mostrar la vida a quien aún no la ha vivido. Ayudar a los alumnos a ver lo que nunca vio, para que su mundo se expanda y se vea más rico interiormente, de tal modo que si se siente más rico interiormente, puede sentir mayor alegría y compartir más alegría.

En la presentación también se destaca la gran importancia que tiene la educación, lo cual es imposible de cuestionar. Y la primera tarea de la educación es enseñar a ver, ya que los niños a través de los ojos tienen el primer contacto con la belleza y fascinación del mundo. Por eso es fundamental educar los “ojos” de los niños para que la alegría aumente.

En la presentación también se señala que la educación consta de dos partes: educación de las habilidades y educación de las sensibilidades. Y que sin la educación de las sensibilidades, todas las demás habilidades se tornan sin sentido.

Además de todo esto, también se menciona la gran curiosidad por todo que tienen los niños, esa capacidad de asombrarse al contemplar lo más simple. Para los niños todo es maravilloso.

La escuela no debe preocuparse sólo porque los niños memoricen conceptos o palabras, sino que se tiene que preocupar más por ayudar a los alumnos a comprender las realidades que ellas representan. Por eso las palabras sólo tienen sentido si nos ayudan a ver mejor el mundo.

Una de las partes que me ha parecido más interesantes de esta presentación, ha sido la parte  que nos dice que hay muchas personas con visión perfecta que nada ven… El acto de ver no es algo natural. Precisa ser aprendido. Cuando la gente abre los ojos, se abren las ventanas de su cuerpo y el mundo aparece reflejado dentro de la gente.


También es muy interesante la afirmación de que los niños, sin hablar, nos enseñan las razones para vivir. Los niños no tienen saberes que transmitir. Su encanto es conocer lo esencial de la vida.

En conclusión, esta presentación me ha parecido excelente, ya que en pocas palabras da muchas ideas sobre lo que debe ser la educación, la cual debe basarse en una educación visual. Como futuros maestros debemos dejar que salga en el aula esa curiosidad natural que tienen los niños. Por lo tanto es fundamental cambiar nuestra mirada.

Terminando ya con esto, aquí os dejo otra presentación que me ha parecido bastante interesante,  la cual habla que los maestros y profesores deben de enseñar a pensar.

Con esto termino el núcleo dos, el cual me ha parecido bastante  interesante.

20/04/10

Práctica

En la clase práctica de hoy expusimos el trabajo en grupo que consistía en representar una escena con figuras humanas de plastilina.

Al final el trabajo con la plastilina quedó mejor de lo que yo esperaba, y aunque teníamos algunos problemillas en la proporción entre imágenes el profesor nos puso un ocho y medio, lo cual creo que es bastante justo, ya que trabajamos bastante en este trabajo. Sabemos que seguramente podría estar mejor, pero debido a la dificultad que tiene este trabajo creo que si nos merecemos el ocho y medio. Además el escenario del banco quedó bastante bien, mejor incluso de lo que esperábamos. Aquí os dejo algunas fotografías de la escena.

El tiempo de clase lo dedicamos primero a montar la escena, eligiendo donde debía estar cada figura. Una vez que lo mostramos continuamos preparando el esténcil en clase.

Hoy estuve retocando el dibujo que había calcado en papel cebolla, para ir decidiendo que partes de la cara van a ir en negro y cuales en blanco. Creo que esta es una de las partes mas difíciles e importantes del trabajo, por lo que me ha llevado bastante tiempo decidirlo. Preparando el dibujo termínanos la clase, así que lo continuare en la próxima clase práctica.

23/04/10

Teoría

Núcleo 3: Las imágenes y lo visual como conocimiento complejo

Mapa conceptual

Mapa conceptual Núcleo 3

En esta clase teórica de hoy vamos a comenzar el núcleo 3, que se titula Las imágenes y lo visual como conocimiento complejo.

La primera parte de este núcleo tiene como titulo el conocimiento complejo. Para empezar, debemos tener en cuenta que es preciso huir de las interpretaciones correctas. Es decir, solemos pensar, porque así nos lo han enseñado en la escuela, que hay explicaciones correctas para la mayoría de las cosas. Pero siempre se pasa de largo que para una gran cantidad de cosas hay interpretaciones muy diferentes. Y, como ya he dicho varias veces en el blog, esas interpretaciones dependen de muchas cosas: ideología, raza, nacionalidad, ser protagonista u espectador, de la cantidad de información conocida, etc.

Nosotros como futuros maestros debemos ser conscientes de que no existen interpretaciones correctas para todo,  por lo que debemos realizar nuestro trabajo docente en función de ello.

Por lo tanto todo lo que nos enseñan en la escuela, o en la universidad, son cosas que han elegido unas personas determinadas, por ejemplo políticos, a la vez que decidían que no aprendiéramos otras muchas cosas. El curriculo es una constucción social, un producto cultural, que refleja un campo de lucha en el que los diferentes grupos tratan de imponer sus significados. Donde los contenidos no son objetivos ni neutrales.

Fdo Hernández, 2007, pag 38

Estoy totalmente de acuerdo con Hernández en que todo lo que se da en la escuela es una construcción cultural, y me da bastante que pensar. De tal manera que podríamos dar unos contenidos totalmente distintos a los que exige el Real Decreto y podrían ser, tal vez, igual de adecuados. Por eso es importante que nos cuestionemos esto, para ver que las cosas podrían ser de otro modo. Hoy en día podemos ver como los partidos políticos cambian las leyes educativas cada vez que hay cambios en el poder, por lo tanto son ellos los que deciden que es lo que se va a dar en función de sus intereses.

Pero no sólo recibimos una educación con datos y materias elegidas por otros, sino que también en la escuela nos enseñan a escuchar, pensar, permanecer, etc., de una determinada manera, a considerar correctas o incorrectas determinadas actitudes, o admirar determinadas cosas de un cierto modo.

Respecto a esto, yo pienso que en la escuela se está “programando” a los alumnos (o por lo menos lo intentan) para que actúen todos del mismo modo, y esto no puede ser así, tenemos que dejar que cada alumno sea él mismo, que pueda expresar sus subjetividades y que pueda comportarse como él quiera, siempre que mantenga una actitud razonada y basada en el respeto.

Debemos dejar atrás la escuela tradicional, la cual siempre trata de imponer que los alumnos estén siempre callados y que sean sumisos ante el poder, primero del profesor y después de otros poderosos.

Es importante cambiar esto, y entender la escuela de otro modo. De tal manera que lo principal siempre debe ser el alumno, y la comunicación debe ser siempre bidireccional, fomentando siempre la participación de los alumnos. También es fundamental dejar que expresen sus pensamientos, opiniones, sentimientos, etc., y despertar en ellos una capacidad de análisis crítica de la realidad, en la que no acepten todo por sentado.

Por lo tanto, es preciso entender que hay no una, sino que hay muchas posibles maneras de entender las cosas. Y es muy importante, como señala Hernández, que todas las prácticas pedagógicas sean interrogadas, de manera que no hay nada que deba ser así y no pueda ser de otra manera.

En cuanto a las arte, hay que señalar que son materias mal estructuradas.

Hay materias, que como las matemáticas o el dibujo técnico, se prestan a una estructuración clara y constante, pero otras en cambio no permiten esas estructuras, por lo que decimos que son conocimientos mal estructurados o de estructura compleja, y las artes es uno de esos campos mal estructurados.

En esta disciplina, como no se siguen parámetros ni reglas fijas, para comprenderla es muy adecuado el estudio de casos concretos, es decir, realizando una investigación cualitativa de obras concretas, temas específicos, problemas relevantes, etc.

Por ejemplo, dos más dos siempre es cuatro, en cambio en el arte no todo es siempre de la misma forma, sino que puede estar sujeto a diferentes interpretaciones, distintos análisis, etc.

Sin embargo hay algunos conceptos elementales que son parecidos en todas las obras, como son la dinámica de las formas, el color, etc.

Pero como ya hemos dicho existen aspectos muy diferentes entre obras, de tal modo que estudiar la pintura de Velázquez no es lo mismo que estudiar la de Miró o que estudiar un anuncio de Benetton. Por eso, en esta disciplina, el estudio de casos tipo en profundidad nos ayuda a comprender y utilizar el arte.

Como vengo señalando a lo largo de este blog, tanto la realidad como el conocimiento son algo muy complejo, y sin embargo, la escuela tiende a ofrecer explicaciones sencillas para hacerlas comprensibles.

Para poder entender mejor lo visual y las imágenes, es preciso tener información de varias fuentes, lo más variada posible, desde distintos puntos de vista. De esta manera podremos comprender mejor la imagen. Es importante recoger todas las perspectivas que podamos antes de formar la nuestra propia.

En la escuela normalmente se le hace ver al niño que todas las respuestas están en su libro de texto.

Esto tiene como consecuencia que el niño no investigue y que solo se limite a usar su libro de texto de cada materia. Para solucionar esto es muy importante que los alumnos empiecen a estudiar casos desde muy pequeños.

“Ahora sé que los acontecimientos pueden tener diferentes matices, lo que vemos con nuestras limitaciones es casi siempre parcial”

Susanna Tamaro (2007:25) “Escucha mi voz”

Además, cualquier cosa, cualquier obra, cualquier persona está en una relación recíproca e inseparable con el medio en el que existe. Esto significa que para entender o conocer bien algo hay que hacerlo atendiendo igualmente al contexto en el que existe. Tenemos que ver que las cosas no existen en el vacío, sino que dependen de sus contextos.

Por ejemplo, comer carne humana es algo detestable, pero en el contexto de los supervivientes de un accidente de aviación en los Andes, los cuales tuvieron que sobrevivir durante setenta y dos días en medio de una montaña, era algo razonable ya que era la única opción de supervivencia.

Por eso, si no tenemos en cuenta el contexto no podremos entenderlo.

En cuanto a la cultura, si no la conoces, no la puedes entender. De tal modo que debemos comprender una cultura para ver que nos dice, para comprender su contexto. Por ejemplo algunas culturas no entienden la libertad individual y puede que nosotros no lo comprendamos porque no la conocemos, porque no sabemos nada sobre ella y su historia.

Por lo tanto, queda claro que nuestra comprensión del mundo es inseparable de la cultura en la que vivamos.

La cultura opera un cambio en la evolución humana, de tal modo que mientras anatómica y fisiológicamente el ser humano apenas ha evolucionado desde la aparición del “homo sapiens”, si han evolucionado las culturas, y en el seno de ellas, los individuos han evolucionado mentalmente, psicológicamente y afectivamente. Pero cada cultura ha evolucionado de diferente manera, cada cultura se ha desarrollado de modo diferente, de tal modo que lo que se considere aceptable en unas culturas puede que no lo sea en otras. Aquí os dejo un video documental del canal National Geographic que nos habla sobre lo que se considera tabú en determinadas culturas.

“Somos resultado del cosmos, de la naturaleza, de la vida, pero debido a nuestra humanidad misma, a nuestra cultura, a nuestra mente, a nuestra conciencia; nos hemos vuelto extraños a este cosmos que nos es secretamente íntimo. Nuestro pensamiento y nuestra conciencia, los cuales nos hacen conocer este mundo físico, nos alejan otro tanto. El hecho mismo de considerar racional y científicamente el universo nos separa también de él. Nos hemos desarrollado más allá del mundo físico y viviente. Es en este más allá que opera el pleno despegamiento de la humanidad.”

(Morin, 1999: 21)

La cultura no para de evolucionar. A lo largo del tiempo se han ido produciendo cambios en los elementos culturales de nuestra sociedad, y ese desarrollo evolutivo se debe a la acumulación y transmisión de conocimientos de generación en generación para la mejor adaptación al medio. Estos cambios se han ido produciendo poco a poco a lo largo de la historia.

Cambiando de tema, la segunda parte de este núcleo hace referencia al valor cognitivo de las artes, ya que si está tan mal estructurada ¿por qué nos interesa tanto estudiar arte? Para responder esta cuestión, a continuación os dejo los cuatro argumentos cognitivos a favor de las artes que establece Efland:

  • Argumento de la flexibilidad cognitiva. En él se señala que el arte es un campo abierto a análisis complejos, en los cuales no importa tanto la obra en sí, como su capacidad para aprender a partir y a través suya. Las artes promueven la capacidad para construir interpretaciones y abordar los problemas desde supuestos distintos. También hay que tener en cuenta que el arte usa esquemas no proposicionales, formas simbólicas, utiliza la metáfora y emplea la narratividad. Y además de todo esto, el arte, proporciona un conocimiento no obtenible a través del lenguaje u otros miedos. Por todo esto, queda bastante clara la importancia de las artes en la formación y desarrollo del conocimiento.

  • Argumento de la integración del conocimiento. Se basa en que el arte contextualiza e integra diferentes campos de conocimiento, de manera que constituye hitos cognitivos para que el alumnado teja sus mapas de comprensión y conocimiento. Este argumento defiende, que como la realidad, no se puede analizar desde un solo punto de vista, el arte permite conectar con el mundo vivido de los alumnos.
  • Argumento de la imaginación. La imaginación, sin lugar a dudas, estructura y establece significados mediante la metáfora y la narrativa, las cuales son herramientas que sirven para conocer y explicar aquello que no es susceptible de explicarse de otra manera, como lo sentimientos, las experiencias estéticas, las prácticas morales, etc. Además la imaginación ayuda a establecer conexiones, obtener inferencias, resolver problemas, etc.

  • Argumento estético. Este argumento defiende el carácter estético del arte, ya que los seres humanos gustan de transformar la realidad en experiencias estéticas, que de por sí son valiosas.

En mi opinión después de todos estos argumentos, creo que no se puede discutir la importancia de enseñar arte. Yo creo que aprender y enseñar arte es fundamental en la sociedad en la que vivimos. El arte nos enseña a aprender y desarrolla una serie de capacidades y competencias que ninguna otra disciplina desarrolla. Nos proporciona conocimientos que nunca podríamos adquirir de otro modo. También hay que tener en cuenta que desarrolla algo fundamental hoy en día, que es la imaginación. El ser humano no podría vivir sin imaginación, ya que si no podemos imaginar no podemos planificar nada. Por lo tanto la imaginación ayuda a establecer conexiones y resolver problemas de todo tipo. Hay que ser imaginativos en esta vida y que mejor manera de trabajar la imaginación que a través del arte.

Lo que está claro es que el arte y lo visual abren el conocimiento en muchas direcciones distintas, por lo tanto es fundamental trabajarlo en la escuela ya que son motores de aprendizaje muy potentes. Los niños deben comprender el mundo en el que vivimos y eso se puede enseñar a partir del arte.

El objetivo de enseñar arte es contribuir a la comprensión del paisaje social y cultural en el que habita cada individuo. Y una buena propuesta es trabajar con preguntas complejas, en las que para responderlas el niño tenga que investigar, informarse, conocer, analizar, etc., más que limitarse a aventurar opiniones sin fundamento. Por lo tanto a la hora de plantear estas preguntas debemos evitar las respuestas fáciles, para ello las preguntas además de ser complejas, deben animar al alumno a buscar para encontrar información que nos permita elaborar posibles respuestas y explicaciones.

“Pero no como un camino donde todo está previsto y controlado de antemano. De esta manera quizá (…) los niños, las niñas y los jóvenes  puedan encontrar que la Escuela puede  ser un lugar que les plantea retos, desde unas propuestas  en las que ellos y ellas forman parte, y en las que pueden  llegar a escribir retazos de su propia historia.”

Fdo. Hernández, 2007. Pag 58

Nos interesa acostumbrarnos a trabajar con las imágenes buscando interpretaciones complejas, en las que tengamos en cuenta cuantos más aspectos mejor. De esa manera comprenderemos más cosas y no nos conformaremos con las explicaciones que otras personas han fabricado para que nosotros las creamos. No se trata de opinar, se trata de buscar información y después opinar con conocimiento. Debemos crear nuestra propia perspectiva basada en el conocimiento del tema.

Para terminar con este núcleo, a manera de síntesis vamos a señalar cuales son los elementos presentes en las imágenes y cuales son las prácticas de visualidad.

Como señalamos anteriormente en cada imagen (y en las prácticas de visualidad), están presentes distintos componentes de lo humano que interaccionan entre sí. Esto quiere decir que cada imagen es fruto de muchas interacciones en las que hay que tener en cuenta que como humanos somos un ser social, un ser cultural, un ser individual y que sin lugar a dudas nos caracterizan unos rasgos como especie que somos.

Todo esto esta presente interaccionando de un modo u otro en cada una de las imágenes.

Las imágenes son el producto final de interacciones innumerables, entre otras:

  • Canales de comercio y distribución.
  • Espectadores (los demás y uno mismo).
  • Realidad, relatos, historias, pasado y presente, etc.
  • Historiadores, críticos, museos, comentaristas, etc.
  • Imaginario, cultura, tópicos, códigos y símbolos, estilos, modas, etc.
  • Autores y engargantes.

Y la obra es un lugar catalizador en el que se unen:

  • Intenciones, poder, deseos, ideas, funciones y usos, sentimientos, etc.
  • Creación, encargo, comercio, libertad, servidumbres, etc.
  • Técnicas, formas y colores, modos de ser, etc.
  • Modelos y construcciones sobre la realidad.
  • Manifestaciones de lo humano, lo social, lo cultural, lo subjetivo, etc.
  • Temas distintos, historias, narraciones, creencias, mentiras, propaganda, etc.

A la vez que en las imágenes se unen muchas cosas, las imágenes a su vez influyen en:

  • Sociedad, imaginario, cultura, tópicos, modas,…
  • Modos de ver y construir la realidad
  • Modos de sentir, de relacionarse las personas, etc.
  • Ideologías, creencias,…
  • Comportamientos, conductas, performatividades, etc.
  • Identidades grupales e individuales. Identidad propia.
  • Etc.

Y como ya hemos dicho anteriormente, las imágenes a su vez nos construyen, nos califican, nos sitúan, nos ponen en relación con la realidad y nos sitúan respecto a los otros.

Por lo tanto a la hora de trabajar con las imágenes, es especialmente importante plantearse preguntas como:

  • ¿Qué realidad construyen las imágenes?
  • ¿Cómo nos muestran?
  • ¿Cómo actuamos nosotros influenciados por ellas?
  • ¿Quién la hace? ¿Por qué? ¿Para que están sirviendo?
  • ¿Qué poder o poderes se benefician de ellas y cómo?

Como nos recomienda Rogoff hemos de cultivar el “ojo curioso” en vez del “buen ojo”. Debemos tratar de ver las cosas siempre desde diferentes perspectivas para así formarnos una mejor idea sobre ellas.

Por ejemplo, si analizamos la Piedad de Miguel Ángel, deberíamos de analizarla tratando de problematizar la imagen, preguntándonos cosas como ¿por qué se representa un muerto?, ¿qué implica representar un muerto?, ¿es un instrumento de poder?, ¿qué importancia tiene la muerte?, ¿por qué la madre es más joven que el hijo?, etc. También es importante que cuando analicemos tengamos en cuenta el contexto de la imagen y ser conscientes de que la relación con esta imagen sería más intensa para la gente de su época. También tenemos que analizar que es lo que nos transmite, qué es lo que nos quiere decir esta imagen. Se trata de ver lo que no se ve a simple vista.

Pero igual que problematizamos la Piedad de Miguel Ángel podemos problematizar cualquier imagen.

Con esto terminamos esta parte del núcleo tres y la clase de hoy. Esta parte de este  núcleo me ha servido bastante para darme ideas acerca de cómo debo afrontar el trabajo de los 40 principales ya que me ha dado muchas información acerca de cómo problematizar el tema y las imágenes que tenemos que comentar para este trabajo. Ya que estaba bastante atascado a la hora de trabajar el tema del poder. Ahora con todo lo aprendido en este núcleo espero que me cueste menos el trabajo.

27/04/10

Práctica

En la clase práctica de hoy continuamos trabajando con el esténcil.

Hoy estuve terminando de calcar la fotografía de mi cara a papel cebolla, para después pasarla a una cartulina para crear la plantilla.

La verdad es que realizar una foto adecuada para hacer el esténcil me costó bastante ya que quería que una parte de mi cara quedase ensombrecida. Pero una vez que la realicé calcarla no me costó mucho, lo difícil fue seleccionar que partes deberían ir en blanco y cuales en negro.

Cuando le enseñe el dibujo al profesor, me recomendó que realizase algunos cambios en la boca, ojos, cejas y nariz para mejorar el trabajo. Una vez que había cambiado los defectos en el dibujo, fotocopié el dibujo en cartulina para recortarla y obtener la plantilla.

Lo realicé en cartulina para que soportase el espray y no traspasase el papel. Además el hacerlo en cartulina me facilitaba el trabajo ya que podía utilizar la plantilla varias veces.

Una vez que recorte la plantilla, lo único que hice fue colocarla encima del formato y aplicar el espray.

Estos fueron algunos de los esténciles que realicé.

Después de realizar el primero y que quedase bien, intenté experimentar con diferentes fondos y colores, aunque el resultado obtenido no fue siempre el esperado. Incluso llegue a utilizar como fondo una bolsa de papel de una  tienda de ropa.

Este trabajo me ha perecido bastante divertido e interesante. Pero también tiene su dificultad, es un trabajo al que hay que dedicarle bastante tiempo y en el que hay que tener mucho cuidado a la hora de cortar la plantilla y de echar el spray. Además creo que es un buen trabajo para realizar en la escuela con alumnos de primara de ciclos superiores, ya que les puede parecer muy entretenido trabajar con el spray.

Realizando esta actividad terminamos la  clase práctica de hoy. Ya solo me queda pasar el esténcil a un cartón de proyecto y hacer el collage con las imágenes que me construyen por detrás.

30/04/10

Esta clase teórica de hoy se dedicó a realizar la puesta en común de las ideas extraídas del libro Espigadoras de la cultura visual de Fernando Hernández.

Para empezar nos situamos en grupos de siete, para que cada grupo redactase los puntos más importantes de cada capitulo. Después el portavoz de cada grupo tendría que exponerlos a toda la clase.

Las ideas principales que sacamos de este libro por capítulo, fueron las siguientes:

-         Introducción:

  • Las narrativas son formas de pensar que nos imponen para que las pensemos desde pequeños.
  • Las cosas son como son y no pueden ser cambiadas. La naturalización se nos impone.
  • Las cosas son de distinta manera según la persona.
  • Las cosas se pueden cambiar.
  • Se debe buscar que los niños sean los protagonistas y el profesor el guía.
  • El profesor debe actuar como mediador.
  • El alumno debe relacionar sus experiencias con las experiencias de los otros.

-         Capitulo 1:

  • Hay que tener en cuenta que las representaciones visuales han ganado relevancia en la actualidad.
  • Las nuevas necesidades educativas que se dan en la actualidad son, la relación que los estudiantes mantienen con el saber, la relación de los jóvenes con los valores estéticos.
  • Vivimos en un mundo donde tanto el conocimiento como muchas formas de entretenimiento son visualmente construidos.
  • Cada vez conocemos más cosas a través de las imágenes. Tenemos que aprender a comprender las imágenes.
  • Los maestros deben conocer de donde proviene la influencia de los alumnos.
  • La importancia de un nuevo alfabetismo visual. Saber construir narrativas con imágenes.
  • Hay que tener en cuenta los cambios sociales para poder formar esa narrativa.
  • No solo se requiere un replanteamiento radical del sistema educativo, sino apropiarse de otros saberes.
  • Se trata de acercarse a esos “lugares” culturales donde los estudiantes están encontrando hoy muchas de sus referencias para construir sus experiencias de subjetividad.

-         Capítulo 2:

  • El autor habla de representar la educación en las Artes Visuales.
  • No se trata de mirar la obra solo desde el punto de vista del autor, sino que se trata de buscar relaciones.
  • Los alfabetismos múltiples tratan de educar para la nueva sociedad.
  • Podemos construir y transmitir informaciones por muchos canales distintos, visualmente, oralmente, textos escritos, etc.
  • Se hace hincapié en las nuevas tecnologías.
  • Las nuevas narrativas deben crear situaciones que propicien experiencias que le provoquen sentimientos.
  • Dar lugar en la clase a que se produzcan situaciones para experimentar cosas. Para que el alumno reflexione sobre ellas. Estas experiencias forman las subjetividades.
  • El modo en que se esta construyendo la subjetividad y que efectos tiene sobre los alumnos.
  • Se deben formar individuos críticos, creando capacidad de resistencia, autoría y acción de los aprendices.
  • En este capítulo se cuestiona la importancia que tiene la cultura popular.
  • Hay cuatro perspectivas docentes.
  • La perspectiva proselitista consideran los objetos y representaciones de la cultura visual como malas influencias para los  niños y jóvenes.
  • En la perspectiva analítica los docentes consideran a los estudiantes como consumidores pasivos de la cultura visual.

-         Capítulo 3:

  • En la perspectiva de la satisfacción los educadores ponen el énfasis en los placeres que la cultura visual proporciona a los estudiantes.
  • La perspectiva autoreflexiva trata de enfocar los temas de análisis, satisfacción, posicionamiento y audiencia de tal manera que favorezcan el debate y la adquisición de criterio entre los aprendices. Para llevarla a la práctica hay que tener en cuenta una serie de cuestiones. Como es tener en cuenta las experiencias que los estudiantes llevan al entorno de aprendizaje.
  • Las manifestaciones de la cultura visual no son para pedagogizarlas, sino para ponerlas en relación con problemas de investigación.
  • No se trata de juzgar los gustos del niño, se trata más de que a partir de sus gustos hacerle reflexionar.
  • Tener en cuenta las múltiples interpretaciones que lo estudiantes pueden producir en relación con la cultura visual, lo cual no significa consagrar que todo vales y que cualquier cosa que sea dicha o representada es motivo de celebración.

-         Capítulo 4:

  • Se habla de cómo llevar a la práctica una propuesta educativa con el objetivo de la comprensión crítica y performativa.
  • Para ello debemos considerar las políticas del placer y la satisfacción asociadas a la imagen y vincularlas al arte y la cultura popular.
  • Se debe favorecer el carácter oposicional.
  • Ser conscientes del conflicto entre el principio del placer y el análisis crítico.
  • Las actividades críticas requieren de tiempo. En el trabajo tradicional en la escuela cuanto más hace menos te queda por hacer, en cambio en esta propuesta cuanto más encuentras más buscas, por lo tanto el trabajo no para de crecer. Por supuesto hay un momento en el que se debe parar, pero esto nos hace ser conscientes de que el conocimiento no tiene límites.
  • El saber abre más posibilidades al saber.
  • Hay que tener en cuenta el poder del placer para evocar sentimientos y entender que estos no son universales porque no afectan por igual al grupo.
  • Se debe prestar atención a las comunidades de discurso.
  • Para llevar acabo esta propuesta hay que tener relevancia, es decir, conexión entre los “textos” de la cultura visual y la experiencia social del lector.
  • Hay que actuar de la siguiente forma:
  • Establecer el tema no solo elegido por el docente.
  • Recoger evidencias.
  • Explorar contenidos de cultura visual.
  • Que hacer para dar cuenta al aprendizaje.
  • El papel docente es participar en el proceso de indagación con el objetivo de que el alumno se posicione en el placer y la crítica en relación con la cultura visual.

Para terminar con este día solo me queda decir que el libro me ha parecido muy interesante, aunque en algunas partes me ha costado entender el texto. Pero por todo lo demás ha sido un libro con el que he aprendido a mirar la educación de otra manera. Una educación en la que lo visual es cada vez más importante.

04/04/10

Práctica

En la clase práctica de hoy, el profesor nos mandó el último trabajo de esta asignatura, el cuál consistirá en construir una narración final. Esa narración la podremos realizar de muchas maneras, como por ejemplo un video, un teatro, una performance, un libro, etc.

Para orientarnos sobre la actividad, el profesor nos mostró algunos trabajos del curso pasado que nos sirvieron de mucha ayuda.

El tema de la narración es totalmente libre, lo único que se pide es que sea algo con sentido, que tenga mensaje. Se debe construir una narración que transmita algo, y en ella se deberá reflejar lo aprendido en clase.

Para realizarla formamos grupos de cinco personas, y entre todos estuvimos trabajando y pensando qué es lo que íbamos a hacer. Al final, entre todos, decidimos que íbamos a realizar un video.

Hasta el final de la clase estuvimos pensando el tema y decidimos que íbamos a tratar el tema de la influencia de la publicidad  sobre las personas. Para reflejarlo, nuestra historia se va a basar en un curso para ligar en el cual se apuntan varios “personajes” influenciados por el anuncio.

07/05/10

Teoría

Hoy, en la clase de teoría,  hemos visto la parte del núcleo tres que tiene como titulo Aprendizaje de las Artes Visuales y a través de las Artes Visuales.


Como ya he estado hablando sobre muchos de estos temas, en el anterior día que vimos el núcleo tres, voy a completar solo las partes que crea que han sido poco explicadas.

Para comenzar esta parte, antes debemos repasar los fundamentos de la Educación Artística basada en la comprensión crítica y preformativa de la cultura visual.

En Educación artística es importante que los alumnos aprendan a:

  • Utilizar técnicas y procedimientos artísticos: dibujar, fotografíar, usar software, modelar, pintar, hacer collages.

  • Expresarse.

  • Conocer el funcionamiento elemental de los elementos de la forma, del color y la composición.

  • Pero sobre todo es importante que tengan una educación artística para la comprensión visual.

Por lo tanto, como ya he dicho en el primer núcleo, la educación artística debe desarrollar una capacidad crítica, de tal manera que no se trata de “leer” una imagen, sino de comprenderla críticamente en profundidad. En este modelo de educación artística cualquier imagen es importante, de manera que todas pueden ser analizadas y estudiadas.

Este modelo promueve que el alumno investigue y busque sus propias interpretaciones y producciones de lo visual, pero siempre a partir de una documentación seria, rigurosa y amplia y siempre que sea posible interdisciplinar. Por lo tanto no se trata tanto de aprender a percibir, como de aprender a observar parar comprender lo que vemos, lo que somos, lo que nos rodea, etc. Aprender a conocer el mundo que nos rodea y a nosotros mismos.

Este modelo también tiene muy en cuenta que el alumno no es un simple consumidor de imágenes. Las imágenes construyen la realidad, la interpretan y la simbolizan. Las imágenes influyen en su identidad y en su modo de ser y comportarse. Por eso es necesario saber qué hay detrás de las imágenes y aprender a convivir críticamente con ellas, y también a trabajar y reflexionar sobre los modos en que se construye la identidad propia y de los demás.

Las imágenes nos están construyendo constantemente ejerciendo una gran influencia sobre nosotros. Muchas imágenes influyen en nuestra forma de ser, de pensar, incluso de comportarnos. Un ejemplo claro es como la publicidad trata de conseguir que actuemos de una manera u otra a través de las imágenes. Utilizan el poder de las imágenes para influir sobre nuestras decisiones.

Pero esto es solo un ejemplo, son muchas las imágenes que tratan de influir sobre nosotros a través de muchas maneras.

A través de las imágenes también se construyen una serie de patrones de conducta que nos hace comportarnos de una manera u otra, que nos hace seguir una moda u otra. Siempre detrás de cada representación visual hay algo más que una simple imagen.

Y también hay que señalar que las representaciones visuales tienen un papel fundamental en la construcción del individuo tanto por su omnipresencia como por su fuerte poder persuasivo. Estas, enseñan a mirar y a mirarse, y contribuyen a construir representaciones sobre sí mismos y sobre el mundo.

Por lo tanto, en la sociedad en la que vivimos hoy en día se hace fundamental trabajar la capacidad crítica con los niños desde que son muy pequeños.

En este modelo también es muy importante conocer y utilizar las técnicas, pero lo interesante no es tanto aprender a dibujar, como aprender a usar el dibujo, la fotografía, el video o cualquier otro procedimiento para poder crear explicaciones y narraciones que posean sentido y que permitan a las personas expresar, críticas, sentir, etc., desde la libertad, la autonomía y el conocimiento.

Los alumnos deben construir su propia historia, expresar sus pensamientos, su forma de ver la vida y la realidad. Se trata de construir su propia posición acerca de un tema, pero una posición basada en el conocimiento previo del tema.

Por eso es muy importante que los alumnos construyan imágenes y narrativas que utilicen diversos alfabetismos, de tal manera que utilicen tanto símbolos, como sonidos, texto, etc. Es fundamental educar en los polialfabetismos porque una de las exigencias contemporáneas es ser capaz de construir argumentos y narrativas en soportes multimodales, que combinan lo escrito, la imagen, el sonido, etc. Como señala Bigas Lunas, los analfabetos del siglo XXI serán aquellos que no sepan narrar con imágenes.

Aquí os dejo un video muy interesante sobre el alfabetismo en medios.

En las artes visuales, con un poco de creatividad se puede contar cualquier historia sin la necesidad de contar con muchos medios, como podemos ver en estos videos.

Los alfabetismos múltiples son importantes porque no sólo hay que introducir nuevas competencias sino que hay que mirar hacia el exterior, hacia afuera de la escuela ya que “no se puede pensar sobre alfabetismo de forma aislada, al margen de una amplia serie de factores sociales, tecnológicos y económicos” como señala Kress.

Y además son importantes porque ofrecen cambios radicales en la enseñanza y el aprendizaje.

En este modelo de educación artística se tiene muy presente que hay que diseñar y crear imágenes y narrativas visuales. Ya que hay que construir imágenes para dialogar con las que existen, para producir contradiscursos, para crear narrativas alternativas, para explicitar asuntos, etc.

Y el alumno debe hacer públicos los productos y las imágenes que se hacen, ya que hay que darle sentido a lo que se construye. Lo que se crea hay que compartirlo, defenderlo y saber argumentarlo. Lo que exige este modelo es la calidad en los trabajos, de manera que siempre hay que evitar lo cutre. Los trabajos tienen que ser el resultado de un trabajo consciente, cuidadoso y dispuesto para ser mostrado.

En este modelo es necesario dominar la herramienta, pero solo para poder usarla y obtener calidad. Por eso es preciso establecer tiempos y ejercicios de “adiestramiento” para mejorar el uso y manejo de las herramientas de trabajo. Pero en la escuela es fundamental que lo alumnos aprendan a dominar la herramienta a través de un aprendizaje significativo, y para conseguirlo es necesario que se impliquen con su interés y su emotividad.

En educación artística se debe trabajar mucho la creatividad y la imaginación porque son uno de los valores más importantes para la libertad personal y comunitaria y también para el mercado del trabajo futuro. En los trabajos del futuro la creatividad será una herramienta de trabajo imprescindible para solucionar todo tipo de problemas.

Para terminar este repaso a este modelo de educación artística debemos señalar que en él se considera tan importante el proceso y los productos como la reflexión sobre el proceso y los productos. Y también cree que el desarrollo de la capacidad de metacognición es básico para la libertad y para un aprendizaje significativo.

Tampoco debemos olvidar que en este modelo el alumno es el centro del proceso de aprendizaje y no los contenidos.

En el aprendizaje de las artes visuales debemos de tener en cuenta dos cuestiones fundamentales:

  • No se trata de que los niños comenten obras de arte e imágenes hablando de su autor, su época, su estilo, o lo que “significan”, sino que lo importante es que los estudiantes aprendan a dialogar de manera crítica con las manifestaciones públicas y propias relacionadas con la cultura visual, es decir, a interrogar a todo lo visual e interrogarse a ellos mismo para comprender el mundo que les rodea y comprenderse a sí mismos.

  • Tenemos que dar la voz a los alumnos hacerles protagonistas y constructores de su aprendizaje, ayudarles a tomar la iniciativa y a ser más autónomos y libres.

Son muy importantes las experiencias de subjetivización en el estudio de las Artes visuales, ya que si no se explora cómo las identidades y los procesos de subjetividad son construidos, se puede colocar a los niños, las niñas y los jóvenes en unas posiciones en las que ellos y ellas no se reconozcan. Por lo tanto el alumno debe ser el protagonista de su aprendizaje.

Es fundamental que maestro despierte el “deseo” en el niño por aprender, captando su interés, haciéndole interesante la clase de manera que pueda relacionar siempre lo aprendido con la vida diaria. Pero no se trata de trabajar solo con lo que les guste, sino que se debe trabajar con algo que les fascine, que les atrape y que les rete. Hay que buscar siempre un tema que nos involucre a todos, que nos plantee retos, un tema que pueda ser relevante para cada uno de nosotros y para la comunidad, y que nos sirva para entender mejor el mundo.

Como ya hemos dicho anteriormente no deben tratarse preguntas simples y fáciles de responder, sino que deberán buscarse preguntas complejas que motiven al alumno a investigar, conocer, explorar, experimentar, analizar, etc. Estas preguntas facilitan un aprendizaje más rico que las preguntas simples y su valor cognitivo es mucho mayor que el de las preguntas simples.

Siempre trabajaremos desde cosas interesantes (no desde centros de interés) y siempre que podamos desde lo emergente, ya que es necesario tener en cuenta la realidad emergente, lo que es relevante ahora. Y entre lo emergente, es necesario trabajar mucho con el arte actual: ya que el arte contemporáneo habla de problemas actuales.

Debemos de tener en cuenta que no hay problemas que son solo de educación artística, sino que los problemas son de todos, de manera que todo abarca a todo. Por eso siempre hay que partir de problemas, cuestiones y temas transdisciplinares. Abordar problemas transdisciplinares implica abordar problemas en los que concurren indisolublemente conocimientos de diversas disciplinas.

Uno de los grandes problemas de la escuela actual es que se basa más en una educación multidisciplinar, más que en una educación transdisciplinar.

En una educación transdisciplinar el problema se concibe como un problema unitario de tal modo que se aborda en su complejidad. Por lo tanto no es necesario recurrir a varias disciplinar, sino ser capaz de trabajar en varios frentes. De manera que el resultado final mantiene su complejidad y su riqueza, facilitando un pensamiento poliédrico y complejo en su resolución.

Hay que tener en cuenta que hay muchos contenidos que no se pueden encuadrar en una sola área y son contenidos que tienen una gran transcendencia en la formación de los alumnos, por eso es fundamental introducir esos contenidos en un enfoque globalizador para evitar que su tratamiento en el desarrollo del currículo sea simplemente accidental.

“La transdisciplinariedad se basa en un principio de unidad del conocimiento, más allá de las disciplinas. En cuanto a principio de formas integradoras de investigación, la transdisciplinariedad comprende una familia de métodos para relacionar el conocimiento científico, la experiencia extra-científica y la práctica de la resolución de problemas. En esta comprensión la investigación transdisciplinar se orienta hacia los aspectos del mundo real, más que a aquellos que tienen origen y relevancia sólo en el debate científico.

Un estilo transdisciplinar de investigación puede sólo emerger si la participación de las personas expertas interactúa en forma de discusión abierta y de diálogo, aceptando cada perspectiva como de igual importancia y relacionando las diferentes perspectivas entre ellas.”

La producción de conocimiento bajo el paradigma de la transdisciplinariedad, no opera según la oposición «conocimiento básico/conocimiento aplicado» sino en el marco de estructuraciones dinámicas y agrupamientos heterogéneos y transitorios.”

Aronson. La emergencia de la ciencia transdisciplinar. (2003)

Debemos trabajar estableciendo relaciones intertextuales, es decir, entre distintas imágenes, productos visuales, ideas, creencias, etc. Reflexionando sobre cómo llega hasta nosotros, como nos afecta, cómo nos cambia, cómo construye la imagen que tenemos de la realidad y de nosotros mismos., etc.

Debemos comprender que en gran parte las cosas aparecen solo en la pantalla y pensar quienes somos y qué papel jugamos en esta sociedad, y en qué mediad eso depende de las imágenes, de las prácticas de visualidad, del modo de actuar, vestirse, mostrarse, fotografiarse, grabarse, etc.

Y nunca olvidar que es imposible abordar desafíos complejos en una escuela simplificadora basada exclusivamente en lo transmisivo.

Buscando en Internet más información sobre la transdisciplinariedad he encontrado esta página, en la cual se recoge la carta de la transdisciplinariedad adoptada por los participantes del Primer Congreso de la Transdisciplinariedad, aquí os la dejo, porque me ha parecido interesante la información que da sobre el tema.

http://www.filosofia.org/cod/c1994tra.htm

Por eso es fundamental re-construir el mundo al aprender. Y para que los alumnos puedan hacerlo es fundamental una educación innovadora, la cual, es mucho más que una metodología. Es más que una metodología porque cambia el concepto de educación, de manera que ya no es transmisiva, bancaria y reproductiva. En esta educación innovadora el profesor ayuda al alumno en su búsqueda de información, pero no se lo transmite todo, es el alumno quien construye su conocimiento, el profesor solo ejerce de guía. Se trata de ser actores y protagonistas en el proceso de construcción del conocimiento y de comprensión del mundo.

El objetivo no es sólo acumular datos, informaciones, técnicas, procedimientos, sino sobre todo darles sentido desde el yo o desde el grupo. No se trata de repetir, sino de re-crear o incluso crear.

Aprender es un diálogo, no un monologo. Pero un diálogo relevante y que exige esfuerzo. Es un diálogo que exige salir del lugar donde estoy y cambiar, exige abrir los ojos y sobre todo modificar mis estructuras de pensamiento. Y sobre todo un diálogo que me cambia, cambia al otro y cambia la realidad.

Llevarlo a cabo es trabajoso tanto para el alumno como para el profesor ya que exige que los alumnos salgan de donde están.

Asumir la complejidad implica asumir que cada cosa es muchas cosas a la vez y está unida a toda la realidad en una red muy densa de relaciones sin las cuales es incomprensible. Implica buscar más allá de lo evidente y cuestionar aquello que nos rodea, el modo en que vemos, que sentimos, que creemos, que hemos aprendido, que nos han explicado, etc.

En este modelo de educación artística problematizar es muy importante. Problematizar significa ver que lo que estás viendo está relacionado con el pasado, con si mismo, con donde vive, etc. Es decir, es cuestionarnos todo lo que se ve y todo lo que no se ve, se trata de investigar y analizar todo lo que hay detrás de una imagen.

Pero también podemos problematizar cualquier tema y analizar las construcciones sociales.

Por lo tanto una de las claves es aprender a problematizar lo que vemos, empezar a cuestionárnoslo todo. Empezar a desafiarnos, a buscar soluciones alternativas, etc.

El profesor también debe problematizarlo todo, de manera que como señala Hernández, todas las prácticas pedagógicas pueden y deben ser interrogadas ya que no hay nada que deba ser así y no pueda ser de otra manera. Por lo tanto el currículo es una construcción social, un producto cultural, que refleja un campo de lucha en el que los diferentes grupos tratan de imponer sus significados.

Sin embargo en la esuela también hay contenidos que no hay que problematizar, como por ejemplo los afluentes del río Ebro,  que son siempre los mismos.

Como ya sabemos hay muchas formas de interpretar la realidad, por lo tanto la complejidad implica también asumir la necesidad de evitar las explicaciones correctas. Debemos ser conscientes como futuros maestros de que no existe una única explicación, sino que existen muchas posibles respuestas.

En este modelo educativo es imprescindible tener en cuenta a los sujetos y concebir el aprendizaje como un fenómeno de subjetividad. El alumno es lo más importante y hay que dejar que exprese su forma de ver la realidad. La educación tiene que ayudar a entender la vida, el mundo, a los otros y a uno mismo.

Podemos decir que no hay conocimientos acabados, sino conocimientos por re-construir, por construir, incluso por crear. En un mundo hecho de informaciones y conocimientos fragmentarios, innumerables, es necesario dotar de sentido aquello sobre lo que trabajamos, debemos re-construir el conocimiento, para ello es preciso construir narrativas que asuman la complejidad.

Y trabajar la complejidad exige procesos abiertos, procesos que utilizan estrategias de aprendizaje, no programas cerrados. Procesos en los que cabe cambiar y variar cuando haga falta, en los que se puede abordar lo que ya sabe el docente, pero también lo que no sabe pero parece necesario abordar.

Para desarrollar esto, creo que sería muy adecuada una educación por proyectos,  los cuales se adaptan a la situación de la clase, de manera que se pueden cambiar y adaptar en cualquier momento, no atendiendo a un programa cerrado.

Se trata de desarrollar preguntas y cosas en función de objetivos abiertos y para un proceso flexible de trabajo, investigación y aprendizaje. Lo que implica que al empezar, no sabemos exactamente qué va a resultar de nuestro trabajo.

Esto último lo he vivido directamente con el trabajo de los 40 principales, el cual, cuando comenzamos no sabíamos que íbamos a sacar en claro del tema ni hasta donde íbamos a llegar. Ha sido un trabajo en el que nosotros mismos hemos sido los que hemos elegido el camino que íbamos a recorrer, aunque han surgido muchos caminos paralelos.

Continuando con el tema, hay que señalar que la mayoría de las fuentes de conocimiento que son hoy en día muy relevantes para los estudiantes no son escolares, y por lo tanto es preciso jugar con lo que está fuera.

En cuanto a las tecnologías hay que señalar que son un elemento imprescindible en la construcción de conocimiento, tanto en la búsqueda de datos e imágenes, como en su manipulación, re-ordenación, exposición, etc.

También hay que ser conscientes de que continuamente se fabrican conocimientos, ideologías, visiones de la vida, etc., que nos obligan también a tener en cuenta la incorrección, lo que no nos gusta, lo que nos cuestiona, lo que subvierte el orden, lo grosero..y a trabajar con ello porque pueden ser claves.

Se trata de evitar la simplificación y asumir la complejidad. Aunque en educación asumir la incertidumbre es costoso porque asusta tanto a los docentes como a los estudiantes.

Debemos pensar que es posible una nueva educación en que el conocimiento es construido entre docentes y estudiantes, re-construido a medias entre ellos/as y nosotros/as.

Por lo tanto en este modelo educativo el docente debe ser un experto en aprendizajes, atento y abierto a lo emergente, atento a la realidad. Debe coordinar, guiar, acompañar y apoyar a sus alumnos, aprovechar su creatividad docente, trabajar en equipo con otros docentes. Y sin lugar a dudad mantenerse siempre en continua formación y actualización.

En este nuevo contexto el aprendizaje puede ser más horizontal y más critico, cooperativo, democrático y basado en el respeto al sujeto. Un aprendizaje que quiebre las normas de homogeneización y que procura no didactizar los intereses de los alumnos. Ya que no se trata de convertir sus conductas, sus políticas de imagen, sus artefactos en objetos de estudio y disección, sino que se trata de partir de esos intereses pero para desde ellos abordar temas relevantes.

El producto final o productos finales de esta educación pueden ser muy diferentes. De tal modo que lo importante es que sea un producto “propio”, no una serie de fragmentos de textos, informaciones y/o imágenes recortados y pegados. Debemos de tener en cuenta que cuando los alumnos, después de reflexionar y/o investigar e/o informarse, son capaces de hacer una propuesta propia, han aprendido muchas cosas, como por ejemplo, a gestionar información, a darle sentido, a saberla exponer…, pero sobre todo han aprendido sobre el tema que investigaban.

En este modelo el alumno más que aventurar opiniones lo que hace es conocer. De manera que la opinión interesa si esta fundamentada. Y todo puede ser aprendido de modo artístico a través del arte.

Por todo lo dicho anteriormente estoy de acuerdo en señalar que la educación en artes visuales es fascinante, la cual nos enseña otra forma de entender la educación y la cultura visual. Pero, como bien señala José Pedro en las diapositivas, sólo es fascinante si no se queda en dibujar bien, expresarse o saber leer imágenes,  sino que va mucho más allá y explora como las personas construimos y comprendemos el mundo, la vida, la realidad o a nosotros mismos. De manera que la tarea de hacer una escuela nueva es ayudar a los alumnos a ser adultos y ciudadanos libres, autónomos y capaces de pensar pos sí mismos, de decidir y de escribir sus propias vidas.

11/05/10

Teoría

Núcleo 4: De la programación a la evaluación en Educación Artística

Mapa conceptual

Mapa Conceptual Núcleo 4

En la clase teórica de hoy comenzamos el núcleo 4 que tiene como título De la programación a la evaluación en Educación Artística.

Una de las principales razones por las que hay que evaluar, es que la evaluación es uno de los aspectos más importantes del proceso educativo, el cuál, es fundamental para poder mejorar el proceso educativo. La evaluación es mucho más que medir el rendimiento de los alumnos, ya que sirve para mejorar tanto el aprendizaje de los alumnos, como los procesos de enseñanza-aprendizaje, como la programación.

El maestro evalúa al alumno, para informarle de cómo va su proceso de aprendizaje, para orientarle sobre cómo mejorar y afianzar el aprendizaje, para ayudarle a aprender cómo debe él mismo autoevaluarse y cuando sea necesario, también para emitir una calificación.

Hay que desarrollar un tipo de evaluación basada en el diálogo y la negociación. Como señalaba Freire (1998), el diálogo es la forma de relación humana y social, y el medio de transformación del hombre y del mundo. Por lo tanto, aunque las partes implicadas en el diálogo no sean necesariamente iguales en autoridad, debe existir una cierta simetría, porque cada una tiene algo que aprender de la otra y algo que enseñarle.

También hay que tener siempre en cuenta que la evaluación debe abarcar la totalidad del proceso educativo, para poder valorar su funcionamiento y continuamente irlo redireccionando. Por eso la evaluación no es solo medir o recoger información, sino también valorar la información recogida.

Si nos preguntamos cuándo hay que evaluar, podemos distinguir tres fases en la evaluación. La evaluación inicial, la formativa y la sumativa.

La evaluación inicial o diagnóstica tiene como finalidad conocer los conocimientos previos del alumnado, lo cual nos permitirá adecuarnos a la realidad las expectativas del alumnado, también nos permitirá conocer preconcepciones y errores muy interiorizados, y nos posibilitará recoger evidencias sobre el modo de aprender del alumnado.

Esta evaluación inicial puede referirse a un curso, una unidad, un tema, un determinado proceso, etc. y no tiene por qué ser formal. Puedo utilizar la conversación, el debate, una pequeña prueba, un ejercicio antes de abordar la cuestión, etc.: cualquier cosa que me ayude a “conectar” con los alumnos. Puede ser incluso muy “informal”, y aprovechar cualquier ocasión: hablar sobre las vacaciones, sobre un programa, etc.

Este concepto cobra importancia desde el punto de vista constructivista, ya que esta modalidad de evaluación permite averiguar las ideas previas de los alumnos respecto a un determinado tema, lo que permitirá a su vez, diseñar la enseñanza teniendo en cuenta dichos conocimientos, de manera que los alumnos puedan construir explicaciones de la realidad cada vez más ajustadas a los datos que obtienen de la experiencia.

Las creencias que el alumno ha interiorizado suelen ser muy resistentes al cambio, por lo tanto, es fácil que después del proceso educativo subsistan ideas, conceptos o praxis previas y erróneas que, en teoría, deberían haber sido sustituidas por otras “correctas”. Como solución, una buena evaluación inicial ayuda a evitar que las creencias erróneas frustren el proceso educativo o lo hagan irrelevante, y ayuda a adaptarnos a la realidad del aula.

Por ejemplo, un error típico de los estudiante es pensar que el dibujo (el arte en general) es algo “con lo que se nace”, pero esto no es así, cualquiera puede aprender a dibujar, pintar, modelar, etc. Además, hoy día hay medios tecnológicos que permiten trabajar artísticamente a cualquiera con gran facilidad.

En cuanto a la evaluación formativa, lo que pretende es modificar y perfeccionar, durante el mismo proceso a evaluar, todo lo que se aleje de las metas fijadas. En su planteamiento formativo, la evaluación es usada para apoyar o reforzar el desarrollo continuado de un programa o una persona, con el fin de provocar la reorientación de la conducta de cada uno. En educación supondría evaluar el proceso completo que el alumno sigue en sus tareas, para introducir, sobre la marcha del mismo, las modificaciones oportunas, que podrán referirse a la intervención del profesor, al ajuste de la temporalización, al cambio de actividades, etc.

Por lo tanto este tipo de evaluación es continuada y se realiza durante todo el proceso, teniendo como objetivo sacar a la luz todo lo que sucede, de manera que nos sirva para entender, corregir y mejorar tanto el alumno, como el docente, como el proceso educativo.

La evaluación no debe ser nunca una sanción, ya que se debe dejar abierta la puerta a que el alumno pueda mejorar. Por lo tanto, la evaluación formativa no sirve para controlar o sancionar a los alumnos, sino para ayudarles en su aprendizaje.

Así que, si, por ejemplo, en el transcurso de la evaluación formativa, advertimos que los alumnos siguen teniendo problemas con conceptos, técnicas, procedimientos, etc., lo lógico será facilitarles actividades e información que les ayude a mejorar en este aspecto, o bien aprovechar la calificación para que ellos conozcan sus “puntos flacos” y sus aciertos.

En principio, de lo que jamás se trata es de emitir una calificación “definitiva”, especialmente si esta es negativa

Este tipo de evaluación requiere aplicar estrategias e instrumentos diversos que permitan determinar el punto donde se encuentra el alumno antes de plantear una nueva situación de aprendizaje. La práctica de esta evaluación se concreta, frecuentemente, con el uso de la observación sistemática, con el fin de facilitar la obtención de información que permita actuar en el proceso de desarrollo de las capacidades del alumnado.

En cuanto a la evaluación sumativa, se plantea como el proceso de síntesis de un tema, un curso o un nivel educativo, siendo el momento que permite reconocer si los estudiantes han logrado los resultados esperados. Este tipo de evaluación, además de materializarse en una calificación sobre los alumnos, debe servir para reflexionar sobre el proceso educativo al que corona.

La evaluación sumativa tiene como objetivo fundamental el control de los resultados de del aprendizaje. Ha de permitir determinar si se han conseguido o no, y hasta qué punto, las intenciones educativas previstas. Nos permite emitir juicios de valor sobre la validez del proceso seguido y sobre la situación en la que se encuentra cada uno de los alumnos en relación con la consecución de los objetivos propuestos. Además, la información que nos proporciona la evaluación final, nos ha de servir para reorientar y mejorar el proceso de aprendizaje y para detectar necesidades propias de aquellos alumnos que requerirán el diseño de un tipo específico de intervención pedagógica. Ha de ir muy estrechamente vinculada con la formativa, ya que ha de permitir el análisis y la valoración de todo el proceso educativo.

Para señalar las nuevas concepciones sobre la evaluación, antes, es importante recordar que aprender no suele ser igual a repetir, ya que normalmente el aprendizaje repetitivo no va más allá de una memoria a corto plazo, y se olvida inmediatamente después de la prueba de turno. También hay que recordar que una prueba de evaluación no debería consistir únicamente en comprobar la memoria imitativa.

Estoy totalmente de acuerdo con esto ya que he podido comprobar personalmente como se me ha olvidado todo lo aprendido cuando lo he estudiado como un “loro” repitiendo letra por letra lo que ponía en el texto. Y lo peor es que muchos de los profesores que he tenido solo se han limitado a evaluar el aprendizaje repetitivo, de manera que, cuanto más parecido estuviese lo escrito a lo que pone en el libro de texto mayor sería la nota. Y en el caso de que escribas lo mismo con tus palabras vas a tener menos nota que el que ha puesto hasta las comas como aparecían en el texto ha estudiar.

Por lo tanto creo que muchos profesores no tienen en cuenta el grado de asimilación de los contenidos, ni tampoco se preocupan por que se de un aprendizaje significativo en sus alumnos, solo se preocupan de que se sepan de memoria los contenidos.

Sin embargo, parece que algo esta cambiando, ya que como señala Hernández, hay cuatro grandes concepciones sobre evaluación que están cambiando.

Algunos de los principales cambios son:

-         De la preocupación sobre cómo recordar información se ha pasado al interés sobre cómo transferirla a otras situaciones.

-         De destacar la importancia de saber aplicar fórmulas previamente aprendidas o memorizadas para resolver problemas, se ha pasado a la necesidad de plantearse problemas y encontrar estrategias para resolverlos.

-         De dar importancia a los resultados se ha pasado a poner el interés en los procesos de aprendizaje de los alumnos.

-         De la valoración de la cantidad de información, la recitación memorística y la erudición se esta dando lugar a destacar la importancia del saber como capacidad para buscar de forma selectiva, ordenar e interpretar información, para darle sentido y transformarla en conocimiento.

Personalmente creo que estos cambios son muy necesarios en la escuela actual, ya que, como ya he dejado claro, para conseguir un aprendizaje significativo los alumnos no se pueden limitar sólo a memorizar datos. También creo que es fundamental que el alumno sepa transferir lo aprendido a otras situaciones, pero sobre todo a situaciones de su vida cotidiana, para que así, las pueda relacionar, de esta manera se habrá producido un aprendizaje significativo. Por eso la mejor forma de evaluar lo aprendido no es siempre a través de un examen.

En una sociedad donde todo cambia sin cesar, lo importante no es saber hacer o repetir bien algunas cosas. Lo importante es ser capaz de transferir lo que sabemos a situaciones que no paran de cambiar. Es fundamental que los alumnos sean capaces de hacerlo, ya que en un futuro, en un mercado de trabajo cada vez más competitivo, es necesario saber adaptar lo que sabemos a cada situación en la que nos encontremos.

Es fundamental enseñar a los alumnos a problematizar, de manera que hay que saber problematizar las imágenes y lo visual, y estudiarlo en su complejidad.

Por lo tanto no es suficiente con saber determinadas cosas, sino que es necesario saber plantearse problemas nuevos, y poderlos resolver. Como ya he dicho antes, esto es fundamental para entrar con posibilidades en un mercado de trabajo tan competitivo como el actual. Esto queda reflejado en que antiguamente, cuando alguien aprendía una profesión, ya la sabía para el resto de su vida, en cambio, actualmente los perfiles profesionales no paran de cambiar, y es necesario aprender a hacer cosas nuevas y a plantear cuestiones nuevas. Además, hay que saber problematizar la realidad, ya que es imprescindible para ejercer la libertad.

Problematizar la realidad, nos ayudará a comprender muchas cosas que no “vemos” a simple vista, nos mostrará que hay detrás de las cosas, dejando ver intereses, relaciones de poder, etc. que nos ayudaran a comprender mejor el mundo y por lo tanto a ser más libres.

Es muy importante que a la hora de evaluar a los alumnos no nos centremos solo en los resultados, sino que tengamos también en cuenta otros aspectos, como por ejemplo la evolución del alumno a lo largo del curso, el esfuerzo, el interés, etc.

Por ejemplo en una competición deportiva lo único que nos importa es el resultado de la prueba final, pero educarse no es así. De manera que tan importante como el resultado de las pruebas finales, de los exámenes, de los ejercicios, es la totalidad del proceso de aprendizaje del alumno.

Otro aspecto fundamental de la evaluación es que implique que el alumno pueda reflexionar sobre lo que ha hecho, sobre lo que ha construido, sobre su propio proceso de aprendizaje y su evolución. El alumno tiene que ser capaz de dar sentido a su propio caminar y tiene que ser capaz de problematizar y analizar lo que él mismo hace.

Lo que debemos de tener en cuenta es que aprender a aprender es una de las competencias mas importantes que hay que desarrollar para la educación de hoy en día. Sin embargo, aprender a aprender es muy difícil, ya que cada cinco años se dobla el conocimiento.

Es muy importante desarrollar esta competencia porque la mayor parte de los conocimientos que nuestros alumnos utilizarán cuando sean adultos todavía no se han creado, están por descubrir o inventar. Los conocimientos que nosotros les damos en la escuela, salvo algunos muy básicos como aprender a leer, serán superados en un futuro por otros que ellos tendrán que ser capaces de aprender solos.

También es necesario que el alumno aprenda a hacer las cosas bien, y a manejar de la mejor manera posible herramientas y técnicas. Por lo tanto, se trata de un adiestramiento de su motricidad fina y de su capacidad de planificar, organizar, hacer y culminar. Pero hay que relativizar la importancia de las técnicas en sí mismas, porque lo importante es lo que se aprende con ellas, no la técnica en sí misma.

Esto último es evidente, pero ahí profesores que se preocupan sólo de la perfección en el manejo de las herramientas y dejan de lado todo lo demás.

Pero cada vez es más importante no sólo saber muchas cosas, sino sobre todo saber buscar y procesar información para obtener conocimiento relevante. Saber comprender y dotar de sentido a la información “en bruto” que recibimos.

Por lo tanto, es importante recoger esa información par obtener nuestra propia perspectiva, la cual la hemos generado a partir de toda la información procesada.

Terminando con este día, sólo me queda señalar, que como futuros maestros debemos tener siempre presentes los cuatros conceptos que señala Fernando Hernández ya que son fundamentales para la evaluación. Y debemos tenerlos siempre en cuenta, independientemente de los criterios de evaluación concretos que estemos aplicando.

11/05/10

Práctica

En la clase práctica de hoy estuvimos trabajando en la construcción de la narración final. El mensaje que queríamos transmitir era el de la influencia de la publicidad, también queremos criticar que muchos de la publicidad existente es engañosa, ya que te muestra algo que al final no se corresponde con la realidad.

También estuvimos pensando dónde y cómo íbamos a realizar las escenas y también como se iba a caracterizar cada personaje.

Nosotros quisimos hacerlo divertido, pero la verdad es que al final nos quedó un video con demasiadas palabrotas y quedo un poco basto. Pero bueno, nos hemos divertido bastante haciendo el guión y hemos intentado que quede claro el mensaje.

Al final los personajes que decidimos fueron los siguientes:

-          Manuel Rodríguez Fernández (Paco, el obrero)

-          Iván Seisdedos Alcaide (El chulo)

-          Daniel Prieto Castilla (Doctor Amor)

-          Ramón Vázquez Mancha (El paqueta)

-          Manuel Ángel Morales Chornet (El tartaja)

El diálogo que realizamos hasta el momento fue el siguiente:

Doctor Amor (DA), anunciando su ayuda por TV: – ¿Os sentís solos? ¿Queréis despertaros al lado de alguien todas las mañanas? ¿Queréis formar una familia en el futuro? No dejes pasar esta oportunidad. Ha llegado a su ciudad el Doctor Amor.

-          Los cinco primeros en llamar al 959696969 recibirán un kit completo del amor, que incluye preservativos, lubricantes y otros tipos de objetos sexuales. Recuérdalo, no pierdas la oportunidad, llama al Doctor Amor.

El chulo (C) habla con el paqueta (P) sobre el curso, además de un amigo (A), al que le preguntan si van a acudir al curso.

C: – ¡Qué mierda de vida tío¡

P: ¿Eh?

C: La puta esta de la Nati que me ha “dejao”

A: – ¡Qué pasa poche!

C: – Illo, torero

P: – Illo, ¡qué dices tío!

C: – ¿Esto es lo que has encontrado más cerca de la universidad, no?

A: – No ni na

C: – ¡Qué vergüenza!

C: – Escúchame paqueta

P: – ¿Qué?

C: – ¿Viste el otro día el anuncio ese del Doctor Amor?

P: – ¿Qué anuncio?

C: – El cursito que te ayuda a meterla

P: – ¡Enga ya!

C: – Te lo juro, ¿te vienes conmigo o qué?

P: – Pero, ¿allí se puede fumar?

C: – Supongo, ¿no?

P: – Po allí estoy yo contigo donde haga falta

C: – Enga

C. Dirigiéndose al amigo. – Tú qué cabeza, ¿te vienes?

A: – Yo no voy. Eso a mí no mee hace falta.

C: – Tú vas sobrao de dinero, ¿no?

A: – Que me llevo un mes sin mojarla, maquilo (refiriéndose a pagar).

C: – ¡Qué hijo de puta!

Unas horas después, entran en la oficina del Doctor Amor, se saludan y el Doctor Amor les da información sobre el curso, les explicita los horarios y les da una ficha explicativa sobre el curso. El amigo del paqueta y del chulo le dice al Doctor que a él ese curso no le hace falta, y, aunque el Doctor intenta convencerle, no lo consigue y este no asistirá al curso. Al final, se citan para el día en el que comiencen las clases. Antes de salir, el paqueta le pide un cigarro y el Doctor contesta que no fuma.

Este la parte del diálogo que desarrollamos en está clase práctica. Como hoy era el último día para trabajar en clase con este trabajo y no lo hemos terminado, seguiremos preparando el diálogo y la grabación por las tardes.

18/05/10

Teoría

En la clase teórica de hoy continuamos con la evaluación, y vamos a empezar tratando el punto cuatro ¿Qué evaluamos?

Para empezar debemos tener en cuenta que al evaluar, no debemos nunca calificar o juzgar a las personas, ni tenemos que considerar nuestra evaluación, ni la calificación que demos, como un juicio definitivo e infalible. Tampoco debemos usar la evaluación como un modo de presionar excesivamente o humillar al alumno, procurando no establecer comparaciones innecesarias entre los alumnos.

Aun así, creo que esto sucede demasiado en educación, ya que he podido vivir personalmente como hay profesores que te califican para siempre, de manera que para ellos no puedes cambiar, no hay opción de cambio. He tenido maestros que incluso te “machacan” diciéndote que no vas a llegar a ser nada en la vida o que incluso te dicen que la única opción de futuro que te queda es irte al campo a trabajar.  A mi personalmente me ha pasado esto con varios profesores, y la verdad es que desmotiva bastante que te digan algo así.

Muchos profesores piensan que se imponen por su valia, imponiendo su poder. Estableciendo dinámicas de a ver quién puede más.

Por lo tanto un error que jamás debemos cometer es calificar a las personas.

Ha habido muchas personas a lo largo de la historia que han sido equivocadamente encasillados por sus profesores, diciéndoles que nunca llegarían a nada, o calificándolas negativamente para siempre, y al final se han convertido en genios. Como por ejemplo Einstein, el cual fue encasillado por muchos de sus profesores, ya que desde sus comienzos, demostró cierta dificultad para expresarse, por lo que aparentaba poseer algún retardo que le provocaría algunos problemas.

“Su paso por el Gymnasium (instituto de bachillerato), no fue muy gratificante: la rigidez y la disciplina militar de los institutos de secundaria de la época de Bismarck le granjearon no pocas polémicas con los profesores: «tu sola presencia mina el respeto que me debe la clase», le dijo uno de ellos en una ocasión. Otro le dijo que «nunca llegaría a nada».

El colegio no lo motivaba, y aunque era excelente en matemáticas y física, no se interesaba por las demás asignaturas.”

http://es.wikipedia.org/wiki/Albert_Einstein

A pesar de estos problemas, todos sabemos hasta donde llegó Einstein, el cual, a pesar de sufrir la descalificación por parte de varios profesores, ha sido uno de los genios de nuestra historia. Sin lugar a dudas, Einstein sufrió un caso claro de mala praxis docente. Por eso un profesor no debe ponerle nunca límites a un alumno, sino que es el alumno el que tiene que marcar hasta dónde quiere llegar.

Pero Einstein no fue el único caso, también ha habido otros grandes genios que han sufrido en su juventud la mala praxis docente, como por ejemplo Van Gogh, Rodin, Matisse, etc.

Antes de convertirse en un genio de la pintura, Van Gogh, sufrió la descalificación de sus pinturas por parte de muchas personas, incluidos maestros, de tal manera que la calidad de sus obras solo fue reconocida en gran parte después de su muerte.

Van Gogh sufrió tanto la crítica de maestros de la pintura como de sus amigos, por ejemplo en el cuadro Los comedores de patatas, uno de sus principales amigos realizó la siguiente crítica:

“Estarás de acuerdo conmigo en que este trabajo no se puede tomar seriamente, Por fortuna eres capaz de mucho más. Pero, ¿por qué todo lo observas y lo tratas superficialmente, de la misma manera? ¿por qué no estudias minuciosamente los movimientos?. En este cuadro los personajes posan. La mano de la mujer del fondo…!qué poco real! ¿Y qué relación hay entre la cafetera, la mesa y la mano que toca el asa?. ¿Qué función hace esta cafetera? No se mantiene, tampoco la sujetan, entonces, ¿qué? ¿Y por qué el hombre de la derecha no tiene rodillas, ni vientre, ni pulmones? ¿O quizá los tiene en la espalda? ¿Por qué a su brazo le falta un metro de largo, por qué le falta la mitad de la nariz? ¿Por qué la mujer de la izquierda tiene por nariz un mango de pipa acabada en un dado? ¿Y aún te atreves, con esta forma de trabajar, citar a Millet y a Breton? El arte es demasiado elevado para poderlo tratar con tanta negligencia.”

http://es.wikipedia.org/wiki/Van_Gogh

Otro ejemplo es el de Rodin, el cual tardó mucho en dar muestra de su talento, y de hecho fue suspendido y menospreciado cuando quiso entrar en la gran escuela de Bellas Artes, teniéndose que conformar con un nivel de estudios más bajo. A pesar de la ceguera de sus profesores, llegó a ser el escultor más importante de su época, y en general uno de los artistas de más interés de la historia del arte.

Sin embargo, el caso de Matisse es distinto, porque no alcanzó su maestría hasta cerca de los 40 años. Un profesor corriente le hubiera invitado mucho antes a abandonar el arte, pero afortunadamente Matisse perseveró. De tal manera que a su muerte era uno de los pintores más importantes de la Modernidad.

Lo que esta claro es que podemos encontrar muchos otros ejemplos, tanto de grandes personajes que fueron fracasos escolares como de grandes personajes que fueron excelentes alumnos. Con estos ejemplos no hay que pensar que sea imposible evaluar, sino que nos deben servir para darnos cuenta de que no hay que calificar a las personas, y que la evaluación no es un juicio definitivo. Por lo tanto, es necesario confiar en los alumnos y a veces dudar un poco de nuestra propia opinión.

Un maestro no debe encasillar nunca a ningún alumno, y debe ser consciente de que todo puede cambiar en una persona, ya que estamos constantemente cambiando, y puede que ese niño que consideramos mal estudiante acabe convirtiéndose en un genio. Si el maestro lo encasilla está frustrando la progresión de ese alumno, y esta evitando que se produzca un cambio en él, de tal manera que el maestro no le da la oportunidad de cambiar, ya que está “cegado” por su opinión.

No debemos olvidar nunca que la misión de la evaluación es informar, y sobre todo ayudar al alumno a mejorar. Lo que Rodin, Matisse o Einstein necesitaban no eran profesores que les dijeran que eran torpes o que no sabían hacer las cosas, sino que lo que necesitaban ellos y necesitan nuestros alumnos son profesores que les dijeran cómo hacer las cosas, cómo mejorar, dónde se estaban equivocando, es decir que les pusieran ejemplos de cosas bien hechas. Necesitan maestros y maestros que utilicen la evaluación como medio de mejora del alumno, y no como amenaza.

Por ejemplo, si un dibujo o varios están mal, podemos decir: “éste, o éstos dibujos están mal, por esto y por aquello y lo puedes mejorar de esta manera”. Incluso podemos hacer una crítica muy dura de lo realizado, pero aportando siempre posibles soluciones y confianza. Pero lo que nunca debemos decir son frase como, “no sabes dibujar”, “dibujas mal”, “no sirves para esto”, “es que no te enteras nunca”, etc.

Yo he tenido varios maestros de plástica que te mandan las típicas actividades de cuadernillo de trabajo, y cuando te las corrigen te dicen que están mal, pero no te ofrece soluciones para cambiarlo, ni te dicen porque está mal, ni siquiera te da una explicación que te ayude. Esto hace que el alumno se hunda y pierda toda la motivación e interés que tenga hacia la asignatura. El alumno acaba pensando que si va a estar mal de todas formas, ¿para qué lo va a hacer?, además el maestro no le ofrece ninguna solución y las que él propone están todas mal. La verdad que una actitud así, acaba desmoralizando a cualquier alumno, provocando que la clase de plástica se convierta en un verdadero tormento. Con maestros así, el alumno ni siquiera quiere acudir a las clases, y le crea ansiedad el momento de que el profesor corrija  sus trabajos. Sin lugar a dudas una actitud  así del maestro no va a provocar que el alumno mejore, sino todo lo contrario, de manera que va a dejar la autoestima y la motivación del alumno por los suelos.

También es importante no hacer juicios generales a partir de datos excesivamente particulares. Ya que un alumno puede ser muy torpe con alguna técnica o algún procedimiento, o no saber un tema, pero eso no significa que vaya a ser muy torpe en general o mal estudiante. Hay que tener en cuenta que es muy frecuente que alumnos/as poco destacados en alguna cosa, sin embargo sean excelentes en otras. Por lo tanto debemos evitar, que, viendo sólo algunos trabajos, decidir si un alumno/a es torpe, o habilidoso.

Un maestro debe tener siempre en cuenta que es necesario fundamentar los criterios de evaluación. Por eso lo primero que debemos plantearnos es qué modelo de educación estamos implementando. De manera que debemos saber realmente qué queremos que aprendan los alumnos y plantearnos qué modelo de educación artística vamos a usar, ya que cuando sabemos qué es lo que lo queremos que los niños aprendan podemos establecer los criterios de evaluación oportunos.

Como norma general para establecer nuestros criterios de evaluación, debemos atender a cuáles son las competencias y los objetivos que pretendemos alcanzar. Es necesario pensar antes qué y para qué queremos enseñar, y en función de eso establecer los criterios de valoración.

En cuanto a los criterios de evaluación que podemos usar, se basan en:

  • Competencias generales y criterios básicos.
  • Atender los criterios de evaluación que vienen en la ley, en el diseño curricular.
  • Completarlos en nuestra programación con criterios de evaluación y calificación más concretos y adaptados a nuestros alumnos y nuestro contexto y al aprendizajes real que queremos conseguir, de tal manera que estos criterios los fijamos nosotros.
  • Matizarlos y complementarlos con las indicaciones que sobre evaluación nos dan los especialistas en la materia a través de libros, congresos, cursos, etc.

Además de los criterios básicos es aconsejable establecer algunos criterios comunes a todos los ejercicios y actividades, como por ejemplo:

  • Una adecuada presentación de los trabajos, en todos los sentidos, estético, orden, congruencia, etc.
  • Una utilización razonable de las técnicas y procedimientos.
  • La aplicación práctica de los temas ya vistos en el curso.
  • La capacidad de transferir conocimientos a nuevas situaciones.

En cuanto a los criterios de evaluación del Diseño Curricular Base suelen ser muy generales y abiertos a la interpretación. Además, los del currículo español no son muy afortunados y están algo obsoletos, por lo que es necesario adaptarlos a la realidad actual de la educación artística. Por lo tanto, hay que completarlos con otras baterías de criterios generales.

En el DCB existen muchos criterios de evaluación redactados de manera inconcreta, de tal manera que en la práctica apenas nos sirven de nada, como por ejemplo el siguiente:

“Probar en producciones propias, las posibilidades que adoptan las formas, texturas y colores”.

Por lo tanto, este criterio del DCB tenemos que adaptarlo a nuestra programación concretándolo en criterios más específicos. Para ello, es necesario pensar antes para qué queremos que los niños utilicen estos elementos, es decir, qué y para qué estamos enseñando.  Para ello es muy adecuado completar y relacionar el criterio con otros.

Si no concretamos nuestros criterios de evaluación y decidimos para qué estamos evaluando, es imposible evaluar un trabajo o un examen. Si no tenemos claro los criterios, no se puede evaluar ya que sería inmoral e injusto.

Y es fundamental que los objetivos y criterios de evaluación estén en consonancia con el nivel educativo, la edad y el contexto de cada alumno. De tal manera que unos objetivos y criterios poco ambiciosos aburrirán a los alumnos/as. Pero si por el contrario son excesivamente elevados o les parecen absurdos, les desmotivarán y harán que se sientan incapaces de cumplirlos.

Por ejemplo, colorear libremente una lámina con sus personajes favoritos tal vez sea un excelente ejercicio para un niño de infantil, pero aburrir a uno de tercer ciclo de Primaria. Del mismo modo un ejercicio de colorear más complejo puede ser inasequible para niños muy pequeños y ser adecuado para uno mayor como ejercicio de apoyo. Por eso es preciso adaptarse al nivel de desarrollo de los alumnos cuando fijemos los criterios de evaluación.

Sin embargo hay veces en la que los criterios no nos sirven, como por ejemplo cuando un niño se encuentra en un nivel superior a lo habitual para su edad. Por lo tanto, probablemente ninguno de los criterios que estemos utilizando para evaluarlo contemple este aspecto. Por eso en casos como este, en el que el alumno se encuentra en un nivel superior para su edad, es especialmente complicado calificar el trabajo ya que debemos atenernos a los criterios establecidos, pero no podemos ignorar que el niño además consigue objetivos superiores a los esperables. Por lo que tendremos que tener en cuenta como cumple los criterios previstos, y además aparte valorar el avance que estamos observando.

Y para adaptarnos a los contenidos y objetivos de cada momento, deberemos priorizar unos criterios sobre otros, ya que si por ejemplo estamos trabajando el tema de la influencia de la publicidad en la identidad, el principal criterio de evaluación no puede ser la habilidad técnica o el uso del color.

Como futuros maestros, debemos ser conscientes de que todos los criterios de evaluación no tienen la misma importancia ya que no están referidos a aspectos de la misma importancia dentro del proceso de enseñanza-aprendizaje. El alumno trabaja con procesos de mayor relevancia cognitiva cuando es capaz de racionalizar su conocimiento, cuando es capaz de aprovecharlo para operar con procesos más complejos, cuando es capaz de transferirlos a otros procesos y problemas, cuando obtiene sus conocimientos de procesos de búsqueda y de investigación, etc.

Por lo tanto, Los criterios que utilicemos tienen que ser flexibles, para que puedan abarcar las distintas individualidades de nuestros alumnos y también las distintas culturas de las que parten y a las que pertenecen. Debemos tener en cuenta que hay niños, escuelas y familias muy diferentes, y como no podemos hacer una programación para cada alumno, los criterios tienen que tener un carácter flexible.

También hay que tener muy en cuenta el tema del gusto y la calidad estética a la hora de evaluar.

Aunque parezca mentira, muchas veces aplicamos mal los criterios de evaluación y evaluamos cosas distintas a las que deberíamos evaluar si nos atuviésemos a los objetivos que perseguimos. Por ejemplo, a menudo valoramos lo que nos gusta personalmente, o lo que conecta con nuestras opiniones, y esto es un gran error, ya que sólo es posible valorar con cierta objetividad algunos aspectos plásticos/estéticos de una obra, como son la limpieza del trazo, el uso del formato, el manejo de la técnica, etc. Y siempre dentro de unos márgenes amplios.

El maestro debe tener siempre presente que hay muchos aspectos que son bastante difíciles de valorar. De tal manera que tenemos que ser conscientes de que nuestro juicio sobre muchas de las cosas que apreciamos depende de nuestro gusto. Pero nuestro gusto no puede ser el criterio de evaluación que apliquemos, porque es radicalmente injusto, por eso es muy importante tener claros los objetivos que perseguimos, los criterios de evaluación que aplicaremos y aclarar a partir de que argumentos y razones se valora la calidad. Por lo tanto, nunca hay que olvidar que la valoración de la calidad estética o plástica de una obra no es algo enteramente objetivo, sino que depende de un acuerdo social y que varía con el tiempo.

Por ejemplo la obras de El Greco fueron despreciadas durante mucho tiempo hasta que en el siglo XIX llegó a ser considerado uno de los mayores genios de la pintura.

Como maestros no podemos juzgar un modo de pintar porque nos guste más o menos que otros, sino que debemos ser conscientes de la variabilidad del juicio estético. No debemos caer en errores del pasado, cuando se consideraba que una manera de pintar era mejor que otra. Por ejemplo en el siglo XIX el modo de pintar académico se creía mejor que las pinceladas sueltas que daba Monet, las cuales se consideraban una torpeza, sin embargo, en el siglo XX esa técnica suelta e impresionista pasó a considerarse un aspecto fundamental de la pintura.

Otro ejemplo puede ser El Guernica de Picasso, la cual es una obra muy bien valorada no sólo por su calidad plástica y estética indudable, sino también por otro tipo de razones relacionadas con su significado (su “guión”), su relevancia histórica, su relación con obras de la misma época, su influencia en obras posteriores, los significados que ha ido asumiendo a lo largo de los años, etcétera. De tal manera que las cosas valen lo que valen por las relaciones que se establecen alrededor.

Como en las obras de los adultos se juzga la calidad estética y plástica a partir de unos determinados argumentos, nosotros podemos trabajar con los alumnos de igual manera.

Por lo tanto es importante que los alumnos conozcan cómo se juzgan las obras de los adultos, y también qué argumentos o qué razones pueden tener en cuenta a la hora de evaluar sus propias obras.

Es muy interesante que enseñemos a los alumnos a valorar sus obras a partir de comentar con ellos los aspectos con los que valoramos las obras de los demás, especialmente de los artistas conocidos.

En cualquier caso, la búsqueda de la calidad debe ser una constante en el mayor número posible de aspectos de la obra. Pero sabiendo que, como ocurre con las obras de los artistas adultos, nuestra valoración no debe depender del gusto personal, sino de los argumentos que tienen que ver con la obra.

Por lo tanto como conclusión de este apartado, hay que señalar que deberemos tener en cuenta que habrá niños con gustos muy distintos  y que no todos tienen que pintar como nos guste. Debemos dejar que en el aula penetre tanto lo que nos gusta como lo que no nos gusta.

Tenemos que darnos cuenta que los criterios de valoración del arte son muy relativos. Y que los cuadros son algo relativo de lo que podemos aprender, teniendo siempre en cuenta que la historia del arte está construida conforme a los gustos de los que la han elaborado.

Y por último, señalar, que muchas veces pensamos que somos objetivos evaluando, pero realmente no lo somos la mayoría de las veces.

Siguiendo con la evaluación, hay que decir, que el profesor debe evaluar tanto los datos como los conceptos, los procedimientos, las actitudes y los procesos.

De tal manera que no solo basta con evaluar los datos, ya que no son suficientes si al final no hay una comprensión del cuadro. Estos datos son conocimientos que simplemente hay que saber, los cuales son normalmente objetivos. Aunque debemos explicarlos, es necesario que el estudiante los conozca automáticamente.

Evaluar su conocimiento es bastante sencillo, con pruebas objetivas. Este tipo de pruebas sirven para medir algunos aspectos del aprendizaje, pero probablemente por sí solas no aporten información suficiente, ya que saber el título de este cuadro, o el nombre de su autor, por sí sólo no sirve de nada. Tal vez sea más interesante conocer por qué las personas del renacimiento tenían tanto interés en ser retratadas, o el valor de la mirada en los retratos, o la importancia del conocimiento pictórico a la hora de representar espacio, o el modo que tenían las personas de aquella época de entender la belleza, o el papel de la mujer en ese momento histórico, o cómo el modo de vestirse y mostrarse es un reflejo del concepto de identidad, etc.

Pero los datos aislados, por muy bien memorizados que estén, no son útiles. Por lo tanto es necesario enseñar a los niños a operar con lo datos, para que los alumnos construya conceptos correctos. Lo importante es que los datos puedan ser utilizados en la comprensión e interpretación de la realidad en toda su extensión. Por eso los conceptos no son tan fáciles de evaluar como los datos o hechos, y frecuentemente tendremos que usar más de un instrumento evaluador para saber realmente si los alumnos han aprendido y si su aprendizaje es relevante.

En cuanto a los procedimientos, a la hora de evaluarlos debemos tener presente que hay procedimientos que también se pueden evaluar con pruebas concretas y objetivas, pero cuando el proceso se complica ya no es tan fácil evaluar. Por lo tanto, normalmente hay soluciones distintas y muchos factores distintos que valorar.

Evaluar los procedimientos no es sencillo ya que es fácil caer en la arbitrariedad, o sin darnos cuenta estar evaluando no lo que decimos que evaluamos, sino otra cosa. Por eso es fundamental establecer claramente los criterios de evaluación y su jerarquía, además de establecer su relación con otros aspectos del proceso educativo. Y tener siempre en cuenta que en educación artística los objetivos son abiertos, porque sabemos hacia donde queremos que los alumnos vayan, pero no exactamente qué van a conseguir.

El maestro debe conocer los criterios sobre procedimientos que son importantes, teniendo en cuenta que las técnicas y los procedimientos de creación artística son muy importantes en educación artística. Pero teniendo también en cuenta que hay otros procedimientos que también son importantes, como:

  • Los relacionados con la búsqueda y utilización de información.
  • Los procedimientos de diálogo, de comunicación, de intercambio de información e imágenes, etc.
  • La utilización adecuada del lenguaje para el análisis, comentario, discusión sobre los artefactos artísticos, así como para la elaboración de narrativas, trabajos, etc.
  • La capacidad para argumentar y reflexionar sobre el propio trabajo.

En cuanto a las actitudes, debemos tener en cuenta que es muy complejo evaluar y calificar las actitudes de un alumno. Por lo tanto debemos evaluar aspectos actitudinales generales como por ejemplo la perseverancia, el interés, el esfuerzo, la solidaridad con los compañeros, la convivencia, etc., pero también evaluar las actitudes específicas de la ecuación artística.

Algunas de las actitudes más importantes en educación artística son las siguientes:

  • Capacidad de análisis y comprensión crítica de la realidad, y específicamente de las artes visuales.
  • Actitud investigadora, de búsqueda activa, sobre todos los ámbitos de la visualidad.
  • Capacidad de problematizar, cuestionar, interrogarse, buscar y encontrar la complejidad.
  • La creatividad.

En cuanto a la creatividad, debemos tener presente que es un tema complejo que merece un estudio aparte. La creatividad es muy importante porque favorece el pensamiento complejo, y el pensamiento divergente. Por lo tanto es una cualidad imprescindible en el mundo actual ya que saber encontrar soluciones es fundamental en el mercado laboral actual. Además, ser creativo es imprescindible para adquirir una personalidad sana.

Sin embargo, es preciso no confundir creatividad con novedad u originalidad, ya que a menudo van unidas, pero no es imprescindible que sea así. Tampoco interesa principalmente la novedad por la novedad, aunque es importante fomentar que los alumnos busquen soluciones nuevas.

Por lo tanto, para evaluar la creatividad es importante:

  • Que responda a un problema o reto relacionado con los objetivos, de manera que sea una creatividad aplicada a la resolución de situaciones y problemas.
  • Valorar la idoneidad de la solución o soluciones propuestas, además de su originalidad, rareza o atractivo.
  • Valorar la capacidad para ofrecer soluciones distintas y no una única, aunque rara, solución.
  • Valorar la actitud del alumno para aprovechar oportunidades, sugerencias, cosas que otros no ven o para encontrar retos y posibilidades donde los demás no ven nada o sólo problemas.

Por todo lo dicho, queda claro que es fundamental usar actividades que fomenten la creatividad, la búsqueda de soluciones distintas, la búsqueda de lo complejo, etc.

Y siempre que podamos, compartiremos juntos reflexiones en torno a los trabajos, y trabajaremos con polialfabetismos, es decir utilizando no sólo imágenes, sino también textos escritos, sonidos, músicas, el cuerpo, etc. Tratando de acostumbrar a los alumnos a ver con respeto lo que hacen unos y otros y  a aprender de los demás.

En cuanto a las formas de evaluar, fundamentalmente existen dos maneras, una es evaluando mediante instrumentos puntuales y la otra es evaluando procesos.

Los instrumentos puntuales pueden ser exámenes, cuestionarios, entrevistas, etc., los cuales nos van arrojando una serie de “hitos”, con respecto a los cuales valoraremos el proceso.

Pero también pueden ser instrumentos que recogen el proceso en devenir, entre los cuales podemos encontrar el diario del profesor y el diario de los alumnos. El portafolio es otro instrumento que también recoge el proceso completo y permite una reconstrucción del proceso seguido y del aprendizaje. Todos estos instrumentos recogen el proceso de una manera más completa pero suponen una notable carga de trabajo adicional para el docente.

Centrándonos en los instrumentos puntuarles, hay que señalar que son útiles todos los instrumentos comunes a otras asignaturas, como exámenes, fichas, cuestionarios, etc., pero en educación artística son especialmente importantes las producciones artísticas de los alumnos, es decir, sus obras.

Las obras de los alumnos son muy importantes, ya que haciendo obras de arte escolares, aprenden a mirar, pensar y trabajar como productores de imágenes, no sólo como espectadores, y esto enriquece mucho su comprensión y les puede ayudar a adquirir una actitud autocrítica positiva.

En sus obras los alumnos pueden utilizar todas las imágenes y fenómenos de la visualidad que han visto dentro y fuera de la escuela, es decir, pueden transferir sus conocimientos a un nuevo objeto, que es propio, no una simple repetición o imitación.

Además de todo esto, es muy importante que los alumnos realicen sus propias obras ya que facilita a los alumnos el disfrute estético y el juego, además de que son un ejercicio para el desarrollo de destrezas, aprendizaje de hábitos de orden, procesos, etc. Y también son un excelente modo de aprender maneras distintas de expresarse y comunicarse, y un excelente modo de trabajar en la construcción de su identidad.

Por lo tanto debe quedar bastante claro que el trabajo plástico es un modo de aprendizaje que no se puede sustituir con otro tipo de trabajos.

Pero la educación artística no consiste sólo en hacer trabajos plásticos. Tan importante como éstos es trabajar comentarios, proyectos de trabajo basados en la investigación, visitas bien preparadas a exposiciones y lugares patrimoniales, etc., ya que en ellos tiene especial importancia el uso del lenguaje.

El lenguaje tiene una gran importancia en ecuación artística, ya que la comprensión de lo visual y plástico no puede ser valorada sólo a través de producciones plásticas y visuales, por lo tanto se hace fundamental reivindicar el papel del lenguaje, oral y escrito, en educación artística. Para desarrollarlo, no es ningún problema combinar ejercicios y estrategias basadas en el lenguaje, con otras basadas en la elaboración de dibujos u otros artefactos.

Centrándonos ahora en los instrumentos que recogen un proceso, los cuales también son llamados instrumentos biográficos, hay que señalar que, como hemos dicho antes, los más conocidos son el cuaderno del alumno y el cuaderno del profesor. Pero también es muy interesante el portafolio, el cual suele estar unido a procesos de enseñanza basados en el trabajo por proyectos.

En cuanto al cuaderno del alumno, debemos tener en cuenta, que es mejor cuando no se limita a reproducir lo expuesto en clase, sino que da voz al alumno, le empuja a investigar, le facilita que re-construya su propio conocimiento, le invita a establecer relaciones con otros saberes y con su propia vida y afectividad, le permite ser creativo, etc. Lo que es muy recomendable, en todos los casos, que el procedimiento incluya la reflexión del alumno sobre lo que ha hecho, bien sea a lo largo de todo el cuaderno, en momentos puntuales, al final o, incluso, mediante la inclusión de actividades donde ellos tengan que aplicar lo que han hecho. Teniendo en cuenta siempre, que un excelente modo de aprender es tener que enseñar a otros lo aprendido.

En cuanto al portafolios, su función es la de reconstruir una trayectoria de aprendizaje, de manera que sea un reflejo global del aprendizaje.

Es importante destacar que los medios biográficos, cuando se usan bien, permiten que el alumno tome la iniciativa, procure ser creativo, se interese especialmente en aquello que más le atrae, se acostumbre a explicar lo que hace, muestre habilidades o conocimientos que las pruebas comunes no detectan, etc.

Pero sea cuales sean los instrumentos de evaluación que utilicemos, siempre es necesario que combinemos instrumentos diferentes que midan capacidades y aspectos distintos, ya que cuantas más evidencias de evaluación tengamos, más fiables serán los juicios que obtengamos.

Lo mejor es una mezcla de diferentes instrumentos, usando tanto los puntuales como los biográficos, ya que si utilizamos siempre el mismo tipo de prueba sólo medimos una determinada faceta del aprendizaje, y corremos el riesgo de que el alumno se acostumbre a trabajar sólo para el tipo de prueba que vamos a hacer, lo cuál no sirve para aprender. Por lo tanto deformamos el proceso de aprendizaje puesto que el alumno acaba entendiendo que lo importante es aquello que evalúan las pruebas que hacemos, y no la materia en sí misma.

Así que es fundamental que el docente tenga en cuenta que la mayoría de las pruebas, cuando se usan aisladamente, conducen a resultados erróneos. Por lo tanto es labor del docente el establecer un sistema de evaluación que no dependa sólo de una habilidad concreta.

Además, es interesante recordar que normalmente podremos analizar un mismo proceso para evaluar aspectos muy distintos, desde puntos de vista muy distintos. Pero también teniendo en cuenta, que de manera inversa, para evaluar una cosa concreta no siempre es necesario hacer un ejercicio específico.

A la hora de señalar los procedimientos de evaluación, hay que distinguir dos tipos de ejercicios, los de tipo reproductivo y los de tipo investigativo o de reconstrucción.

Las actividades de tipo reproductivo suelen consistir en aprender un determinado procedimiento y luego volverlo a repetir de una manera más o menos idéntica. Es decir se basa en ejercicios de copia, de repetición, de reproducción de obras famosas, etc.

Las pruebas de tipo reproductivo pueden ser útiles para aprender algunos procesos elementales, para desarrollar determinadas destrezas, como base para pruebas o procedimientos más complejos, etc. Pero los ejercicios de tipo repetitivo o reproductivo deben ser usados sólo puntualmente y siempre evitando cansar al alumno. Y debemos tener en cuenta que su eficacia cognitiva es pequeña, y además pueden llegar a ser inaguantables si se repiten muy a menudo.

Por lo tanto debemos intentar siempre que sean lo más variados posibles, y que el alumno pueda de alguna manera trabajar con ellos su subjetividad, sus inquietudes, etc.

En mi vida de estudiante he encontrado varios profesores de plástica que solo han realizado actividades de este tipo durante todo el curso, lo cual ha hecho que no aprendiésemos nada y que acabásemos detestando la asignatura. En estas clases nunca se nos daba la oportunidad de expresarnos, todo se basaba en copiar y copiar. Además la profesora siempre exigía que las copias fueran exactas, teniendo que repetir una y otra vez la misma actividad hasta que estuviera perfecta. Mi opinión sobre el tema, es que si un profesor sólo realiza este tipo de actividades no esta formando personas, sino que esta creando “robots” capaces de imitar con exactitud algo, unos “robots” que no han aprendido nada.

Por lo tanto estoy de acuerdo con José Pedro en señalar, que lo preferible es realizar pruebas que ofrezcan una mayor relevancia cognitiva, como por ejemplo pruebas de reconstrucción del conocimiento, pruebas que trabajan con narrativas, pruebas de investigación, proyectos de trabajo, etc., ya que normalmente el alumno aprende más con pruebas en las que se ve implicado, en la que se abordan temas que le afectan y que le desafían, en las cuales encuentra sentido a las cosas o aprende más sobre él mismo.

Cambiando de tema, el docente debe tener en cuenta que también hay otros modos de evaluar. Hasta ahora hemos ido considerando la evaluación como algo que efectúa principalmente el docente, pero en la evaluación también pueden participar los alumnos.

Es importante que los alumnos participen en la evaluación ya que los alumnos no van a tener siempre un maestro al lado para que les diga lo que está bien o está mal, por eso al aprender a evaluar, a enjuiciar, lo que esta haciendo es un aprendizaje muy valioso y que les va a ser útil para el resto de la vida.

Los alumnos pueden participar en la evaluación a través de la auto evaluación, la evaluación conjunta, la evaluación en un grupo o la triangulación.

Una de las más interesantes es la triangulación, la cual, consiste en recoger información desde diferentes puntos de vista, realizando comparaciones múltiples de una misma evaluación y combinando metodologías en su análisis.

En el caso de que dejemos que los alumnos participen en el proceso de evaluación, es necesario acordar cómo será tenida en cuenta su aportación. Lo más corriente es que al maestro le sirva nada más que de orientación para calificar y que sea él quien decida finalmente. Pero podemos decidir que no sea así, y respetar completamente lo que el grupo o el alumno aportan. Por lo tanto es una decisión que el docente debe tomar en función de lo que considere más adecuado.

Lo que si esta claro, es que, en educación artística son muy adecuados estos sistemas de participación de los alumnos en la evaluación porque les permite compartir los argumentos y juicios sobre el interés, la calidad, el atractivo, etc., de las obras de arte.

Y también está claro que el diálogo y el intercambio de información son fundamentales para construir un aprendizaje adecuado., ya que cuando el alumno participa en el proceso de evaluación, se hace más responsable de su trabajo y asume también mejor los resultados del mismo. Por su parte, el docente obtiene una información mucho más amplia de lo que pasa en clase, de lo que sus alumnos han experimentado y piensan, y, a menudo, también sobre el currículum oculto.

Con esto terminamos la clase teórica de hoy, de manera que ya sólo nos quedan por ver un par de apartados más de este núcleo 4.

18/05/10

Práctica

En esta clase realizamos la defensa pública de nuestra exposición del trabajo los 40 principales. Lo que hemos hecho todos hoy, ha sido exponer todo lo que hemos hecho y cuales han sido las conclusiones de nuestro trabajo. Cada grupo ha expuesto su tema de manera diferente, de tal modo que para exponer se han utilizado videos, presentaciones con diapositivas, explicación oral, etc. El tiempo del que dispuso cada grupo no fue más de diez minutos, de manera que teníamos que ser lo más breves posibles, intentando dejar claro que es lo que queríamos investigar/analizar y como lo hemos hecho.

A la hora de exponer, nosotros utilizamos una presentación con diapositivas que mostraba de manera resumida las conclusiones que sacamos de nuestra investigación sobre el tema.

Como nuestro tema era el poder, lo dividimos en varias partes para hacer el trabajo y para exponerlo. Así que Amor expuso el poder político, Sonia el poder de genero, Natalia el poder de los medios de comunicación, y yo el poder de la iglesia.

Cuando terminamos de exponer, realizamos una auto evaluación de la exposición, diciendo que nota creíamos que nos merecíamos. Los compañeros también realizaron una evaluación de nuestro trabajo diciendo la nota que creían que nos merecíamos. Una vez que teníamos esas dos notas, el profesor nos decía la que teníamos al final. Por lo tanto además de la evaluación del profesor se realizó una auto evaluación en un grupo y otra conjunta por parte de todos los compañeros.

En cuanto a nuestra exposición creo que la defendimos bien, aunque también soy consciente de que nos pusimos un poco nerviosos y nos atascamos un poco cometiendo algunos errores. Personalmente, una de las cosas que más nervioso me puso, era saber que contaba con un tiempo limitado de exposición.

Pero al final salió bien y pudimos explicar más o menos cuales fueron nuestras conclusiones de este trabajo.

La valoración que hago de este trabajo es muy positiva, ya que ha sido muy interesante el investigar un tema desde cero, de manera que cuando empezamos no sabíamos hasta donde íbamos a llegar ni que conclusiones íbamos a sacar. La verdad es que he aprendido mucho con este trabajo, ya que me ha enseñado a investigar por nuestra cuenta y a problematizar todo un tema. Otro aspecto que considero muy positivo de este trabajo es la libertad que se nos ha dado en todo momento para elegir y desarrollar el tema que queríamos tratar. También me ha gustado del trabajo el buscar la relación del tema con las imágenes, el buscar las relaciones de poder que hay en las imágenes, de manera que he aprendido mucho sobre las imágenes y lo que nos quieren decir implícita y explícitamente.

El resto de trabajos de los compañeros también me parecieron muy interesantes, algunos de los temas que trataron mis compañeros fueron el desnudo, el paisaje, la mujer, el género, el desnudo como discriminación de la mujer, la violencia, etc.

Para terminar aquí os dejo la exposición de nuestro trabajo.

28/05/10

Teoría

Hoy hemos visitado una exposición de arte contemporáneo que tiene como titulo Nosotras.

Esta exposición la hemos podido contemplar en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, el cuál se encuentra situado en el Monasterio de la Cartuja de Santa Maria de las Cuevas. En este centro de arte tiene cabida cualquier manifestación artística actual.

En esta exposición todas las obras son realizadas por mujeres artistas, y todo esto comienza cuando en los años 70 una artista se plantea por qué no hay mujeres artistas. Durante esta exposición hablaremos de género, de identidad sexual, feminismo, etc. En ella podemos encontrar artistas como Ana Laura Alaéz, Johanna Billing, Valie Export, Carmela García, Dora García, Nan Goldin, Ana Mendieta, Marta María Pérez, Zoe Leonard, Nuria Carrasco, Pepa Rubio, Pilar Alabarracín, etc.

Aquí os dejo un poco de la presentación que nos ofrece el catalogo de la exposición:

“En 1993, el antiguo Museo de Arte Contemporáneo de Sevilla se preguntaba por qué no había mujeres artistas en su colección, algo que también se habían preguntado 20 años antes las artistas femeninas norteamericanas al reivindicar ante los museos más prestigiosos de su país mayor presencia femenina en sus salas. Desde entonces, ha transcurrido el tiempo suficiente para constatar que estas actitudes de denuncia pública y la profunda revisión de la historia del arte llevada a cabo por investigadoras feministas, han ayudado a cambiar la inercia de la sistemática exclusión de la presencia femenina en el entramado artístico.


Nosotras tiene dos precedentes concretos. Uno, local. Otro, internacional. El local es la exposición 100% de 1993 en la que se reunió un conjunto significativo de artistas andaluzas y se publicó un catálogo con textos fundamentales e inéditos en castellano sobre arte y feminismo. De ella se retoma ahora el sujeto y la intención de hacer una exposición con el 100% de mujeres artistas. El precedente internacional es la exposición que bajo el titulo de elles@centrepompidou se celebra actualmente en el museo parisino. Esta muestra en París ha demostrado que el arte del siglo XX puede ser perfectamente narrado por medio de las mujeres que lo protagonizaron. Algo que se acentúa desde los años 60 hasta la actualidad, periodo en el que el CAAC esta especializado. La famosa pregunta retórica de Linda Nochlin ¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas?, habría dejado, por tanto, de tener relativa vigencia por lo que respecta a este último periodo.

La sesión expositiva en la que Nosotras se integra quiere marcar un cambio de tendencia. Así, una de las líneas prioritarias transversales del CAAC se centrará a partir de ahora en cuestiones relacionadas con los géneros y se trabajará activamente para que haya una equiparación real entre ellos, tanto en la colección como en las exposiciones temporales.

Nosotras muestra la diversidad creativa de las mujeres artistas que se han ido integrando gradualmente en la colección del CAAC, generando líneas discursivas enriquecedoras para el conjunto de obras que la configuran.


La exposición Nosotras pone en evidencia algunos de los principales asuntos cuestionados en las últimas décadas por mujeres artistas (identidad, sexualidad, género, vida cotidiana, espacio privado y público…) y facilita una información valiosa para la reflexión sobre lo acaecido en la historia reciente. Nosotras es, por tanto, un primer paso, un informe, casi un estado de situación. Es, en definitiva, un punto de partida.”


La verdad es que la exposición me ha parecido bastante interesante y a  la vez impactante. Me ha sorprendido mucho como muchas de las obras llaman nuestra atención al momento, ya que rompen con lo habitual. La mayoría de las obras tratar de romper los estereotipos en torno a la mujer.

También me ha llamado la atención la fuerte crítica a la sociedad que realizan algunas de estas artistas. Por ejemplo Ann Sofi Sidén realiza una inversión humorística en una serie de fotografías que se realizaron para un estudio para una escultura en bronce, que la muestran en posición de orinar, el giro humorístico radica en el hecho de introducir una figura femenina en un imaginario en el que son habituales las figuras masculinas. Critica las imágenes como el caganet, o la figura de los niños orinando en la fuente y se muestra ella orinando para criticarlas. Esta imagen es una provocación, pero nos tiene que hacer pensar, ¿por qué vemos normal que la imagen sea de un hombre orinando y no lo vemos normal de una mujer?.

Otra artista por ejemplo trata de derribar los estereotipos que se imponen en el cine, y para ello, la mujer ser puso una caja delante de los pechos y la gente que pasaba los tocaba, este hecho tenía como objetivo criticar el papel y la visión de la mujer en el cine. Con esta acción Valie Export transgrede irónicamente las fronteras entre el arte y la vida, al tiempo que pone en evidencia la noción de cine asociado a la proyección de las fantasías masculinas y, por extensión, la objetualización a la que es sometido el cuerpo femenino.

En cambio, Ana Mendieta trabaja con su cuerpo, le preocupa la huella, el paso del tiempo. Sus obras consisten en la impregnación de su cuerpo en la naturaleza. De manera que lleva al extremo sus convicciones sobre la perdurabilidad, dándole mucha importancia a la huella que dejamos.

“Ana Mendieta trabajó fundamentalmente en el campo del arte corporal, la performance, el arte de la tierra, las esculturas, las fotografías y los dibujos. Su serie “Silueta”, realizada entre 1973 y 1980, incluye más de cien obras realizadas en lugares aislados de la naturaleza. Allí, la artista formaba su silueta en el paisaje, invocando a las diosas madres pre-patriarcales, con materiales naturales y elementos del propio cuerpo.”


Otra artista que me sorprendió con sus obras fue Carmela García. En sus obras se habla de identidad sexual, se habla de lesbianismo. Esta mezclando nuestra percepción con símbolos de nuestra sociedad. A la mujer se le trata como objeto sexual y para criticarlo se muestran desnudas. De tal manera que sus fotografías indagan y reflexionan sobre el mundo de las mujeres, dentro del terreno de interrelación del arte y el género y/o los feminismos. “En su represtnación de un mundo idealizado de mujeres, los hombres no suelen estar presentes, planteando un discurso alejado de la tradicional mirada masculina, pero al mismo tiempo abierto y ambiguo. Como en esta fotografía que pertenece a la serie “Chicas, deseos y ficción”, en la que representa a mujeres, solas, en parejas o grupos, en situaciones cotidianas, ofreciendo imágenes en las que el deseo, la seducción y la intimidad están presentes. En esta imagen de una joven urbana, se ofrece una representación entre feminista y lésbica, de un acto cotidiano e íntimo de rasurado de su cabeza.”


Lo que está claro es que han evolucionado tanto las teorías de género que ya se habla de la teoría Queer. La cual nos dice que nadie nace biológicamente predestinado. De tal manera que nuestra identidad de género depende del contexto histórico y sociocultural.

“La Teoría Queer es una hipótesis sobre el género que afirma que la orientación sexual y la identidad sexual o de género de las personas son el resultado de una construcción social y que, por lo tanto, no existen papeles sexuales esenciales o biológicamente inscritos en la naturaleza humana, sino formas socialmente variables de desempeñar uno o varios papeles sexuales.”

http://es.wikipedia.org/wiki/Teor%C3%ADa_Queer

También es interesante como Pilar Albarracín crítica a través de un video los estereotipos y clichés de la mujer andaluza. Así en Bailaré sobre tu tumba escenifica unos pasos de baile flamenco como una lucha entre sexos o género, en la cual el hombre marca los pasos y la mujer se sale de la norma y se escabulle.

En cambio en el otro video que tiene como titulo “Lunares”, la autora nos habla sobre la violencia, el sufrimiento y las humillaciones recibidas por las mujeres, escenificando una acción en la que se clava alfileres en determinadas zonas del cuerpo.

Aquí os dejo un video muy interesante en el que esta artísta nos habla sobre el estereotipo que se ha formado sobre el andaluz y sobre este video en concreto.

Por lo tanto, en esta exposición podemos ver como estas artistas han tratado diferentes temas, pero todos tienen en común a la mujer. La verdad es que ha sido una exposición que me ha sorprendido bastante y que me ha mostrado otra visión de la realidad que vivimos, una visión crítica que nos muestra a una mujer que puede romper con los estereotipos que se han creado en nuestra sociedad.

Para terminar con la exposición, también visitamos otras partes emblemáticas del Monasterio, entre las que destaca la Ermita Franciscana, en la cual es muy interesante la convivencia que se da entre diferentes periodos históricos. También visitamos la sala capitular, la cual se convirtió en una capilla funeraria privada durante el renacimiento.

En esta última sala, para terminar con la visita, José Pedro nos dio un par de explicaciones sobre lo que habíamos visto y sobre la capilla funeraria en la que nos encontrábamos. Para empezar, hay que señalar que está sala nos habla de poder y muerte, nos habla de la creencia del ser humano sobre la existencia de otra vida después de la muerte. De tal manera que muchas personas entienden esta vida como una preparación para la otra vida, ya que la diferencia principal entre un animal y una persona es que la persona sabe que va a morir. Como consecuencia, los hombres se mueren rodeados de ritos, creencias, mitos, etc. Por lo tanto es fundamental comprender que el ser humano desde su propia base biológica ya está rodeado de cultura.

El arte no son representaciones de la realidad, sino que representan símbolos, creencias, bases culturales, etc.

Debemos comprender el contexto en el que se construyo está capilla funeraria, teniendo en cuenta que pertenecen al renacimiento, para comprender cuál es su sentido. De tal manera que estas tumbas representan un triunfo sobre la vida. Estas tumbas nos muestran una de las obsesiones del ser humano, la cual es la individualidad, es decir, no queremos desaparecer, queremos que quede algo de nosotros en este mundo.

Nosotros vivimos como la última parte de una historia que nunca acaba, los seres humanos vivimos ahora el presente, pero también en el pasado y en el futuro.

La cultura inventa su forma de representar donde está el poder de cada uno. La cultura nos va diciendo como tenemos que pensarnos. Por lo tanto las obras de arte son parte del decorado que montamos para vivir la vida, de tal manera que siempre estamos mediatizados por la cultura.

Con esto terminamos la visita de hoy, de la cual creo que he aprendido bastante.

01/06/10

Teoría

En la clase teórica de hoy continuamos con lo poco que nos queda del núcleo 4.

Hoy vamos a empezar hablando sobre un caso especial que se da en educación artística, que es cuando el alumno decide no seguir con un trabajo y abandonarlo.

“Un alumno puede trabajar en un proyecto y luego decidir desecharlo: desde el punto de vista del producto en sí esto sería un fracaso; pero, en el fondo, también podría ser todo un éxito educativo. En la evaluación no sólo se debe prestar atención a la conducta manifiesta; también se debería prestar atención al tipo de pensamiento que se ha aplicado en la realización del proyecto”

(Elliot W. Eisner, 2004: 235)

Si realmente estamos valorando el proceso completo, y no sólo los productos finales, a menudo nos daremos cuenta que un proceso exige a veces abandonar una parte del proyecto, alguno de los ejercicios. Esto puede ser un éxito, porque el alumno está de verdad comprendiendo como se aprende y que es lo importante, y ya ha aprendido del aparente fracaso.

Por lo tanto hay veces que es mejor abandonar un trabajo y empezar uno de nuevo. Ya que cuando ha salido mal ya hemos aprendido algo. Esto me ha pasado a mi varias veces durante este cuatrimestre, la primera fue con el cuadro, el cuál realice varios que no me gustaron y los deseché, pero todos estos trabajos que me salieron mal me ayudaron a mejorar mis dibujos para al final conseguir un mejor resultado.

También me pasó con el esténcil, el cual lo realicé numerosas veces, pero ninguna me convenció, pero todas esas veces que lo realicé ayudaron a mejorar mi técnica tanto el dibujo, como en el recortado, como en el uso del spray.

El maestro debe enseñar a los alumnos que no pasa nada cuando uno se equivoca, y que uno siempre aprende de los errores.

En cambio hay otras veces en las cuales es preciso animar al alumno a que continué y sepa acabar su obra, porque saber acabar es otro aprendizaje. Por lo tanto hay que ver cuando interesa seguir y cuando no.

Otro aspecto fundamental es considerar al alumno en todo momento como un individuo. Por lo tanto es muy importante tener en cuenta cuando evaluamos que el alumno es una persona, un individuo y por tanto no debe ser tratado como una máquina ni como alguien anónimo.

“Cada vez resultan más anacrónicos los programas de evaluación que ignoran las diferencias individuales, los distintos niveles evolutivos y las distintas formas de habilidad. La sensibilidad hacia estos factores debe formar parte de la sensibilidad del profesor evaluador.”

Aguirre (2005)

Hay que tener en cuenta que cada alumno es diferente, de manera que cada uno tendrá su propio ritmo de aprendizaje. Tener en cuenta esas diferencias individuales es una labor fundamental que debe llevar a cabo el docente.

Es esencial que el proceso de evaluación este presidido en todo momento por un enorme respeto al alumno y hacia su trabajo. Pero podemos a la vez ser críticos, incluso muy críticos si parece necesario, y exigir, y gastar bromas, y tomarnos con humor los fallos, pero nunca dejar de facilitar apoyo al alumno/a y soluciones para que pueda seguir trabajando. Manifestaremos siempre nuestra convicción en que puede mejorar, en que es capaz y puede conseguirlo, aunque para ello tal vez necesite más esfuerzo, corregir lo hecho o hacerlo de nuevo.

El maestro debe exigir siempre a sus alumnos ya que para tratar como sujetos a los alumnos hay que exigirles. Pero exigir no significa ser inflexible, sino que significa todo lo contrario, ya que implica ser flexible y facilitar siempre nuevas posibilidades, pero a la vez implica dar el máximo en nuestra docencia, en el acompañamiento del alumno y desde luego también empujar al alumno para que realmente se supere, y crezca.

Con los niños esto es muy importante, ya que a los niños hay que desafiarlos planteándoles problemas y cuestiones que les hagan pensar, investigar, analizar, etc. Si no les exigimos nunca vamos a conseguir que se superen a sí mismos, si no les exigimos se “acomodaran” a la situación y se limitaran a hacer lo justo para aprobar.

Además de todo lo anterior, también es necesario tener en cuenta la existencia del currículum oculto. Ya que a veces el currículo oculto está condicionando, y mucho, los resultados de la clase tanto a nivel general como individual.

También hay que  tener en cuenta que a veces, detrás de un fracaso del alumno o de la falta de rendimiento, hay otras cosas, como por ejemplo: acoso escolar, deseo de no destacar, incapacidad para seguir el ritmo por déficits previos en los que no hemos reparado, dificultades de comprensión, problemas perceptivos o cognitivos no detectados, problemas del propio docente, etc.

En la clase de hoy también hemos visto la presentación que tiene como titulo La Educación Artística en la Loe y la Lea.

En esta breve presentación el profesor nos estuvo hablando sobre la legislación vigente y su aplicación en el área de educación artística.

En la presentación del área artística, en la legislación, se dice:

“La Educación artística involucra lo sensorial, lo intelectual, lo social, lo emocional, lo afectivo y lo estético, desencadenando mecanismos que permiten desarrollar distintas y complejas capacidades con una proyección educativa que influye directamente en la formación integral del alumnado, ya que favorece el desarrollo de la atención, estimula la percepción, la inteligencia y la memoria a corto y largo plazo, potencia la imaginación y la creatividad y es una vía para desarrollar el sentido del orden, la participación, la cooperación y la comunicación.”

Pero olvida una parte fundamental, que es la comprensión crítica y también olvida lo relativo a la identidad, así como la mayoría de las aportaciones de Efland sobre cognitividad y complejidad. Por lo tanto es nuestro trabajo como docente añadirle lo que la falta a la ley.

En la legislación se pone mucho énfasis en el desarrollo de las competencias, por lo tanto venimos a desarrollar competencias. Las competencias básicas son las siguientes:

  • 1. Competencia en comunicación lingüística
  • 2. Competencia matemática
  • 3. Competencia en el conocimiento y la interacción con el mundo físico
  • 4. Tratamiento de la información y competencia digital
  • 5. Competencia social y ciudadana
  • 6. Competencia cultural y artística
  • 7. Competencia para aprender a aprender
  • 8. Autonomía e iniciativa personal”

En cuanto a las competencias, si bien están referidas al final de la etapa de Educación obligatoria, es preciso que su desarrollo se inicie desde el comienzo de la escolarización, de manera que su adquisición se realice de forma progresiva y coherente. Por ello, la Educación primaria tomará como referente las competencias que aquí se establecen y que hacen explícitas las metas que todo el alumnado debe alcanzar. Aunque hay aspectos en la caracterización de las competencias cuya adquisición no es específica de esta etapa, conviene conocerlos para sentar las bases que permitan que ese desarrollo posterior pueda producirse con éxito.

En cuanto, al currículo, se estructura en torno a las áreas de conocimiento, y es en ellas en las que han de buscarse los referentes que permitirán el desarrollo de las competencias en esta etapa.

Es muy importante que todo el sistema funcione de manera artística, ya que cuando trabajo artística estoy trabajando lengua, sociales, etc. Por lo tanto es importante que todas las áreas trabajen todas las competencias., de manera que todas las áreas contribuyan a todo.

Por lo tanto el área de educación artística contribuye al desarrollo de todas las competencias básicas.

En cuanto a la competencia cultural y artística, en la legislación se olvida la capacidad de las artes y lo visual para ser el núcleo de los procesos de globalización y aprendizaje complejo, lo cual es fundamental.

El área de artística desarrolla también la autonomía e iniciativa personal, de tal modo que al hacer de la exploración y la indagación los mecanismos apropiados para definir posibilidades, buscar soluciones y adquirir conocimientos, se promueve de forma relevante la autonomía e iniciativa personal. Pero la legislación olvida todo lo referente al trabajo con la identidad personal, que es un aspecto fundamental en la escuela actual. Ya que está excesivamente referido al “hacer” y casi nada a la autonomía e iniciativa al trabajar sobre arte y visualidad.

El área es también un buen vehículo para el desarrollo de la competencia social y ciudadana. En el ámbito de la Educación artística, la interpretación y la creación suponen, en muchas ocasiones, un trabajo en equipo. Esta circunstancia exige cooperación, asunción de responsabilidades, seguimiento de normas e instrucciones, cuidado y conservación de materiales e instrumentos, aplicación de técnicas concretas y utilización de espacios de manera apropiada. Pero la legislación olvida por completo el papel de las imágenes y la visualidad en la formación ética, democrática y social del individuo, lo cual es un gran error que debemos corregir.

En lo que se refiere a la competencia en el conocimiento e interacción con el mundo físico, el área contribuye a la apreciación del entorno a través del trabajo perceptivo con sonidos, formas, colores, líneas, texturas, luz o movimiento presentes en los espacios naturales y en las obras y realizaciones humanas. El área se sirve del medio como pretexto para la creación artística, lo explora, lo manipula y lo incorpora recreándolo para darle una dimensión que proporcione disfrute y contribuya al enriquecimiento de la vida de las personas. El problema de la legislación en el desarrollo de esta competencia es que da a entender que el mundo físico es algo objetivo que existe fuera de nosotros. Esto es un error grave ya que nosotros conocemos el medio a través de creencias e interpretaciones y, sobre todo en nuestro mundo, a través de las imágenes.

A la competencia para aprender a aprender se contribuye en la medida en que se favorezca la reflexión sobre los procesos en la manipulación de objetos, la experimentación con técnicas y materiales y la exploración sensorial de sonidos, texturas, formas o espacios, con el fin de que los conocimientos adquiridos doten a niños y niñas de un bagaje suficiente para utilizarlos en situaciones diferentes. Pero la legislación olvida aprender a aprender a través de la indagación sobre el arte y lo visual, no solo haciendo arte. Este aspecto es fundamental y tendremos que trabajarlo siempre.

A la competencia en comunicación lingüística se puede contribuir, como desde todas las áreas, a través de la riqueza de los intercambios comunicativos que se generan, del uso de las normas que los rigen, de la explicación de los procesos que se desarrollan y del vocabulario específico que el área aporta.

Y al tratamiento de la información y la competencial digital se contribuye a través del uso de la tecnología como herramienta para mostrar procesos relacionados con la música y las artes visuales y para acercar al alumnado a la creación de producciones artísticas y al análisis de la imagen y el sonido y de los mensajes que éstos transmiten. También se desarrolla la competencia en la búsqueda de información sobre manifestaciones artísticas para su conocimiento y disfrute, para seleccionar e intercambiar informaciones referidas a ámbitos culturales del pasado y del presente, próximos o de otros pueblos.

Y por último y aunque en menor medida, el área contribuye al desarrollo de la competencia matemática al abordar conceptos y representaciones geométricas presentes en la arquitectura, en el diseño, en el mobiliario, en los objetos cotidianos, en el espacio natural, y en aquellas ocasiones en las que se necesitan referentes para organizar la obra artística en el espacio.

Por lo tanto como ya hemos visto, la legislación olvida muchos aspectos fundamentales que hay que trabajar con los alumnos, por lo tanto es parte de nuestro trabajo como docentes añadirle todo lo que le falta a la legislación hasta completarla y adaptarla a las necesidades educativas de los alumnos.

01/06/10

Práctica

En la clase práctica de hoy expusimos la narración final. Al final los personajes y el diálogo quedaron así:

PERSONAJES

  • Manuel Rodríguez Fernández (Paco, el obrero)
  • Iván Seisdedos Alcaide (El chulo)
  • Daniel Prieto Castilla (Doctor Amor)
  • Ramón Vázquez Mancha (El paqueta)
  • Manuel Ángel Morales Chornet (El tartaja)

DIÁLOGO

Doctor Amor (DA), anunciando su ayuda por TV: – ¿Os sentís solos? ¿Queréis despertaros al lado de alguien todas las mañanas? ¿Queréis formar una familia en el futuro? No dejes pasar esta oportunidad. Ha llegado a su ciudad el Doctor Amor.

-          Los cinco primeros en llamar al 959696969 recibirán un kit completo del amor, que incluye preservativos, lubricantes y otros tipos de objetos sexuales. Recuérdalo, no pierdas la oportunidad, llama al Doctor Amor.

El chulo (C) habla con el paqueta (P) sobre el curso, además de un amigo (A), al que le preguntan si van a acudir al curso.

C: – ¡Qué mierda de vida tío¡

P: ¿Eh?

C: La puta esta de la Nati que me ha “dejao”

A: – ¡Qué pasa poche!

C: – Illo, torero

P: – Illo, ¡qué dices tío!

C: – ¿Esto es lo que has encontrado más cerca de la universidad, no?

A: – No ni na

C: – ¡Qué vergüenza!

C: – Escúchame paqueta

P: – ¿Qué?

C: – ¿Viste el otro día el anuncio ese del Doctor Amor?

P: – ¿Qué anuncio?

C: – El cursito que te ayuda a meterla

P: – ¡Enga ya!

C: – Te lo juro, ¿te vienes conmigo o qué?

P: – Pero, ¿allí se puede fumar?

C: – Supongo, ¿no?

P: – Po allí estoy yo contigo donde haga falta

C: – Enga

C. Dirigiéndose al amigo. – Tú qué cabeza, ¿te vienes?

A: – Yo no voy. Eso a mí no mee hace falta.

C: – Tú vas sobrao de dinero, ¿no?

A: – Que me llevo un mes sin mojarla, maquilo (refiriéndose a pagar).

C: – ¡Qué hijo de puta!

Unas horas después, entran en la oficina del Doctor Amor, se saludan y el Doctor Amor les da información sobre el curso, les explicita los horarios y les da una ficha explicativa sobre el curso. El amigo del paqueta y del chulo le dice al Doctor que a él ese curso no le hace falta, y, aunque el Doctor intenta convencerle, no lo consigue y este no asistirá al curso. Al final, se citan para el día en el que comiencen las clases. Antes de salir, el paqueta le pide un cigarro y el Doctor contesta que no fuma.

Paco, el obrero (O), viendo el anuncio del Doctor Amor: – Me cago en la puta, ahora sí que voy a tener pelos en la lengua que no son míos.

El Doctor Amor llama al chulo mientras estaba durmiendo la siesta.

C: – ¿Quién coño es? (en tono despectivo).

DA: – Iván señor, siento haberle despertado no era mi intención; sí, sé que no son horas pero lo siento vamos, no era mi intención espabilarlo. Sí, mira, sólo era informarle a usted y al resto de componentes del grupo que por problemas que hemos tenido en el centro en el que íbamos a impartir el curso, se va a cambiar la clase a mi domicilio. Sí, tiene usted dónde apuntar (respondiendo a la pregunta del lugar en el que se encontraba su domicilio). Pues mira, San José 5, 3º B. Les espero allí a las 4 de la tarde sí; venga, disculpe las molestias. Lo siento señor Iván, venga, hasta luego, descanse, hasta luego.

C: – Vale, vale. Venga, sin problema, no pasa nada. Adiós. Puto Doctor Amor de los cojones, que no deja ni dormir una siesta ya a las 8 de la tarde en este país. Me cago en diez.

Al día siguiente, el Doctor entra en la sala dispuesto a dar las clases. Pero, antes, el chulo entra en la clase y saluda a su amigo el paqueta y se presenta con Paco, el obrero. Se preguntan entre ellos que dónde está el Doctor Amor.

Entra el Doctor Amor en la sala.

DA: – Buenas tardes, ¿Qué pasa alumnos? (Se disculpa con el chulo por molestarlo el otro día) ¿Dónde está vuestro amigo el paqueta, como ustedes le llamáis?

El obrero se le presenta

O: – Hola, yo soy Paco. Soy albañil, o “ponedor” de ladrillos, que es lo mismo

El chulo responde a la pregunta que dónde está el paqueta: – Le ha dado un apretón y está usando su baño.

DA: – Hombre, la confianza da asco aquí ya. ¿Tenéis alguna duda? Bueno, veo que no. Esto es un curso práctico, pero antes tendremos a conocer algunas cuestiones teóricas. Ruego silencio mientras que sale el compañero del trabajo. Paco, ¿qué es para ti el amor?

O: – Pues para mí el amor es como un ladrillo, cuantos más agujeros tapes, mejor.

DA: – Hombre no creo que sea así Paco, podría reflexionar usted sobre ese tema. Tenemos un mes para cambiar esa opinión.

Sale el paqueta del cuarto de baño y saluda al Doctor cordialmente diciéndole que el dinero es oro y que no les estafe.

DA: – Iván (al chulo), ¿qué es para ti el amor?

C: – Yo no voy a andar con rodeos maestro, amor mis pelotas (sus compañeros se ríen)

El Doctor Amor ruega que se corten las risas y pregunta al chulo el porqué de su pensamiento.

C: – ¿Tú sabes que es lo suyo?

DA: – ¿El qué?

C: – Mojar el capullo.

DA: – No me hace ninguna gracia.

C: – Pues eso es lo que hay. ¿Tú qué dices paqueta? (riéndose para que su amigo le dé la razón?

P: – El amor es lo que hago yo con la yonqui todas las noches.

Pegan en la puerta. Es el otro alumno, el tartaja. El Doctor abre la puerta.

El tartaja habla (T) tartamudeando repetidamente: -Hola, ¿este es el curso del amor?

DA: -Sí, pasa, ¿cómo te llamas? (le pide a sus compañeros respeto, sobre todo al chulo).

T: -Yo, Manuel Ángel

DA: – Vale Manuel Ángel, siéntate aquí al lado de Paco.

DA: – Bueno, ya hemos dado la parte teórica, vamos a empezar con la práctica. Voy a traer yo a una amiga y ustedes intentaréis cortejarla. A ver cómo va la cosa.

C: – Venga, ya era hora.

El obrero, al ver a la mujer se dirige a ella, y el Doctor le dice que qué le diría para ligársela. También le dice que dónde va con el caso, y Paco le dice que en el trabajo como con las mujeres, seguridad ante todo.

O: – Bueno, pues yo le diría que quién es su ginecólogo, para chuparle los dedos. ¿No está bien?

DA: -Así no te la llevas

O: – Yo creo que sí

DA: – Bueno, pues son las 6 de la tarde, hemos terminado la clase de hoy. Os recuerdo que me tenéis que pagar el dinero de esta clase y la mitad del curso por adelantado y mañana nos vemos aquí a la misma hora.

Sus alumnos se quejan diciéndole que no quieren pagar puesto que no han hecho nada.

EL Doctor responde: – El próximo día traeré más mujeres y seguiremos practicando con ellas.

P: – Esto me huele a mí raro, ¿eh?

Los alumnos le dan el dinero por adelantado y se saludan con vistas a verse el próximo día.

La esposa del Doctor sale del cuarto y le habla a su marido, el Doctor.

Esposa (E): – Cari, ¿ya se han ido los pringaos?

DA: – Ya se han ido, mira el regalito que nos han dejado (mostrándole el dinero). He puesto el anuncio y han venido aquí cómo moscas, los tontos estos. Nos han dejado aquí más de doscientos euros, con esto nos podemos pegar un viajecito bueno. Nos vamos a ir al Caribe, y más tarde, pondré otro anuncio y les robaré otros doscientos euros. ¡Qué pelotazo hemos pegado! (Entre risas, con su esposa)

Al día siguiente sus alumnos llegan al portal de la casa del Doctor y empiezan a llamar a la puerta, al vez que no le abren, se dan cuenta de que no les abre la puerta y que ese anuncio ha sido una estafa.

La verdad es que esta actividad ha sido una de las más entretenidas de todo el curso, ya que haciendo el diálogo y grabando las escenas nos hemos reído muchísimo, pero también nos hemos dado cuenta de que no es tan fácil realizar el video. De tal manera que nos ha costado pensar las escenas y darle sentido al mensaje. Pero lo que más tiempo nos ha llevado ha sido el montaje de las escenas con el movie maker.

Cuando el profesor nos corrigió el video nos aclaró cuales fueron nuestros errores principales. Entre los errores estaban que las escenas no eran muy adecuadas, que el audio no era muy bueno, que el mensaje no quedaba muy claro y que los personajes no estaban lo suficiente caracterizados. Pero bueno al fin y al cabo no quedó tan mal.

En esta clase nos divertimos bastante viendo las narraciones de los demás compañeros. Pero la que más me gustó fue una performance que realizaron unas compañeras sobre el alzheimer, que la verdad es que impactó a todos los compañeros. También me pareció interesante un video-reportaje que realizaron otros compañeros al estilo “callejeros”, ya que en se trataba el tema de la contaminación de Huelva, lo cual creo que es un tema para tratar muy interesante. Estas son los trabajos que más me llamaron la atención, pero la verdad es que todas las narraciones estuvieron bastante bien.

En esta clase práctica de hoy, además de entregar la narración, también entregamos el esténcil en el cartón de proyecto con el collage por detrás.

Para realizar el esténcil en grande, lo único que he hecho es ampliar la plantilla a tamaño de cartón de proyecto, recortarla y volver a echar el espray.

El collage está realizado con las imágenes que me construyen y que me han ido construyendo a lo largo de mi vida. He puesto todo tipo de imágenes, pero las más importantes se encuentran en el centro, he querido reflejar una especie de espiral de imágenes que me han ido construyendo hasta lo que soy hoy en día.

Para terminar con este día os dejo las imágenes de como hice el esténcil y el resultado final que obtuve, además también os dejo una imagen del collage que realicé.

08/06/10

Teoría

En la clase de hoy estuvimos preparando en grupos de cuatro una propuesta didáctica. Antes de elaborarla tenemos que plantearnos cuatro preguntas, ¿qué enseñar?, ¿para qué enseñar?/ ¿por qué enseñar?, ¿cómo enseñar? y ¿cuándo enseñar?

Como lo primero que teníamos que plantearnos era el qué enseñar, cada grupo fue decidiendo un tema o idea central para enseñar. Después los escribimos todos en la pizarra y votamos para ver cuál era el más interesante para tratar, de manera que el que tuviese más votos sería el tema a partir del cual tendríamos que desarrollar la propuesta didáctica. Nuestro grupo eligió como tema analizar y valorar la intención comunicativa de las imágenes en los medios de comunicación.

Los temas que desarrollamos entre toda la clase fueron los siguientes:

  • Oficios, valores, ciudades.
  • Salud y alimentación.
  • Como cambia la mirada de las cosas.
  • Película revolucionaria.
  • Medios de comunicación.
  • Construcción de la realidad a través de las imágenes.
  • Expresión libre de los sentimientos.
  • Interpretación con técnicas.
  • La publicidad.

Después de escribir los temas en la pizarra votamos cuál era el que nos parecía más interesante, y al final el que obtuvo más votos fue el tema que trata la construcción de la realidad a través de las imágenes.  Por lo tanto el tema en el que nos basamos para realizar nuestra propuesta didáctica fue este.

Para terminar con este día aquí os dejo nuestra propuesta didáctica.

PROPUESTA DIDÁCTICA EDUCACIÓN ARTÍSTICAS

QUÉ: Analizar y valorar las imágenes como constructoras de la realidad, generadoras de identidades y de patrones de conducta.

PARA QUÉ/ POR QUÉ: Para desarrollar una capacidad crítica y comprenderse a sí mismo y al mundo que les rodea, de manera que el alumno y alumna, ante la enorme cantidad de información e influencias existentes sepa discernir qué información es relevante y cuál no, y qué es lo que nos imponen las imágenes.

CÓMO: Analizando y criticando las diferentes imágenes que se nos presentan.

CUÁNDO: Durante el segundo trimestre del 5º curso de primaria.

Para desarrollar la clase nos basaremos en un modelo activista con algunos rasgos del curricular. De tal modo que el profesor ejercerá de guía y el alumno será el que construya su propio conocimiento. Todas las actividades se agruparán en torno a un tema de trabajo, el cual se llamará “Nosotros y nuestro mundo”. A la hora de desarrollar las actividades trataremos que sean lo más interdisciplinar posible, buscando siempre la máxima relación entre las distintas materias. Intentaremos fomentar la investigación, la motivación, el trabajo en grupo, la curiosidad, etc.

Tendremos también muy en cuenta, que los temas y problemas planteados en clase se relacionen con la vida cotidiana de los alumnos para que de esta manera se produzca un aprendizaje significativo en ellos.

Objetivos:

  • Indagar en las posibilidades de la imagen y el movimiento como elemento de representación y comunicación y utilizarlos parar expresar ideas.
  • Explorar y conocer materiales e instrumentos diversos y adquirir códigos y técnicas específicas de los diferentes lenguajes artísticos.
  • Realizar producciones artísticas de forma cooperativa, asumiendo distintas funciones y colaborando en la resolución de los problemas que se presenten y sabiendo recibir y expresar críticas y opiniones.

Contenidos:

  • Conocimiento de la realidad a través del análisis crítico de todo tipo de imágenes y obras, analizando y valorando la intención comunicativa de las imágenes.
  • Realizar obras artísticas propias que reflejen la construcción de la realidad por parte del alumnado.
  • Actitud de respeto ante trabajos propios y de los compañeros/as.
  • Conocimiento de las diferencias culturales que se observan en las imágenes.
  • Manipular materiales para la elaboración de imágenes.
  • Creación cooperativa de diferentes escenas artísticas.
  • Utilizar las tecnologías de la información y la comunicación para investigar y analizar todo tipo de imágenes.
  • Composición y preparación de documentos de comunicación artística basados en la originalidad, espontaneidad, sentimientos y vivencias de forma personal.

Actividades:

  • Empezaremos con una actividad motivadora, la cual será ver una película.
  • Realizar un debate en clase sobre la película, analizando las diferentes identidades que se construyen en la película, (superhéroes, princesas, brujas, etc.) intentando comprender la realidad que construyen.
  • Realizar un final alternativo para la película donde reflejen su creatividad, originalidad. La actividad se podrá realizar de diferentes maneras: realizando un diálogo escrito, realizando una representación artística, como por ejemplo un teatro o utilizando medios audiovisuales.
  • Elaborar un collage en grupo de 3 personas, el cual se dividirá en dos partes. La primera parte reflejara el mundo ideal que construyen las películas, en cambio la segunda parte deberá reflejar el mundo “real” en el que vivimos diariamente, reflejando sus dificultades y problemas.
  • Investigar sobre un tema que le interesa a los alumnos, como por ejemplo los videojuegos. Buscando información en las diferentes tecnologías de la comunicación para que puedan conocer mejor el tema y desarrollar la capacidad crítica también con lo que más les gusta, construyendo su propio conocimiento y opinión sobre el tema.
  • Realizamos una salida a un museo para observar y analizar obras de diferentes culturas, planteándonos cuál es la influencia de la cultura sobre las imágenes.
  • Analizar las diferentes relaciones familiares que se dan en distintas culturas, y plantearles por qué creen que esas relaciones son diferentes en cada cultura. Esto se realizará en forma de asamblea, donde cada niño dirá lo que piensa y de forma cooperativa se recogerán las ideas principales. A partir de esto se realizará un mural que refleje los valores actuales de la familia en la sociedad.
  • Transformar una imagen a partir de una fotografía recortándola y recolocando las piezas obtenidas en forma de collage.
  • Realizar varios autorretratos, representado cómo éramos en el pasado, cómo somos en el presente y como creemos que seremos en un futuro.
  • Realizaremos una fiesta donde los niños y niñas vendrán disfrazados de lo que a ellos les gustaría ser después de haber aprendido a ser críticos con las imágenes y sus ideales.

Evaluación:

El tipo de evaluación que utilizaremos será continua y formativa, evaluando de esta manera, todo el proceso de enseñanza-aprendizaje. De este modo, se evaluará tanto al alumnado como al profesor, los recursos, el proceso, etc.

Teniendo en cuenta los objetivos y los contenidos evaluaremos al alumnado en función de los siguientes criterios:

  • La adecuada búsqueda de información en los diferentes soportes tecnológicos y su comprensión y análisis.
  • La correcta formulación de opiniones fundamentada en el conocimiento sobre los temas tratados.
  • Expresión oral y escrita de los temas tratados.
  • El trabajo en grupo realizando representaciones plásticas de forma cooperativa que implican organización espacial, uso de materiales diversos y aplicación de diferentes técnicas.
  • Representar de forma personal y cooperativa ideas valiéndose de los recursos que el lenguaje plástico y visual proporciona.
  • Interés, motivación y participación.
  • La correcta ortografía lingüística.
  • Que las fuentes de información sean adecuadas.
  • Creatividad y originalidad en los trabajos.
  • Comportamiento y actitud ante la asignatura.
  • Respeto hacia los compañeros.

Aquí os dejo el archivo de word para que podaís bajar la propuesta didáctica.

PROPUESTA DIDÁCTICA EDUCACIÓN ARTÍSTICA

Conclusión

Antes de dar por terminado el blog me gustaría señalar las principales conclusiones que he sacado de mi trabajo a lo largo de todo el curso y de mi opinión sobre la asignatura.  A la hora de realizar esta conclusión voy a intentar ser lo más sincero posible.

Antes de empezar las clases de esta asignatura he de reconocer que estaba un poco “asustado”, ya que educación artística siempre había sido una de las asignaturas que peor se me daban cuando estaba en el colegio y en el instituto. Pero cuando comenzamos las clases me di cuenta de que esto iba a ser distinto.

Para empezar, he de decir que en las clases prácticas se nos ha dado a todos la posibilidad de poder aprobar ya que lo que se nos ha exigido es mucho esfuerzo. Con esto me refiero a que en esta asignatura no he necesitado dibujar muy bien, ni utilizar las técnicas como un profesional. Lo único que he necesitado es poner interés en lo que hago y buscar siempre la calidad en los trabajos. Los trabajos que hemos realizado durante el curso no se han parecido en nada a lo que yo me imaginaba en un primer momento. Yo me imaginaba que iban a ser los típicos trabajos que sólo se basan en repetir, copiar, etc., y que no dejan a un alumno expresarse. En todos los trabajos hemos tenido siempre mucha libertad a la hora de realizarlos a nuestro modo, de tal manera que se nos ha permitido expresarnos y ser nosotros mismos.

Conforme ha ido pasando el curso me he soltado poco a poco y he perdido el miedo que tenía a dibujar y a todo lo relacionado con la plástica y los ejercicios manuales gracias a la forma de trabajar que hemos tenido en esta asignatura. También ha sido muy interesante que en todos los trabajos se nos haya dado la posibilidad de mejorar, lo cual creo que es muy acertado en ha sido muy interesante que en todos los trabajos se nos haya dado la posibilidad de mejorar, lo cual creo que es muy acertado ya que nos hace aprender más y ser más exigentes con nosotros mismos.

Considero que los trabajos han sido difíciles, ya que en ellos se nos ha exigido mucho,  pero a la vez han sido interesantes, originales, y motivadores. Han sido trabajos que cuando los realizabas te hacían trabajar mucho de tal manera que siempre acababa intentando mejorarlos o realizar otro mejor. Hay trabajos como por ejemplo  el del cuadro que me han hecho “sufrir” teniendo que realizarlos una y otra vez, pero al final hasta le he cogido el gusto porque me he dado cuenta de que iba mejorando con cada cuadro que pintaba, y que conseguía al final resultados que no me esperaba.

Lo único que puedo criticar de estas clases prácticas es que nos mandase un trabajo como es la narrativa final cuando sólo quedaban unas semanas para terminar el cuatrimestre. El problema no ha estado en el trabajo en sí mismo, el problema ha sido que se nos ha mandado el trabajo cuando estábamos “saturados” de trabajos y exámenes de otras asignaturas, por lo que hemos tenido dificultades a la hora de realizar un trabajo en grupo, en el cual todos se tienen que poner de acuerdo para quedar, en unas fechas tan próximas a los exámenes. A lo mejor creo que hubiera sido mejor ponerla antes y dejar para el final algún trabajo individual que podamos realizar en casa sin necesidad de quedar. Pero ante todo quiero dejar claro que este trabajo ha sido uno de los que más me ha gustado del curso ya que además de aprender a narrar visualmente, nos lo hemos pasado muy bien grabándolo y trabajando en grupo.

Por todo lo dicho, valoro muy positivamente las clases práctica ya que ha sido algo diferente y que no esperaba. Además todos los trabajos me han parecido muy interesantes y he aprendido algo de cada uno de ellos.

En cuanto a la teoría he de señalar que me ha sorprendido mucho el temario que hemos dado en esta asignatura, pero me ha sorprendido para bien.

Una vez terminado el curso y analizando lo aprendido, he de decir que he aprendido más de lo que me podía esperar. Estas clases me han enseñado otra forma de entender la educación artística y la educación en general. También me ha enseñado a mirar las cosas con otra mirada, ya que sí algo ha despertado en mi es una capacidad crítica. Está claro que ahora no veo las cosas del mismo modo que cuando empecé, estas clases han hecho que me lo cuestione todo, es decir que me ponga a pensar que hay detrás de todo. Ahora cuando veo, por ejemplo, un anuncio, no lo veo igual, ahora siempre busco más allá de lo que se nos muestra a simple vista. También he aprendido que somos seres culturales y que casi todo es una construcción social, de tal manera que ahora también veo de manera distinta nuestra forma de actuar y comportarnos. Pero sobre todo me ha hecho darme cuenta de que las cosas pueden ser de otro modo y que tenemos que ser nosotros los que construyamos nuestra propia historia, de manera que no nos dejemos influenciar por todo lo que nos viene impuesto.

Otra parte muy interesante de las clases teóricas ha sido el trabajo de investigación que hemos realizado. Este ha sido el primer trabajo de este tipo que he realizado y he aprendido mucho de él, ya que hemos tenido que elaborarlo todo nosotros mismos.

En todos los trabajos que había realizado siempre se nos había dado un tema y unas pautas de trabajo muy cerradas que apenas permitían darle un toque propio a esos trabajos, pero este trabajo ha sido distinto porque realmente nos ha hecho pensar.  En este trabajo se nos ha dado libertad tanto para elegir el tema como para desarrollar su contenido y creo que para el alumno esto es muy positivo.

Otra parte interesante dentro de la teoría ha sido el tener que realizar el blog, ya que me ha parecido muy buena idea utilizarlo para reflejar todo lo que hemos hecho durante el curso. También es positiva la libertad que se nos da a la hora de realizarlo, ya que cada uno completa las explicaciones del profesor a su manera, por lo tanto somos nosotros los que estamos construyendo nuestro conocimiento, de tal manera que seguro que lo que tratemos en el blog quedará mejor aprendido que lo que hayamos estudiado para un examen. Creo que el blog es una muy buena herramienta educativa, la cual refleja el trabajo de todo el curso dejando expresarnos libremente.  También he de decir que el blog tiene algunas “pegas”, una de ellas es la gran cantidad de tiempo que se pierde subiendo el texto y las imágenes al blog, ya que muchas veces he llegado a perder la paciencia de lo lenta que iba la página, por lo tanto ha sido un trabajo al cual le he tenido que dedicar muchísimas más horas que a cualquier otro trabajo.

Al igual que con las prácticas son pocas las críticas que  puedo hacer. De tal manera que  lo único que puedo criticar es que el temario ha sido muy extenso y que ha habido partes que la hemos visto muy rápido. Por ejemplo la parte de la evaluación creo que la hemos visto demasiado por encima, y lo he notado cuando he tenido que hablar de ella en el blog.

Por lo tanto, mi valoración de las clases teóricas es muy positiva ya que creo que he aprendido tanto cosas que me pueden servir en un futuro como maestro, pero también he aprendido cosas que me han ayudado mucho personalmente. Pero con lo que me quedo es con esa nueva “mirada” que ha creado en mí, ya que ahora “veo” las cosas desde otra perspectiva, desde un punto de vista más crítico.




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